JONATHAN CARROLL INTERVJUER EVA ROTHSCHILD OM Å REPRESENTERE IRLAND PÅ DEN 58. VENEDIGE BIENNALE.
Jonathan Carroll: Biografien din er den perfekte motsatsen til brexit: du ble født i Dublin; studerte ved University of Ulster, Belfast; bor i London og har en MA fra Goldsmiths; og du blir ført til Venezia av Void Gallery i Derry, med en kurator fra Cork. Er det god timing for en slik europeisk innsats?
Eva Rothschild: Vi var ikke alene om å være engstelige for å få alt transportert til Venezia før den første Brexit-datoen. De skotske, walisiske og britiske paviljongene installerte alle tidlig for å unngå vanskeligheter. Det er ingenting i showet som direkte relaterer seg til brexit - jeg lager ikke arbeid som har en fortelling på den måten. Det er interessant å jobbe i Nord-Irland i dette sentrale øyeblikket i forholdet mellom Storbritannia og Irland. Bor i Storbritannia, det er veldig viktig for meg å identifisere meg som en irsk kunstner.
JC: Utvelgelsesprosessen for Venezia-biennalen er veldig konkurransedyktig og involverer mye samarbeid mellom kommisjonær, kurator og kunstner. Kan du gi innsikt i hvordan teamet ditt kom sammen?
ER: Jeg har ønsket å gjøre Venezia i evigheter, men hadde ikke innsett at du måtte søke om det. Som en del av prosessen med åpen samtale nominerer kuratorer og kommisjonærer kunstnere som de vil jobbe med. Mary Cremin og jeg hadde ønsket å jobbe sammen en stund, og da ble hun utnevnt til direktør for Void i Derry. Mary er en styrke som skal regnes - en dynamisk, men likevel rolig person som kan takle hva som helst og har stor kuratorisk bluss. Du må også sørge for at det er en slags institusjonell støtte, å koordinere og gi strukturer for å få prosjektet til å skje. Et stort spørsmål er selvfølgelig tilleggsfinansiering.1
JC: Et av kunstrådets viktigste kriterier for kunstnere i Venezia er kapasiteten til å bringe praksis til et annet nivå - ble du bedt om å "tenke stort"?
ER: Jeg er nesten 50 og har jobbet som kunstner i 25 år. Jeg antar at hvis du vil at jeg skal gjøre et prosjekt, vet du at det sannsynligvis vil være skulptur, selv om dette ikke er det samme som å lage et show for et lite kommersielt rom eller gjøre et arkitektonisk prosjekt. I alle fall tar du hensyn til utstillingens sammenheng. Å vise i Venezia er som å gjøre den mest offentlige utstillingen du kan forestille deg. Det er en forventning om at arbeidet vil demonstrere en skala og ambisjon som ikke passer i andre sammenhenger. Som billedhugger føler jeg at mye internasjonalt anerkjent samtidsirsk kunst er ganske fortellingsbasert, eller veldig mye å gjøre med tidsbaserte medier. Jeg følte det var viktig at arbeidet mitt holdt seg til en skulpturell kjerne, så det er veldig mye jeg nærmer meg paviljongen for å understreke fysisk skulpturelt engasjement. Det er verdt å merke seg at den irske paviljongen ligger som en fortsettelse av den viktigste utstillingen i Venezia-biennalen - kuratert av Ralph Rugoff i år - i motsetning til de frittstående nasjonale paviljongene i Giardini. Det er det eneste gjenværende kunstverdenen som er organisert rundt nasjonal identitet. Historien og levetiden til Venezia-biennalen og plassering av paviljongene ekko den kolonistrukturen som nå erodert. Den irske paviljongen er liksom i delen 'post-koloniale' - det er et bra sted å være.
JC: Kan vi forvente noe av omfanget av Duveen-kommisjonen i 2009, Kalde hjørner, for Tate Britain?
ER: Det er innenfor idiomet til arbeidet mitt, men jeg har vurdert romets arkitektur og gjennomstrømningen av mennesker. Jeg ble advart om at ingenting kan forberede deg på folkemengdene som kommer gjennom de første dagene. De fire viktigste skulpturelle elementene jeg skal vise er veldig krevende når det gjelder fysiske krav. Det er en av de store fordelene ved å vise i Arsenale - det er ikke så mange etasjer i Venezia som kan ta betongblokker eller tunge skulpturer. Plasseringen kan ikke være bedre, når det gjelder tilgang. Dette rommet er også ganske grovt og klart, så arbeidet må være robust og sammenhengende nok til å takle slike forhold og holde seg selv. Arbeidet mitt er enten episodisk eller består av flere elementer - selv om du ser det ordnet på en måte, tillater det muligheten for at det skal vises på forskjellige måter.
