CHRIS CLARKE INTERVJUER RICHARD PROFFITT OM DEN SISTE INSTALLASJONEN FOR CORK MIDSOMMERFESTIVAL.
Chris Clarke: Din siste installasjon ved University College Cork hadde rett Må månen stige og solnedgangen. Kan du fortelle meg om denne tittelen og dens betydning for prosjektet?
Richard Proffitt: Jeg tenkte på dette nylig. Hovedtemaet for utstillingen var denne ideen - både teoretisk og fysisk for en seer - om å skape et rom der du kan flykte. Det er dette oppslukende miljøet der du kan tilegne deg en viss trøst. Så, Må månen stige og solnedgangen var en slags fortellende enhet som antydet at du kan flykte til et nytt sted, et slags ikke-beskrivende landskap eller miljø som eksisterer i din egen bevissthet eller psyke, snarere enn et fysisk sted. Tittelen husket også ideen om å velsigne et sted, å ønske et sted godt for fremtiden.
CC: Ditt arbeid blander forskjellige materialer, referanser, koder, symboler, og du har tidligere snakket om åndelighet og subkulturer som informerer om denne tilnærmingen. Hva med den besøkende som ikke klarer å tyde noen av disse foreningene? Er den avkodingen viktig for deg, eller anser du den generelle, generelle effekten som den dominerende funksjonen her?
RP: Det kommer alltid til å være referanser i arbeidet mitt til bestemte former for subkultur som jeg er interessert i, hvis opprinnelse kanskje ikke er tydelig for betrakteren. Men jeg ser ikke for meg at det er et problem. Jeg antar at seeren ofte fungerer som noen som snubler over noe; De kan da bestemme om de vil dele de forskjellige elementene sammen. Disse ideene kan være kjent for noen seere - som kanskje har en passering eller en stor interesse for noen av temaene - men jeg tror jo mer interessant er når en seer nærmer seg arbeidet som om det er rent fremmed for dem. Det blir denne kombinasjonen av koder, symboler, tegn, slang, forskjellige typer språk, som danner et puslespill.
CC: Bruk av lyd spilte en viktig rolle i installasjonen. Kan du fortelle meg om komposisjonsprosessen din og hvordan du ser dens rolle i å skape en oppslukende effekt?
RP: Musikkomposisjonen min bruker en teknikk som ligner veldig på måten jeg lager visuelt arbeid på. Det er en collageteknikk som bruker lydstykker hentet fra en rekke steder, inkludert gamle og degraderte kassettbånd som er spesifikt valgt og kuttet opp, sløyfet og forvrengt. I noen tilfeller er de ikke gjenkjennelige fra sin opprinnelige form, og blir omgivende, transe-lignende utdrag av musikk og stemme, repetisjoner og droner. Lydene fra båndsløyfer blir ofte kollasjert med feltopptak og improvisert instrumentering for å skape dette flytende, sørgende, drivende lydsporet som ser ut til å være fra en tidsperiode som ikke kunne ha skjedd, og på denne måten har den visse hauntologiske kjennetegn. Kombinasjonen av lyd og belysning er avgjørende for å skape en atmosfære som fører til fordypning. Jeg tror lyd er den mest følelsesmessige umiddelbare av sansene; det endrer stedet det bor umiddelbart, samtidig som det endrer en persons oppfatning av det stedet. Det fungerer som ideen om et spøkelse - det er der og det føltes, men det blir sjelden sett.
CC: Installasjonen var lokalisert på det spesielle stedet til St. Vincent's Church - som er blitt overtatt av UCCs musikkavdeling - med hovedinstallasjonen som skjer i kjellerrommet i O'Riada Hall. Hvordan informerte konteksten og den fysiske arkitekturen til bygningen ditt valg av materialer, effekt og utforming?
RP: Jeg vet ikke om dette er relatert til selve stedet, eller om det kommer fra min erfaring med å være nedsenket i irsk kultur, men det var flere referanser enn vanlig til kristendommen i det arbeidet. Mye av det som driver arbeidet er akkumulering av materialer, og ofte blir disse valgt ut for deres rent estetiske tilstand. Så hvis du kjøper materialer i Irland som reflekterer over eller har referanse til tro eller tro, vil de 90% av tiden være kristne i sitt utseende.
CC: Men en veldig spesiell kristendom - det er den følelsen av ritual eller mysterium som virker iboende for katolicismen.
