JOANNE LAGER INTERVJUER NICK MILLER OM MÅLINGSPRAKSISEN OG HANS AKTUELLE UTSTILLING I LONDON.
Joanne Laws: Begrepet 'Encounter Painting' er ofte forbundet med arbeidet ditt. Jeg antar at dette er relatert til ting som skjer i ditt daglige liv, og hvordan du reagerer på dem?
Nick Miller: Ikke egentlig, det er mer formelt enn det. Tilbake i 1988, fremdeles i slutten av tjueårene, hadde jeg et slags eureka-øyeblikk om hva kunst kan være for meg mens jeg var bosatt i Dublin Zoo. Jeg begynte å trekke fra livet igjen, overfor dyrenes andre i fangenskap. Det handlet om å møte og holde inneholdt energi gjennom tegningen. Det falt sammen med lesingen av Martin Bubers ekstraordinære bok, Jeg og du 1. Dette hjalp med å ramme interessen min for å prøve å holde livet jeg møtte i den materielle kunstformen. Siden den gang har min praksis sakte utviklet seg til å være å sette opp de nødvendige forholdene (i studio eller utenfor) for å møte ting - en person, et landskap eller et objekt - i et praksismiljø der det også er den beste muligheten for å lage et maleri .
JL: Jeg husker en slags østlig innflytelse som manifesterte seg i arbeidet ditt på midten av 90-tallet. Var det gjennom ditt engasjement med Tai Chi?
NM: Ja. Det fulgte direkte fra begynnelsen å definere den følelsen av "praksis", men var et parallelt læringssystem. På 90-tallet var jeg heldig nok til å studere i Amerika med en venn av Alan Watts, Chungliang Al Huang.2 Et aspekt av undervisningen hans var veldig visuell og brukte kalligrafi som legemliggjort fysisk bevegelse. Det ga meg en vei inn i den verdenen av å integrere østlig tanke i en veldig vestlig rotfestet kunstutøvelse. Du husker kanskje fra undervisningen min i stuen den gangen, at jeg pleide å få folk til å gjøre fysiske bevegelser og pustearbeid, for å prøve å våkne. Maleri fra livet er en mest bokstavelig "sinn-kropp" -aktivitet - absorberer informasjon utenfra, behandler internt og slipper ut i malingsmaterialet. Taoistisk tanke tilbyr en ikke-lineær, sfærisk form for tilnærming, hvor resultatet nesten er en heldig "rest" fra din forpliktelse til praksis.
JL: I ditt engasjement med arketypene til maleri - landskap, portretter og stilleben - kjemper du med mediet for å gjøre dette territoriet ditt eget?
NM: Ja, det antar jeg at jeg er det. Vi ønsker alle å komme inn i kunsten og forhåpentligvis finne noe autentisk. Mye av tiden - og jeg vet, fordi jeg har undervist i kunsthøyskolen - har utdanning en tendens til å stryke ut "feil", slik at kunstnere kan opptre i en profesjonell "kunstverden". Jeg ble aldri strøket ut, så jeg brukte 'feil' for å gjøre arbeid. Jeg kan bare si at jeg er en gammeldags 'livsmaler' og la det være, men det ville ikke være helt sant. På noen måter er jeg ikke så interessert i kunst. Jeg er interessert - fra nødvendighet i 'kunsten å leve' - med problemene med å være maler. I motsetning til meg selv har jeg faktisk en varig kjærlighet til alle de sjangrene i historien om vestlig kunst. Det er å finne bekreftelse i verk av veldig forskjellige kunstnere, i malerier som for meg er portaler over tid - repositories of contained energy - som fullstendig absorberer og lader meg.
JL: Sitterne dine er ofte andre kunstnere og venner, som Alice Maher eller Janet Mullarney, hvorav noen siden dessverre har gått bort - inkludert Barrie Cooke, Anthony Cronin Seán McSweeney og John McGahern. Når det skjer, opplever du at portrettene deres nesten tar en arkivfunksjon? Handler dette verket om ettertiden?
NM: Ikke egentlig, eller ikke i begynnelsen. Jeg startet med å male familien og vennene mine - ingen med et offentlig liv. Portretter er min første kjærlighet, og jeg kommer kontinuerlig tilbake til det som roten til alt arbeidet mitt. Det mest spennende møtet er fra et menneske til et annet, og i min egen personlige bane liker jeg å holde noe av menneskene jeg har møtt. Da jeg ble forankret i Irland og det relativt tilgjengelige kunstneriske samfunnet her, er det noe jeg liker å gjøre med respekt for kunstnerne, forfatterne eller noen som ender opp med å sitte for meg. I sannhet føler jeg meg mest ekte når jeg maler - det er det beste av meg - kobler til dem. Når folk dør, som vi alle gjør, antar jeg at maleriene kan bli en historisk rekord, men jeg kan ikke ha det som et mål - det kommer i veien. Jeg er ikke arkivar.
JL: Hvor 'Vessels: Nature Morte' gjenspeiler den totale sammenbrudd av mening som skjer når noen dør, ser den siste serien din, 'Rootless', ut til å overskride individuelt tap for å fokusere mer på det kollektive og det politiske. Kan du diskutere utviklingen av dette nye verket?
