DORJE DE BURGH SAMTALER MED SAMUEL LAURENCE CUNNANE OM HANS AKTUELLE UTSTILLING PÅ KERLIN GALLERI.
Dorje de Burgh: Hvordan snakker vi om fotografering - eller kunst - i en tid med enestående global krise?
Samuel Laurence Cunnane: I en tid som dette er det å gi arbeid et passende svar, spesielt ettersom vi oppmuntrer til sosial isolasjon; men å snakke om tidligere arbeider virker rart, som å se TV-klipp av folk som klemmer og håndhilser - det er nervøst. Jeg antar at dette er responsen på en krise - vi går inn i en økt tilstand av bevissthet om her og nå. Hva synes du om denne nå utbredte henvendelsen til internett og nettområdet, hvor vi kan fortsette våre saker, trygge for COVID-19?
DdB: Vel, det er et paradoks. På ett nivå er det en utrolig mulighet for menneskeheten å ha disse teknologiene innen fingertuppene midt i en universell krise. Det gir så mange grunnleggende behov - samfunnsstøtte, formidling av informasjon osv. - samtidig som det tillater potensialet for kollektiv omvurdering og deling av ideer når vi (forhåpentligvis) går mot en helbredende fase og en ny forestilling av det sosiale / globale landskapet. På baksiden har imidlertid vår allerede ganske baudrillardiske verden plutselig gått full-virtuell. Det er bare veldig usikkert hvor det hele vil føre. For å bringe det tilbake til arbeidet, er du en selvinnkjent analog fetisjist, hvis prosess stort sett ignorerer det digitale. Føler du at du fortsatt vil bli tiltrukket av å lage kunst, hvis virtuell plass var den eneste veien som var åpen for å dele verket? Og i så fall, tror du at du vil endre arbeidsmetodene?
SLC: Jeg er, som du nøyaktig påpeker, en total fetisjist når det gjelder celluloid og kjemiske deler av fotograferingshistorien. Men utover det rene estetiske spørsmålet, er selve prosessen jeg elsker så mye. Handlingen med å forsvinne inn i et helt mørkt rom, uten skjermer eller informasjon utenfor, er en slags fristed. Den fysiske naturen til kameraer - den høye lukkeren, klikkene på blenderåpningene, den taktile naturen til utskriftene - alle disse tingene er påminnelser om en fysisk tilværelse. Ville jeg fortsatt få jobbe på denne måten hvis et virtuelt galleri var den eneste plattformen? Mest sannsynlig. Min største bekymring med nettområdet er at jeg føler at arbeidet mitt legger til en flom av bilder som angriper alle på internett. Har du noen gang bekymret deg for at det estetiske som ligger i den analoge prosessen, distraherer fra dypere betraktninger av arbeidet?
DdB: På ett nivå er det bare å lage bilder, selv om jeg bare foretrekker det faktiske utseendet til håndtrykte bilder laget på film. Men så er det også en klar forskjell, og det er i det latente bildet. En digital sensor og en filmramme fungerer på omtrent samme måte når det gjelder hvordan de tar opp lys. Men det digitale bildet er komprimert til binært og kjørt bort på et minnekort for å gi plass til det neste; mens filmen selv beveger seg og vikles sammen, så det latente bildet - det kjemiske fingeravtrykket - forblir et objekt i verden. Selv før behandlingen er sporene der. Jeg føler dette har en slags ontologisk verdi. Det er åpenbart ontologisk verdi i kompresjon og hastighet, det er bare en annen ting, men resultatet er annerledes i sin resonans. Hvis prosessen er en del av verkets konseptuelle logikk, så greit; men det er problematisk når det brukes som et falskt barometer for ekthet eller verdi. Føler du at arbeidsmåtene dine noen ganger blir uforholdsmessig vektlagt foran det faktiske innholdet i arbeidet?
SLC: Jeg er enig med deg. Medium og arbeidsmåte må være fornuftig når det gjelder konseptuell logikk og prosess. Til slutt kommer disse brukte kameraene til å gå i stykker, og ferdighetssettet og kunnskapen til å reparere dem vil forsvinne. På hvilket tidspunkt begynner den innsatsen som kreves for å holde en praksis i live - å blande rå kjemikalier, lage hjemmelaget papir og emulsjoner og bygge ditt eget kamera - å ta uforholdsmessig mye tid, sammenlignet med å ta bilder? Hvis analog prosess blir uforholdsmessig vektlagt, så er jeg medskyldig på grunn av den omsorg jeg tar med å trykke arbeidet. Jeg har blitt mindre interessert i hva som faktisk skjer i rammen og stadig mer interessert i hvordan det føles å se på et fotografi - og hvordan dette utseendet endrer scenen i seg selv.
DdB: Føler du at det meditative miljøet til West Kerry har bidratt til denne svingen innover, mot de bare beinene til å lage bilder? Hvordan føler du deg om 'historien' i fotografering?
