Po ukończeniu studiów malarskich pod koniec lat 90., z dyplomem z malarstwa, powróciłem do edukacji w 2004 roku, studiując sztukę młodzieżową na Uniwersytecie Maynooth. Kurs, którego celem była twórcza praca z młodzieżą poza głównym systemem edukacji, wywarł ogromny wpływ na moje życie. Podczas kursu poznałem twórczynię teatralną Louise Lowe i razem pracowaliśmy nad naszym projektem na koniec roku. Tumbledowntown (2005). W ramach projektu współpracowaliśmy z 26 młodymi ludźmi z Ballymun w opuszczonym mieszkaniu przez całe lato. Zajmowaliśmy się teatrem i sztukami wizualnymi, badając stosunek młodych ludzi do ich okolicy. Ten interdyscyplinarny projekt uniwersytecki został sfinansowany ze środków programu Breaking Ground Per Cent for Art i był prezentowany w ramach Dublin Fringe Festival 2005, zdobywając nagrodę Spirit of the Fringe Award.
Wróciłem do malarstwa, uzyskując w 2010 roku tytuł magistra w NCAD. Podczas studiów Louise i ja kontynuowaliśmy współpracę, a w 2009 roku postanowiliśmy założyć ANU. ANU to multidyscyplinarna firma produkcyjna, która prezentuje nagradzane spektakle teatralne, sztuki wizualne i dzieła sztuki zaangażowanej społecznie w kontekstach off-site. Umieszczamy publiczność w samym centrum każdego dzieła, tworząc wciągające, żywe doświadczenie, w którym widzowie mają wpływ i są blisko hipnotyzujących światów, które tworzymy. Razem stworzyliśmy ponad 50 przełomowych dzieł, zleceń na sztukę publiczną, instalacji galeryjnych i interpretacji muzealnych, budując krajową i światową renomę doskonałości.
Moja twórczość ma charakter interdyscyplinarny i obejmuje scenografię, sztuki wizualne i sztukę zaangażowaną społecznie. Dyscypliny te nieustannie się przenikają, są ze sobą powiązane i wzajemnie się przenikają. Częścią tego jest żywe zainteresowanie historią, archiwami, przestrzenią i miejscem oraz zagadnieniami społecznymi i kulturowymi. Pociągają mnie przestrzenie między dyscyplinami i tematami. Moje prace powstają głównie w formie instalacji immersyjnych, realizowanych poza przestrzenią, na dużą skalę, obejmujących wiele pomieszczeń.
Projektowanie i budowanie immersyjnego środowiska poza tradycyjną przestrzenią teatralną ma dla mnie dwie główne role. Po pierwsze, musi ono wspierać wykonawców w konstruowaniu i kształtowaniu ich świata. Dla każdego immersyjnego spektaklu tworzę przestrzeń, która wspiera, nakreśla i zapewnia tło dla wykonawców. Zaczyna się to bardzo wcześnie, od rozmów z reżyserem, i ewoluuje wraz z rozwojem sztuki z obsadą i zespołem kreatywnym, ostatecznie osiągając ostateczną formę podczas prób.
Drugą istotną rolą moich projektów poza scenografią jest wspieranie doświadczenia widza w tym świecie. Świat ten jest postrzegany w pełni immersyjnie, w 360 stopniach, co jest niezbędne, aby angażować publiczność przez cały czas, od najmniejszego rekwizytu po największy element scenografii. Projekt otoczenia musi być jak najbardziej płynny, aby zapewnić widzom ciągłe zanurzenie w chwili spektaklu. Staram się tworzyć przestrzenie, w których widzowie nie widzą połączenia między fizycznym budynkiem a moją scenografią. Paradoksalnie, wiem, że zaprojektowana przestrzeń jest udana, gdy widzowie nie zauważają, że została zaprojektowana. W takim przypadku moje projekty wspierają jednocześnie zarówno widza, jak i obserwowanego wykonawcę.
CYKL MONTO: Początki praktyki projektowej
W latach 2010-2014 wykonałem Aleja Końca Świata (2010) Pralnia (2011) Chłopcy z Foley Street (2012), a Vardo (2014) we współpracy z ANU. Znany jako „Cykl Monto”, badał cztery kluczowe momenty ostatniego stulecia Monto, dzielnicy o powierzchni ćwierć mili kwadratowej w północnym centrum Dublina, niegdyś największej dzielnicy czerwonych latarni w Europie. W ramach tych czterech prac stworzyłem instalacje, filmy wideo i prace dźwiękowe, które były prezentowane i doświadczane w trakcie występu na żywo.
W ramach Chłopcy z Foley StreetPrzekształciłem mieszkanie w Liberty House (które zresztą zostało już zburzone) w w pełni umeblowane mieszkanie z lat 1970. Ta kreatywna interwencja miała na celu wsparcie artystów, spektaklu i doświadczenia publiczności. W mojej praktyce artystycznej zaczęło się pojawiać projektowanie immersyjne, choć nadal postrzegałem je przez pryzmat instalacji artystycznej.