NM: Min siste stilleben-serie, 'Vessels: Nature Morte', hadde en dypt personlig energisk kjerne fra et langt samarbeidsprosjekt i North West Hospice, og parallelle bortgang fra mine egne foreldre. For meg var de motsatte av "meningens kollaps". De handlet om å holde de siste øyeblikkene i livet og meningen før det gikk. Etter det arbeidet var jeg noe tapt i studioet, ønsket dialog, men klarte ikke å finne menneskene eller samtalene jeg måtte ha. Som mange av oss prøvde jeg å bearbeide denne sprø verdenen som vi alle må leve med - det politiske kaoset som vi ser ut til å generere på planeten, det klimatiske kaoset, den migrerende lidelsen - alt dette vi står overfor . I en ganske intens periode i 2017-2018 begynte jeg å behandle den manglende dialogen på min egen måte, i de store lerretene som ble 'Rootless' maleriene. De fikk et eget liv og hevdet at det haster med naturen. Jeg utforsket uorden og mulighetene for integrering i mer komplekse komposisjoner, hvorav noen viste jeg på Oliver Sears Gallery i Dublin i fjor, men vises for øyeblikket mer fullstendig på Art Space Gallery i London.
JL: Jeg husker også 'Truckscapes' med stor hengivenhet. På hvilket tidspunkt bestemte du deg for å ta med "visningsenheten" til døråpningen i disse komposisjonene?
NM: De første par årene i mobilstudioet fant jeg ikke en måte å male på. Jeg var veldig høy og nøt den gale friheten til å være i landskapet, møte den landlige verdenen jeg bodde i, men det var misnøye i meg - de så bare ut som 'bilder' som ikke trengte å eksistere. Jeg hadde skrapet av maling, korrigert ting, og det begynte å prikke rundt lastebilens dørkarm. Og i 2001, mens jeg jobbet med et maleri av et Whitethorn-tre i naboens felt, bearbeidet jeg maleriet radikalt for å inkludere lastebilens interiør og den malingsspredte døråpningen som så ut på treet, som et stående portrett.3 Min erfaring ble definert av beskyttelsen av lastebilen som et studio, en kultur med en relativt smal døråpning til den uendelige verden av kompleksitet utenfor - som en skilpadde i skallet mitt. Jeg skjønte at dette ikke var landskap, men 'Truckscapes'. Jeg begynte å justere min praksis med å lage dem i sammenheng med utsikten over lastebilen, og slik ble de noe ekte for meg, som malerier av land, trær eller hva som helst.
JL: Mange kjenner igjen den dempede og organiske fargepaletten din som spesiell for arbeidet ditt. Kommer det fra å bo vest i Irland?
NM: I utgangspunktet ja ... Det er dempet på en justerende måte, og starter med en veldig bred palett (i motsetning til alle råd jeg noen gang vil gi noen). Du prøver å samle noe til, men fargen kommer fra naturen. Det er noe å gjøre med lyset her. Studioet mitt er et lager med skittent, naturlig, overliggende lys. Jeg prøver å holde livet - ikke feire det, men holde det i nåtiden - gjennom en slags alkymi. Gjennom trening jobber jeg i et intenst og overraskende raskt tempo som passer temperamentet mitt. Jeg har lært å forholde meg til det å fokusere i sport.
JL: Drikker du Lucozade Sport mens du maler ?!
NM: Jeg prøver å redusere sukkerinntaket! Etter å ha tatt opp tennis som en aller første sport på 48 år etter et liv med utmattelse, tar det nå over. Etter 10 år med å spille har jeg konkurrert for Connacht i Inter-Provincials, og på det nivået taper jeg stort sett med bestemt stil. Konsentrasjonen som trengs er lik maleri - en vedvarende oppmerksomhet, men på en gul ball. Nå svømmer jeg også hver morgen i sjøen - vedlikeholder naturen gjennom kaldt vann. Jeg har blitt en narkoman. Partneren min Noreen beskriver det som min daglige behandling av elektrisk støt, som ikke er langt fra sannheten. Det tilbakestiller sinn og kropp, til jeg kommer tilbake til mitt normale zombieaktige selv ved slutten av dagen, og innhenter Netflix eller Brexit. Showet mitt i London avsluttes 29. mars. Siden jeg ble født der og etter 34 år til slutt å bli irsk statsborger, virker det sykelig symbolsk for meg at showet mitt slutter på Brexit-dagen.
Nick Miller er en kunstner basert i County Sligo. Utstillingen hans, 'Rootless', fortsetter på Art Space Gallery, London, til 29. mars.
nickmiller.ie
artspacegallery.co.uk
Merknader
1 Martin Buber, Jeg og du, første gang utgitt på tysk i 1923.
2 Se: Alan Watts og Chungliang Al Huang, Tao: Vassdragsveien (Pantheon: 1975).
3 Whitethorn, utsikt over lastebilen (2000-01), olje på lin. Samling av det irske museet for moderne kunst.
Funksjonsbilde:
Janet Mullarney satt for Nick Miller i studioet sitt i 2017; fotografi med tillatelse fra kunstneren
