Cecilia Danell: Jak zaczyna się obraz? Czy robisz jakieś rysunki przygotowawcze? Masz pomysł z góry, czy to wszystko dzieje się niejako na płótnie?
Diana Copperwhite: Robię mieszankę rzeczy. Zawsze szukam informacji i korzystam z rzeczy zapisanych w mojej głowie; Wykonuję również zdjęcia i wykorzystuję znalezione fotografie. Czasami zaczynam rysunek jako rodzaj mapy dla obrazu, który ewoluuje we własnym kierunku. Nigdy nie chcę, żeby były proste, więc jest to mieszanka wyciągania rzeczy z różnych miejsc. Dla mnie ważne jest, aby stało się to całkowicie odrębną rzeczą, której nie można zlokalizować w jednym kierunku.
CD: Zauważyłem, że twoja wczesna praca jest bardziej figuratywna.
DC: Tak, myślę, że tak się zaczęło, ponieważ naprawdę interesuje mnie świat i to, jak rzeczy mają się do siebie. Nie była to świadoma decyzja, ale wydarzyła się organicznie – coś w rodzaju wizualnego tłumaczenia muzyki lub zajmowania się pamięcią i ideami percepcji. Stamtąd przekształcił się w coś bardziej abstrakcyjnego.
CD: W twoich obrazach do dziś widzę przestrzenie i postacie – czy są one celowe, czy to mój umysł próbuje zinterpretować kształt?
DC: Nie da się namalować obrazu bez tych relacji. Jeśli patrzysz na coś przy słabym oświetleniu lub na ciemnej uliczce, nie widzisz tego w pełni, a twój umysł stara się nadać temu znaczenie, ponieważ jesteśmy tak okablowani. Nie można umieścić znaku obok innego znaku na obrazie bez odczytania go jako celowego.
CD: Istnieje zmysłowa rzeczywistość, subiektywność w sposobie, w jaki postrzegamy rzeczy na świecie. Jedną z rzeczy, które kocham w waszych pracach i którą od lat coraz częściej wprowadzam do swojej własnej pracy, jest idea arbitralnych relacji kolorystycznych – kolorów, których tak naprawdę nie ma, tworzących rodzaj doznań zmysłowych.
DC: To wynika z patrzenia na świat. Zawsze patrzę na światło i źródła światła, jak to działa i jak powstaje białe światło z widma. W pewnych okolicznościach, takich jak plama oleju lub ulewa, załamuje światło i zaczynasz widzieć kolor. To wydaje się w pewnym sensie bardziej realne niż białe światło. Mogą istnieć luki w percepcji i rzeczywistości, a malarstwo to kolejna rzeczywistość, która nie musi odpowiadać.
CD: Mam szansę użyć kolorów z drugiego końca spektrum barw i kształtów, których tam nie ma, dzięki zaciekom i abstrakcji.
DC: Wprowadzasz te idee w przenośni, a potem zrywasz relację figura-płaszczyzna. Możesz użyć kropli błękitu i różu w tym idyllicznym krajobrazie i jest to prawie jak portal do innej rzeczywistości. To też mnie interesuje – przyjmowanie tych pomysłów na to, jak się postrzega, i otwieranie tej ogromnej przestrzeni dla wyobraźni.
CD: Czasami pracuję w odwrotnym kierunku, gdzie raczej zachowuję kształty niż je zakrywam. Im dłużej pracujesz, zdajesz sobie sprawę, że nie możesz zachować tła takim, jakie jest, ponieważ wyglądałoby na niedokończone i musisz nad nim popracować.
DC: Wtedy widzisz, że to już nie jest natura, to obraz. To zabawna część malowania – sama w sobie; to obraz.
CD: John Berger powiedział, że obraz, w przeciwieństwie do zdjęcia, nie ujmuje chwili, ale zawiera cały czas potrzebny do namalowania i wszystkie przyszłe momenty, kiedy będzie oglądany – więc w tym sensie jest ponadczasowy. W Twojej pracy na pewno widzimy ten proces; możemy prześledzić krawędzie obrazu i zobaczyć warstwy.
DC: Myślę, że kiedy maluję, czegoś szukam, ale nie wiem, co to jest. Idę dalej i dlatego jest tyle kotletów i zmian, warstw, startów i zatrzymań; Chcę, żeby była wolna od grawitacji, jak inna rzeczywistość.