SLC: Jeg har definitivt motstått ideen om en umiddelbar eller lineær fortelling. Jeg foretrekker at verket tolkes som en serie med erindringer eller minner som tiden har mørket og blandet sammen. Når det er sagt, er noen kortfattede arbeider med bestemt linearitet blant mine favoritter, som Watabe Yukickis En kriminell etterforskning, for eksempel. Når det gjelder hvordan arbeidet mitt har endret seg siden jeg flyttet til Kerry, utvidet jeg noe jeg allerede var interessert i den gang, som var kløften mellom det 'virkelige', vår opplevelse av det og rollen som å se i dette. Med andre ord, hvordan øynene, og i forlengelse av kameraet, føltes som verktøy vi kontrollerte, men hvis resultater vi ikke kunne forstå. De er analoge på grunn av barrieren de skaper mellom opplevelse og å være vitne til den. Jeg liker det når jeg klarer å lage arbeid som føles som om det er laget av et flytende øye. Når det er sagt, er det personlige elementer i arbeidet mitt - jeg fotograferer moren min mye, for eksempel. Men selv da vil jeg at kameraet skal spille en rolle som påvirker scenen, gjennom innramming og komposisjon, det å være tilstede og endre det i fysisk forstand. Når jeg er vitne til en scene, er det mange andre jeg ikke fotograferer på det tidspunktet, så de blir til stede i arbeidet, som en slags blind flekk.
DdB: Vi må alle begynne å tenke lokalt i denne nye fremtiden. Hvordan føler du deg nå om de potensielle mulighetene for å dele arbeid - analogt eller på annen måte - når gjeninnføringen av kjente felles kulturelle opplevelser vises så mye lenger unna enn vi tidligere trodde var mulig?
SLC: Hvis vi er heldige - og med noen stramme kontroller - vil folk besøke noen forestillinger personlig de neste månedene. Men utover det kan jeg ikke la være å føle at vi akselererer en allerede pågående trend. Dette vil først bli eksperimentert av kunstmarkedet, hvis visningene av verk og transaksjoner fremdeles kan forekomme med en tilsvarende hastighet, vil den bevege seg online, hvor driftskostnadene vil være en brøkdel av det de var før. Når det gjelder offentlige institusjoner og utdanningsmuligheter, hvilken bedre måte å bringe kunst til mennesker som normalt er fratatt den (av geografiske eller sosioøkonomiske grunner) enn å sette offentlige samlinger på nettet? Muligheten for kunstnere til å bruke rom på gaten for å vise arbeid i et trygt utemiljø kan være en annen interessant utvikling. For ikke å nevne å bruke midlertidig tomme lokaler for lukkede virksomheter, for å vise frem kunstverk i mellomtiden. Disse kan oppmuntre til å gå tilbake til en lokal praksis.
DdB: Et potensielt pluss som kan komme fra dette marerittet er gjenoppblomstringen av en lokal / DIY scene, med kunst, musikk og kultur skapt bare for det nærmeste publikum, kanskje til og med uten den a priori drømmen om global berømmelse. Men hvis det skjer, vil det parallelliseres med et stadig voksende økosystem på nettet. Hvordan føler du dette rare øyeblikket med kollektiv sorg, smerte og usikkerhet vil påvirke avlesningene av det eksisterende arbeidet ditt, skapt før pandemien?
SLC: En del av resonnementet mitt i å lage dette arbeidet var at jeg ønsket å rette oppmerksomheten mot landskapet jeg vokste opp i, og gjøre det til mitt eget. Jeg bruker bakgrunnen for en viss folkelig arkitektur, rullestein, regn, fuktig undervekst og den nesten uhyggelige vegetasjonen vi har i Kerry, for å antyde hvordan det føles å se på det, eksistere i det og utenfor det. På noen måter handlet arbeidet om hvordan å være koblet fra miljøet og landskapet ikke er et nytt fenomen, men et resultat av vår manglende evne til å oppfatte det. Miljøet har et eget byrå, og jeg synes dette er vagt truende. Jeg tenker ofte på det som utkanten eller periferien - av byer eller landskap, til og med vår visjon eller bevissthet. På et personlig nivå viser kanskje pandemien hvor sårbare vi er for denne 'undervegetasjonen' og alt som bor der. Jeg tror ikke dette er fordi vi på en eller annen måte har mistet en livsstil som er mer tilpasset landet; Jeg tror bevisstheten vår alltid har vært utenfor den, kastet ut av naturen mens den fortsetter å være uvitende om oss. Jeg synes det er ganske ydmykende og kanskje litt ensomt å være i utkanten og se inn.
DdB: Det er en interessant ide - det menneskelige som utstøtt fra naturen. I vårt historiske øyeblikk, når alle har et kamera og er visuelt literate, opererer du på et dypt engasjert register med fotografering. Føler du at handlingen med å flytte fokus til det som ofte kan bli ignorert - til scener der det ikke skjer noe håndgripelig - er en motstandsdyktighet mot vår mettede mediesfære av 'hendelsen'?
SLC: Jeg er ikke sikker på at jeg vil si at det jeg gjør tilsvarer noen reell motstandshandling, når det gjelder vår nåværende situasjon. Hvis jeg motstår noe, er det den delen av hjernen min som ønsker å flyktig og nervøst dissekere den oppfattede virkelige til praktiske usammenhengende inntrykk og gå videre. Fotografering kan være en måte å holde på et øyeblikk før den blir feid nedstrøms.
Dorje de Burgh er en kunstner basert i Dublin. Hans siste soloutstilling, 'Dream the End', kjørte på Mermaid Arts Center fra 5. desember 2019 til 1. februar 2020.
Samuel Laurence Cunnane er en kunstner basert i Kerry. Hans separatutstilling på Kerlin Gallery ble presentert som et online visningsrom på grunn av myndighetsbegrensninger på offentlige arenaer under koronaviruspandemien. Dette er en forkortet versjon av en samtale, omtalt i publikasjonen som følger med utstillingen.
kerlingallery.com