TE POKOJE: Zmiana biegów
W 2016 roku ANU i Teatr Tańca CoisCéim współpracowały przy projekcie, który był odpowiedzią na zaginione relacje naocznych świadków dotyczące egzekucji 15 mężczyzn przez armię brytyjską podczas powstania wielkanocnego w dziesięciu domach przy North King Street. Te pokoje był wciągającym projektem składającym się z występu na żywo i instalacji, który łączył w sobie elementy tańca współczesnego, sztuk wizualnych i teatru.
Pracując w czteropiętrowym budynku, w pobliżu miejsca oryginalnego wydarzenia, zaprojektowałem i zainstalowałem 22 w pełni immersyjne przestrzenie instalacyjne. Ściśle współpracowałem z zespołem, aby zbudować immersyjny świat, w którym taniec, teatr i sztuki wizualne mogłyby współistnieć w równowadze. Łącząc czas i przestrzeń, osadziliśmy naszą pracę w 1966 roku, co pozwoliło nam oddalić się od oryginalnego wydarzenia z 1916 roku i naszych własnych obchodów stulecia w 2016 roku, które wówczas były w pełnym toku.
Publiczność przemierzała budynek, napotykając przestrzenie hiperrealistyczne i hipersurrealistyczne. Angażując się w tę utraconą historię, stworzyłem przestrzeń, która połączyła rząd dziesięciu domów w jeden budynek. Zawsze czułem, że te dziesięć domów stopniowo znikało z czasem, wraz ze swoją historią. Mój projekt to odzwierciedlał, wciskając pomieszczenia i konstrukcje w siebie, jakby budynek pochłaniał sam siebie.
Ten projekt był jak zmiana skali i ambicji, ponieważ zaczął się kształtować silny, osobisty język wizualny. Coś się działo, coś ewoluowało i był to naprawdę ważny moment dla mojej pracy, ponieważ uwypuklił wszystkie aspekty mojej praktyki.
HAMMAM: Projekt immersyjny
Hammam (2023) w Teatrze Abbey, współtworzonym z Maree Kearns, zakończyło twórczą odpowiedź ANU na Dekadę Stulecia po imponującej liczbie 22 projektów zrealizowanych od 2013 roku. W odpowiedzi na ostatnie chwile bitwy o Dublin podczas irlandzkiej wojny domowej, publiczność została zaproszona do wędrówki w głąb zniszczonych budynków przy ulicy O'Connell. Zaprojektowałem i umieściłem te ruiny na scenie, widowni i zapleczu Teatru Peacock. Bawiąc się przestrzenią i strukturą, złożyłem budynki i pomieszczenia jedno na drugim. Przejście przez drzwi mogło zaprowadzić do łaźni tureckiej Hammam, sypialni hotelu Granville lub tymczasowego szpitala polowego.
Korzystając z dokumentacji ubezpieczeniowej przechowywanej w Irlandzkim Archiwum Architektury, udało mi się ustalić, co zostało utracone w wyniku zniszczenia i odpowiednio zaprojektować. Ponownie stworzyłem całkowicie immersyjne miejsce dla naszego spektaklu. Moja ingerencja w budynek była niezwykle złożona, nakładając ortodoksyjny plan piętra teatru na znacznie bardziej nietypowy i skomplikowany układ, w którym przestrzenie niepubliczne, takie jak greenroom, zostały przekształcone i przecinały się z przestrzenią gry. Chciałem, aby stali bywalcy Peacock Theatre nie wiedzieli, gdzie się znajdują w dowolnym momencie; chciałem zmienić ich postrzeganie naprawdę znajomego miejsca, umożliwiając im całkowite zanurzenie się w przestrzeni, narracji i spektaklu.
Nadchodzące prace
ANU zostało zaproszone przez Archiwa Narodowe do udziału w spisie ludności z 1926 roku (pierwszym spisie nowo utworzonego Wolnego Państwa Irlandzkiego). Rezultatem jest ambitna, immersyjna produkcja, osadzona w konkretnym miejscu, której premiera odbędzie się latem przyszłego roku w nowym, najnowocześniejszym repozytorium Archiwów Narodowych, przed zwrotem 350 000 pudeł archiwalnych, które mają tam trafić. Ten niezwykły portret narodu na rozdrożu staje się punktem wyjścia dla projektu „FRAMING THE NATION”, śmiałego, nowego, wieloletniego cyklu, zgłębiającego momenty, które ukształtowały współczesną Irlandię.
Współpracowaliśmy również z organizacją ChildVision z Drumcondry nad projektem sztuki zaangażowanej społecznie, badającym współczesny design urbanistyczny i jego wpływ na osoby z niepełnosprawnościami. Zakończyłem serię warsztatów i obecnie zbieram informacje, tworząc dzieło sztuki, które również zostanie zaprezentowane w 2026 roku.
Szef Owena jest projektantem i artystą wizualnym mieszkającym w Dublinie. W 2009 roku był współzałożycielem ANU i pełni funkcję współdyrektora artystycznego.