CD: Kiedyś pytano mnie „kiedy wiesz, że obraz jest skończony?” Powiedziałbym, że dzieje się tak, gdy nic nie skupia się nadmiernie; kiedy oko przemieszcza się i nie utknie. Czasami jeden kolor może być tylko o ułamek zbyt intensywny i to wymaga skupienia.
DC: Dokładnie, ponieważ cały obraz musi działać! Kiedy maluję – i pewnie też to rozumiesz – stwierdzam na początku, jeśli to działa naprawdę dobrze, to nie jest dobra rzecz, ponieważ przywiązujesz się do czegoś i musisz nauczyć się odpuszczać.
CD: Ten krok może być naprawdę zniechęcający, ponieważ możesz go całkowicie zepsuć. Wiesz, że jeśli tego nie zrobisz, to będzie w porządku, ale jeśli uda ci się to zrobić i zadziała, wniesiesz go na wyższy poziom.
DC: Zwykle, gdy na początku nie jest dobry obraz, trzeba naprawdę ciężko pracować, aby było lepiej. Nie wchodzisz na obiad i nie myślisz „to świetnie, to działa”. Nie – to bałagan.
CD: Jeśli chodzi o skalę, kiedy robisz mniejsze prace, nazywasz je „antyportretami” i są one jednocześnie bardzo zbliżone i abstrakcyjne. Kiedy robię małe prace, robię jakby zbliżenia natury. To inny sposób podejścia do tego tematu i nigdy osobiście nie stworzyłbym krajobrazu w małej skali.
DC: Cóż, to coś innego, małe obrazy… To trochę jak uwolnienie od dużych obrazów, ponieważ tak wiele się w nich dzieje – to taki balansujący akt. Mniejsze obrazy są ładne i zwięzłe; to jak tworzenie zdania, które się powtarza, jak interpunkcja z przecinkami, kropkami i przymiotnikami.
CD: Możesz manewrować rzeczami w dużych obrazach. Kiedy pracuję mokro na mokro, mogę skoncentrować się na określonym obszarze i iść dalej bez potrzeby wysuszania rzeczy, ponieważ mogę przejść do czegoś innego. Nienawidzę, gdy jesteś w studio i masz coś, co robisz później tego dnia, i naprawdę się w to wciągasz i mieszasz wszystkie farby…
DC: To bardzo frustrujące, ponieważ musisz przestać… mierzę czas. Muszę naprawdę się do tego zabrać i nie wiem, co się wydarzy. Muszę być bardzo czujny, ale nie możesz utrzymać tego poziomu czujności i skupienia przez tak długi czas. Ustawiam budzik na pół godziny, więc nic mnie nie rozprasza. Potem wychodzę na dziesięć minut, wracam i robię to samo.
CD: Naprawdę ciężko mi się pracuje rano; Naprawdę chodzę dopiero około 2. Czasem czujesz, że to ciężka mozolna praca, ale kiedy już masz skończyć, chcesz tylko naprawić jedną drobiazg, a czas leci. Fotografuję swoją pracę na bieżąco. Jednak często patrzę na moją pracę w łóżku i wtedy, gdy coś nie działa, ledwo mogę spać! Ciągle o tym myślisz.
DC: Robię to samo! Jeśli spojrzysz na obrazy na telefonach lub urządzeniach, możesz dowiedzieć się, co jest z nimi nie tak. Możesz zobaczyć przegląd, jakbyś był w galerii, stojąc z tyłu, zamiast mieć obsesję na punkcie jednego obszaru. Obrazy są jak ludzie, którzy podążają za nami! To dlatego, że po prostu przenikają życie.
Cecilia Danell jest szwedzką artystką wizualną mieszkającą w Galway. Jej aktualna wystawa indywidualna „Tactile Terrain” trwa w Galerii Luan do 3 kwietnia. Do 21 marca jej prace będą również prezentowane na wystawie Hennessy Craig Award w RHA.
ceciliadanell.com
Diana Copperwhite jest artystką wizualną mieszkającą w Dublinie. Należy do grupy Aosdána i obecnie wystawia swoje prace w Snite Museum w USA w ramach wystawy sztuki irlandzkiej „Who Do We Say We Are”. We wrześniu odbędzie się jej wystawa indywidualna w Galerii Thomas Jaeckel 532 w Nowym Jorku.
dianacopperwhite.net
Obaj artyści są reprezentowani przez Kevina Kavanagha z Dublina.
kevinkavanagh.ie
