Grupa Artystów Backwater
13 marca - 24 kwietnia 2026 r
Niedawna wystawa zbiorowa „MOTH” w Studio 12 w Backwater Artists Group w Corku wykorzystuje adaptacyjną ewolucję ćmy po rewolucji przemysłowej jako studium przypadku, analizując wpływ systemów kapitalistycznych na ludzką tożsamość i zachowania. Kuratorką wystawy jest Emma Quin, druga laureatka nagrody Backwater Artists Emerging Curator Award, której ramy kuratorskie skupiają artystów Andreę Newman, Lynn-Marie Dennehy i Pádraiga Spillane'a, w precyzyjny i twórczy sposób.
Architektura nadzoru i imperialne struktury władzy wysuwają się na pierwszy plan w instalacji rzeźbiarskiej Lynn-Marie Dennehy „ Eyes and ears are bad witnesss for barbarian souls” (2026). Taśma i papier łączą się, tworząc obraz kariatydy – architektonicznego podpory wyrzeźbionej w kształcie kobiecej postaci – nałożonej na klasyczną jońską kolumnę. Odbitka wielkości ściany rozciąga się częściowo na sufit i podłogę, a jej papierowa efemeryczność parodiuje ideę monumentalności. Patchworkowa natura obrazu Dennehy przywodzi na myśl esej Husseina Mithy „The Wretched of the City (An Excerpt)” z wystawy „Strange lands still bear common ground”, będącej publikacją z okazji 23. edycji Festiwalu Sztuk Wizualnych TULCA, którego kuratorką jest Beulah Ezeugo. Autorzy zastanawiają się, czy ciała przedstawione na kariatydach zostały „antropomorfizowane” lub „skamieniałe”, podkreślając tym samym bardzo realną ludzką pracę włożoną w ich stworzenie oraz podtrzymywanie współczesnych instytucji i struktur społecznych.
Szara kariatyda Dennehy'ego, przywołująca wrażenie mrocznego, wręcz nikczemnego wpływu, sugeruje niezauważalną rolę kolonialnych artefaktów w definiowaniu naszych obecnych systemów wartości. Artystkę interesuje pomijana kolumna jońska jako metafora pomijanych historii. Bladoróżowe refleksy otaczające figurę i kolumnę skłoniły mnie do myślenia o „ginekologii”. Termin ten, ukuty przez teoretyczkę Alison Winch, jest zróżnicowaną pod względem płci, neoliberalną wariacją panoptikonu Jeremy'ego Benthama, który ustanawia nieustanny nadzór, dyscyplinę i regulację przez kobiety nad ciałami innych kobiet. To z kolei skłania do refleksji nad złożonymi zachowaniami, w których kobiety podtrzymują agresywne kapitalistyczne systemy władzy, jednocześnie będąc przez nie uciskane.
Siatka fotografii Pádraiga Spillane'a, „Image Notes ” (2026), to bezpośrednia manifestacja prawdopodobnie największego panoptikonu ze wszystkich: Instagrama. W istocie, zdjęcia te stanowią wybór z platformy społecznościowej artysty z ostatnich dziesięciu lat. Efekt jest początkowo lekko dezorientujący. Rzeczywistość, że 45 obrazów – trzy rzędy po 15 – prezentowanych na tle białej ściany, może zaburzyć moje zmysły, wydaje się absurdalna, zważywszy na to, jak łatwo przewijam tysiące obrazów na ekranie każdego dnia. Kiedy włożę świadomy wysiłek w zaangażowanie się w każdy obraz z osobna, nagrody są nieskończone: intrygujący obraz lampy odbijającej się w oknie, które obramowuje różowe niebo; surrealistyczny obraz dziecięcego samochodziku wyrzuconego na brzeg; solarium, które mijam codziennie, zaprezentowane w kompozycji o technicznej doskonałości. Prezentacja porusza kwestię sposobów obiegu obrazu w czasach intensywnych dylematów moralnych dotyczących sztucznej inteligencji. Co ciekawe, pomimo postępu technologicznego, nadal myślimy o obrazach w kategoriach fotograficznych – w utrwalonych, wykadrowanych momentach. Jest coś niezwykle poruszającego w „oku” Spillane’a, który tworzy społeczne i estetyczne powiązania, odporne na ciągłe zmiany proporcji formatów internetowych.
Praca „One and Three Shutters ” (2024) Andrei Newman również wywołuje silne emocje – tym razem wściekłość. Nawiązując do pracy „One and Three Chairs ” (1965) artysty konceptualnego Josepha Kosutha, Newman zestawia metalową okiennicę z odbitką fotograficzną obiektu i jego lingwistyczną definicją na oddzielnych arkuszach aluminium. Ta ostatnia przytacza statystykę dotyczącą wysokich kosztów, jakie Rada Miasta Cork poniosła w ostatnich latach na „okienkowanie” pustych i opuszczonych nieruchomości. Trzy obiekty Newman łączą się, przypominając rząd nagrobków – trafną metaforę zaniedbania i skutków społeczno-ekonomicznych wynikających z zaniedbania budownictwa socjalnego przez państwo. Artystka nawiązuje również do roli języka w określaniu takich hierarchii.
W kontekście szerszej wystawy, interesujące jest szersze spojrzenie na migawkę, w odniesieniu do dynamiki klasowej architektury klasycznej, do której nawiązuje Dennehy, oraz do mechaniki fotografii eksplorowanej przez Spillane'a. Wracając do kuratorskich badań Quin, które wykorzystują adaptacyjne zachowania ciem jako analogię do samonadzoru, który wzmacniamy, reprodukujemy i wykonujemy w kapitalizmie, „ĆMA” to wystawa momentami poetycka, często polimorficzna i głęboko polityczna.
Sarah Long jest artystką i pisarką mieszkającą w Cork.