RP: Det er noe jeg har blitt mer interessert i. Jeg vokste opp som en bortfalt protestant, så jeg hadde ingen anelse om de rituelle aspektene ved katolisismen - hele røyk og speil, sansen for teater og anledning. Så kanskje det matet inn i verket, men egentlig var det fortsatt innebygd i denne pågående søken for å gjenopprette elementer av åndelighet til samtidskunst, på en måte som ikke bare bruker referansene ironisk. Jeg prøver ikke å gjøre noe lys eller å tulle med disse tingene. Det prøver å understreke deres gode egenskaper.
CC: Det var en virkelig følelse av bane fra inngangspartiet opp og korridorer, inn i denne kryptlignende kjelleren, der kunstverket ble installert. Kan du utvide denne følelsen av å gå over eller ned i verket? Er dette først og fremst et middel for å skape forventning, eller et ritual i seg selv - en måte å initiere den besøkende inn i dette 'andre' rommet?
RP: Vel, bygningen har denne veldig sterke karakterfølelsen uansett, men ja; inngangsdørene og korridorene, med mønsterfliser på gulvet, ga vei til en følelse av å være et "annet" sted, og jeg antar at den besøkende offentligheten vanligvis ikke er kjent for denne bygningen. Det har en følelse av at når alle studentene og foreleserne når hjem og det bare er vaktmesteren igjen, kan det godt være hjemsted for mange ånder, og tilbake til bygningens religiøse opprinnelse. Men før jeg går inn i O'Riada-hallen - et storslått rom i seg selv, med sine enorme nygotiske vinduer og takbuer - tror jeg det var nødvendig for denne gradvise nedstigningen til hovedrommet. Det forholder seg til den følelsen av oppdagelse, av noe som er galt, av en rituell innføring av en grav, hvis du vil; et rom med en veldig bestemt atmosfære, en opplevelse oppmuntret av tilstedeværelsen av lydverket, som gjenklang langs korridorene som førte til O'Riada Hall.
CC: Du nevnte installasjonen som noe den besøkende overgir eller rømmer til. Koble dette på noen måte til din sterke interesse for moderne populærmusikk og de spesifikke undergenrene og subkulturene rundt musikk?
RP: Subkulturer blir religioner for mange mennesker. De får eller tilegner seg sitt eget sett med ritualer, tro, rekvisitter eller måter å kle på seg.
CC: Det var et forslag om å gå inn i noe andre verdenskjente, transcendentale og utover de prosaiske ritualene i hverdagen. Var det en følelse av at installasjonen - som en enklave eller et tilfluktsted - tillot en å gå bort fra den vanlige verden utenfor?
RP: Jeg tror det aspektet av arbeidet kommer fra måten jeg personlig forventer å oppleve kunst på. Jeg vil at det skal ta meg et annet sted; Jeg vil føle at jeg er et annet sted når jeg er på utstilling. Malerier kan gjøre det når du blir overført til et verk - det samme med lyd eller et videostykke - og jeg tror at all den beste kunsten oppnår det. Det tar deg bort fra hvor du har vært, og du glemmer at du nettopp har gått inn fra gaten. Jeg vil at betrakteren skal oppleve noe de ikke forventet eller ikke har følt før, en måte å oppleve gjenstander eller materialer på en måte som er uvanlig for dem.
Da jeg var ung, var jeg alltid et barn som dumt ville reise over jernbanesporene, hvis det var den raskeste ruten et sted, eller vandre langs vollene, der du ikke skulle være og hvor du ville se all slags kastet og glemte ting - jeg har alltid vært sånn. Jeg var interessert i ideen om store funn, som gravene i Egypt, og denne ideen om at bak denne låste døren, eller bak denne porten eller gjerdet, ligger et inngangspunkt til noe folk ikke har opplevd før eller ikke hadde forstått var skjer. Det er som å gå inn i en hule i Sør-Frankrike og oppdage malerier fra tusenvis av år siden eller snuble over en utbrent bil på en ødemark. Dette er opplevelser som alltid har fascinert meg.
Richard Proffitts installasjon, Må månen stige og solnedgangen, ble kuratert av Chris Clarke for Cork Midsummer Festival. Det fant sted fra 14. til 23. juni ved University College Cork's Department of Music, Sunday's Well, Cork.
richardproffitt.net
Funksjonsbilde
Richard Proffitt, Må månen stige og solnedgangen, 2019, installasjonsvisning, University College Cork Institutt for musikk; fotografi av Jed Niezgoda, med tillatelse fra kunstneren og Glucksman.