Jeg er veldig interessert i hvordan folk ser på et rom med skulpturer som også befolkes av andre mennesker - de gir en kinestetisk følelse av skala og mulighet i forhold til gjenstandene. Vi har alle opplevelsen av å gå til disse suksessrike utstillingene og kikke over folks hoder og prøve å få et glimt av det sjeldne kunstverket. Det er ikke en ideell situasjon, men jeg tror at med skulptur får du se hvordan folk ser på ting, hvordan de komporterer seg i forhold til objektet, og hvordan de ordner seg i sine måter å se på. Jeg er interessert i tilskuer, spesielt i en spektakulær situasjon som Venezia. Jeg er veldig klar over at tiden folk gir til et kunstverk er liten. I løpet av disse få sekundene er det en desperasjon etter å finne språket som passer til det, så det blir et søk etter panelet og tittelen. For å motvirke tendensen til at den irske paviljongen blir en korridor, har jeg tatt med sitteplasser i utstillingen, for å oppmuntre folk til å bli en stund. Jeg har også lagt til en slags tvunget interaksjon med verket, ved å skape barrierer som korrelerer de besøkende. Du kan ikke bare gå forbi arbeidet; du må omgå det på en eller annen måte.
JC: Kanskje det vil være en slags lettelse for betrakteren, etter at de har kommet gjennom denne sterkt kuraterte fortellingen, for å finne "ting i et rom"?
ER: Ja. Seerne vil ha møtt mange show i Arsenale, når de kommer til den irske paviljongen. Og det er det det kommer til - det er 'ting i et rom', ting du ikke kommer til å finne andre steder. Jeg tror at når du snakker med skulptører som er veldig involvert i å lage, er det mange ting som informerer om deres arbeid, men vanligvis blir de overstyrt av ønsket om å se at noe eksisterer, eller for å tvinge materialet til å gjøre noe. Så det er en tendens til å plassere ideen over objektet, men for meg er objektet nøkkelen. Jeg tror det er en slik skilsmisse fra vesentligheten nå, at jeg føler meg veldig privilegert hver dag som faktisk har å gjøre med "ting" i stedet for skjermer. Jeg klemmer noe i en boks, eller så noe i to, eller jeg lager en form. Det er det jeg foretrekker å gjøre hele dagen - jeg liker kroppslighet, jeg liker arbeidssansen, arbeidsfølelsen. Hvis jeg ikke gjorde dette, ville jeg heller gjøre noe fysisk enn noe stolbundet.
JC: Kan du diskutere betydningen av titler i arbeidet ditt?
ER: Jeg synes titler er veldig viktige. Titler retter den språkfunksjonerende delen av hjernen mot å skape mening for det visuelle. Folk ser også på tittelen som en slags krykke, så jeg synes det er viktig at jeg designer den støtten. Jeg antar at jeg fortsetter min forfatterrolle gjennom verkene. Jeg hater når verk ikke har tittel. I ferd med å utvikle denne utstillingen endret jeg tittelen på et kunstverk, som var problematisk, ettersom katalogoppsettet allerede var redigert. Denne endringen var imidlertid viktig for meg, ettersom arbeidet er avgjort nå, mens det føltes litt urolig før.
JC: Det er et visst press på kunstnere for å være relevante for det nåværende øyeblikket, men arbeidet ditt opprettholder en viss løsrivelse som isolerer det fra dette behovet for kontinuerlig å kommentere nåtiden. I pressemeldingen din for Venezia nevnes det å tillate "kontemplasjon av den materielle arven" fra både "nåværende og tidligere sivilisasjoner". Er det viktig for deg å unngå tidsspesifikk i arbeidet ditt?
ER: En av de rare tingene med å gjøre noe som Venezia er diskusjonsnivået før åpningen og stasjonen til å passe ting inn i en serie emner. Disse tingene informerer verket ved at de danner mitt syn på verden, men selve verket er ikke illustrerende for disse tingene. Jeg vil være veldig mye av typen Susan Sontag 'Against Interpretation'. Jeg vil at arbeidet skal flyte fritt for disse tingene, men det er ikke å si at mine egne bekymringer ikke er bekymringen for arbeidet. Det er vanligvis ikke stasjonen til å sortere skohornet til en fortelling, på samme måte som når man gjør noe som Venezia-biennalen.
JC: Den irske paviljongen kommer vanligvis tilbake til Irland etter at biennalen stenger i slutten av november. Hvor vil det vises?
ER: Etter å ha studert i Belfast, har jeg en sterk kobling til Nord-Irland og var veldig opptatt av å vise på Void Gallery i Derry. Så skal vi vise i VISUAL Carlow og et sted i Dublin - foreløpig har vi ikke bestemt oss for et sted.
Jonathan Carroll er kurator og forfatter basert i Dublin.
Eva Rothschild er en kunstner som for tiden bor og arbeider i London. Den 58. Venezia-biennalen finner sted 11. mai til 24. november 2019.
Merknader:
1 Eva har produsert en serie trykk og skulpturer for å finansiere sluttprosjektet.
Funksjonsbilde:
Eva Rothschild, 'Kosmos', installasjonsvisning, Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne, 2018; fotografi av Andrew Curtis.
