SARAH LONG RECENZUJE AKTUALNĄ WYSTAWĘ W GLUCKSMAN W CORK.
„Panorama Europa”, dwa słowa pochodzenia greckiego, stanowią tytuł obecnej wystawy zbiorowej w The Glucksman, której kuratorkami są Katie O'Grady i Fiona Kearney. Świat grecko-rzymski, często przywoływany jako rama zachodniej cywilizacji, a z pewnością fundamentalna estetyka i kod istniejącej dynamiki władzy, przenika nasze szersze rozumienie Europy. Wystawa, która potrwa do 1 listopada, prezentuje prace dziesięciu irlandzkich artystów, którzy w różny sposób nawiązują do europejskich tradycji malarskich. Są to: Ursula Burke, Michael Canning, Sian Costello, Genieve Figgis, Claire Halpin, David Eager Maher, Rachel Fallon, Eleanor McCaughey, Isabel Nolan i Geraldine O'Neill.
Wystawa zaczerpnęła swój tytuł z dyptyku Claire Halpin zatytułowanego Panorama Europa (2024), pierwotnie zamówionego przez Glucksmana dla kolekcji sztuki University College Cork. Centralnym motywem obrazu jest konstrukcja przypominająca Wieżę Babel, przekształcona tak, by przypominała starożytny stadion olimpijski. Z tego centralnego pomnika, podtrzymującego dużą flagę Unii Europejskiej, rozciągają się różne narracje i linie czasu, obrazowo przedstawiające zmieniające się krajobrazy polityczne Europy. W tej typowej kompozycji w stylu renesansowym Halpin balansuje między wieloma punktami akcji, takimi jak koparki wydobywające ziemię z głębi ziemi, serią kropek i symetrycznych linii nawiązujących do wieców norymberskich, zgromadzeniem ukraińskich uchodźców oraz bardziej bezpośrednim odniesieniem do przedstawienia wieży Babel autorstwa Bruegla – wszystko to rozgrywa się na jednej płaszczyźnie obrazu. Faktura obrazu z grubą, nakładaną impasto warstwą przywodzi na myśl krajobraz naznaczony bliznami, natomiast nieprzezroczysta warstwa farby, przedstawiająca flagi, drony i kamery bezpieczeństwa, przywodzi na myśl wielowarstwowe historie i sceny, które pod spodem uległy skostnieniu.
Halpin współpracował z Rachel Fallon przy rzeźbie „ To Never Look Away ” (2024), okrągłym pudełku mieszczącym okrągły miniaturowy obraz, który przywodzi na myśl dewocyjny drobiazg. Niewielki przedmiot, wykonany z filcu, czarnego lustra i płyty gipsowej, jest umieszczony na półce, co dodatkowo nadaje materiałom talizmaniczny charakter. Zewnętrzne przeszycia zdobią pudełko małymi krzyżami. Maślane aplikacje z farb Buff Titanium, Neapolitańskiej żółci i pruskiego błękitu tworzą romantyczną linię oceanicznego horyzontu namalowanej sceny. W centrum kompozycji znajduje się jednak masa ciał w pomarańczowych kamizelkach ratunkowych na tratwie, a wokół niej w wodzie krążą inne ciała. Scena jest przerażająco i nieuchronnie znajoma. Uchodźcy nadal przemierzają Morze Śródziemne, nawet gdy – jak potępia tytuł – oczy świata odwracają wzrok. Cytując słowa Nuit Banai i jej krytykę „tożsamości granicznej” i europocentryzmu: „Uwypukla w większości niewypowiedziane struktury ideologiczne, które organizują relacje między kapitalistycznym Pierwszym Światem a resztą planety: ich wyrwanie z korzeniami potwierdza nasze bezpieczeństwo; ich pozbawienie gwarantuje nasze korzyści; ich śmierć ratyfikuje nasze życie”. 1
Dwa wielkoformatowe autoportrety Siana Costello, „Modelka” i „Mim” (oba z 2025 roku), wpisują się w konwencje europejskiej tradycji malarskiej. Podobnie jak John Singer Sargent, czołowa postać Belle Époque, Costello stosuje metodę „widocznego rozmiaru”, przenosząc to, co obserwowane, bezpośrednio na płótno. Oczywiście, Costello przedstawia własną postać i dlatego adaptuje tę metodę poprzez użycie fotografii, tworząc dynamiczne pozy kompozycyjne. Rezultat jest niezwykle uderzający; w „Modelce” postać jest ukazana nieco większa niż w rzeczywistości, nisko osadzona i skąpana w dramatycznym świetle reflektorów. Szerokie pociągnięcia pędzla i luminescencyjna paleta barw tworzą rodzaj wizualnego szumu, sprawiając, że postać wydaje się być w samym środku ruchu. Żółta tkanina wisi jako tło dla postaci i biegnie od ściany pod jej stopami. Ta aluzja do pracowni prowokuje do refleksji zarówno nad spojrzeniem artysty, jak i widza, prowokując pytania o reprezentację.
Gdzie indziej artyści angażują się w bardziej bezpośrednią subwersję i kwestionowanie utartych praktyk. W serii trzech rysunków Ursuli Burke artystka cytuje tradycyjne arkadyjskie pejzaże europejskich artystów i zaburza tę harmonię scenami protestów i konfliktów w Irlandii Północnej. Genivive Figgis przetapia rokokowe wizje piękna w koszmarne postacie poprzez śliskie i luźne nakładanie farby, podczas gdy Eleanor McCaughey łączy religijną ikonografię z motywami osobistymi, a farbę olejną z brokatem.
Panorama może być zarówno rozległym widokiem krajobrazu, jak i rozbudowaną serią obrazów rozłożonych przed widzem. Ta wystawa, z jej niezliczonymi zagadnieniami, jest jednym i drugim. Ogólnie rzecz biorąc, interesujące jest skupienie europejskiej perspektywy na malarstwie i zbadanie jego ciągłego związku z historyczną i obecną dynamiką władzy. Skupienie się na irlandzkich artystach dodaje dodatkowe warstwy refleksji, które wykorzystują historię sztuki do różnych celów – obserwacji i odtwarzania, kwestionowania i podważania.
Sarah Long jest artystką i pisarką mieszkającą w Cork.
1 Nuit Banai, Being a Border , pod redakcją Francisa Halsalla i Declana Longa (Dublin: Paper Visual Art, 2021) s. 24.
