Perfil da Exposição | Consequências da Linguagem

Rod Stoneman reflete sobre 'Mountain Language' no Galway Arts Centre.

Ailbhe Ní Bhriain, Inscrições IV, 2020, fotografias e obras escultóricas, vista da instalação; fotografia de Tom Flanagan, cortesia do artista e do Galway Arts Centre. Ailbhe Ní Bhriain, Inscrições IV, 2020, fotografias e obras escultóricas, vista da instalação; fotografia de Tom Flanagan, cortesia do artista e do Galway Arts Centre.

Dèyè mòn gen mòn / Além das montanhas, há mais montanhas…

– Provérbio crioulo haitiano

A exposição coletiva, 'Mountain Language' no Galway Arts Center (4 de fevereiro -  16 de abril), leva o título de uma pequena peça que Harold Pinter escreveu em 1988 após uma viagem à Turquia com Arthur Miller. Seu ponto de partida, a opressão implacável da minoria curda pelo Estado turco, uma série de cenas de partir o coração segue um grupo de prisioneiros em um país sem nome e explora o controle da língua como mecanismo de dominação.¹

Historicamente, esse foco na consequência da linguagem nos lembra dos debates críticos em torno da 'política da representação' nas décadas de 1960 e 70, argumentos e teorias sobre as maneiras como os sistemas de linguagem e imagem nos prendem, nos colocam e parcialmente geram nossas identidades. . A nova diretora do GAC, Megs Morley, fez uma exposição que faz uma viagem pela galeria para entender como as linguagens, visuais e verbais, fazem sentido socialmente. 'Mountain Language' sugere versões da relação de um passado contestado com as possibilidades do presente e a construção de diferentes futuros. 

A contribuição de Sarah Pierce é fundamental para a exposição como um todo; uma montagem em torno de questões de história e poder, construída a partir dos materiais descartados da reforma do GAC e da montagem das exposições. Ele continua a exploração do artista de encenados pinturas conectando-se ao trabalho de Alice Milligan e Maud Gonne; os temas da escrita de Milligan em Vislumbres de Erin (1888) reinventado em Tableaux Vivants (living pictures) – híbridos politizados de teatro e arte pictórica, idealizados pelo indomável Milligan durante o Irish Cultural Revival. 

Na abertura da exposição, apropriadamente, Hildegarde Naughton (Fine Gael TD para Galway West) atravessou levemente a montagem pouco antes da apresentação encenada de três mulheres fazendo poses dramáticas e fazendo gestos ambíguos. O trabalho de Pierce questiona os delineamentos entre ordem e desordem e re-imagina um papel para o artista na história. Como na exposição do IMMA de 2015, 'O Artista e o Estado', ela invoca El Lissitzky e uma tradição de modernismo radical, combinado com os destroços de molduras de madeira e papel esmagadas. Há um projeto para o presente, envolvendo memória com corpo e gesto, e vislumbrando a presença articulada da mulher na história do futuro. Enquanto isso, uma Union Jack amassada e descartada está entre os detritos. 

A imagem surpreendente de um rosto de Ailbhe Ní Bhriain, Sem título (Adversário) (2020), é composto de retratos gerados por IA sobrepostos que ecoam o processo de aprendizado de máquina à medida que evolui novas identidades – uma indicação enervante de meios digitais para nos reconfigurar. Seu trabalho gira em torno da questão de  “escorregadio na representação e como construímos o sentido – dentro disso os modos como, culturalmente, o sentido é construído para nós”.² Suas exposições recentes usam o título do texto de 1565, Inscrições or Títulos do Teatro Imenso – o mais antigo manual de instruções para a criação de coleções particulares e museus – estabelecendo uma base para colecionar objetos que reforça os pressupostos imperiais ocidentais, aqui interrompidos pela exposição de objetos delicados e requintadamente colocados de Ní Bhriain, combinando o natural, o geológico e o arqueológico. Há uma rima visual com os objetos votivos de Alice Rekab, exibidos como parte de uma instalação complexa, incluindo um curta-metragem, mostrando as superfícies táteis da terra e a extração e exploração de materiais dela. 

A pesquisa e a teoria não estão muito distantes; os livros e panfletos dispostos em uma mesa ao lado da janela da galeria apontam abertamente para a constelação de pensamento e discurso que envolve a exposição. Eles poderiam lembrar a bibliografia de textos teóricos que Pier Paolo Pasolini escondeu nos créditos finais de seu notório último filme, Salò, ou 120 dias de Sodoma (1975). É uma indicação das conexões das obras individuais e da exposição como um todo com outros mundos de ideias e palavras – que podem ser chamados de sua 'intertextualidade'.

Há uma presença significativa do filme na exposição. Talvez isso se relacione com a prática vibrante de Morley como cineasta, ou um sinal de um importante afrouxamento dos papéis demarcados de curador e artista nas instituições da indústria da arte. Duncan Campbell's O Bem-Estar de Tomás Ó Hallissy (2016) é um mockumentary que utiliza a reencenação para oferecer uma crítica à deturpação da cultura desaparecida do oeste da Irlanda, descrita como “um mundo que está morrendo lentamente”. Uma sequência com um tubarão-frade evoca o documentário fictício de Robert Flaherty de 1934, Homem de Aran, e mina o uso usual do arquivo como uma 'declaração da verdade'. Como o filme deixa claro, “a forma como as pessoas se apresentam não é a realidade”. 

Sopro de Fuligem / Corpus Infinitum (2020), de Denise Ferreira da Silva e Arjuna Neuman, é um filme “dedicado à ternura”. Empreende uma ambiciosa censura à 'fuligem negra' de um mundo culpável, onde uma sensibilidade radical luta para emergir da escuta, do pensamento, do toque da pele e da terra. A violência de um sistema econômico que constrói fronteiras contra a migração, ao mesmo tempo em que cria uma devastação ecológica irreversível por meio da mineração e da extração, é questionada por formas de conexão, intimidade e empatia. Em vez de desânimo e depressão, o filme oferece caminhos para uma nova subjetividade. Como sugeriu Annie Fletcher, ao lançar a exposição, pode haver um movimento geracional em que o papel do artista como crítico, disruptor e agressor da atualidade mude na adoção de práticas transdisciplinares, para ir muito além da negação e da resistência, substituindo a denúncia por uma busca por linguagens que envolvam novas formas de amor, parentesco, conexão e ternura.

'Mountain Language' é uma exposição ambiciosa que pede ao espectador que compare e associe as conexões e divergências de modos artísticos de pensamento que, de diferentes maneiras, contestam os discursos dominantes. Como o romancista francês Michel Butor descreveu certa vez: “Este é o sistema de significações no qual somos mantidos na vida cotidiana e no qual estamos perdidos”. 

Rod Stoneman foi vice-editor de comissionamento do Channel 4 na década de 1980, CEO do Irish Film Board na década de 1990 e professor emérito do NUIG depois de estabelecer a Huston School of Film & Digital Media. Ele fez vários documentários e escreveu vários livros, incluindo 'Seeing is Believing: The Politics of the Visual'.

notas: 

¹ Em 1996, Idioma da montanha seria interpretada por atores curdos da companhia Yeni Yasam em Haringey, no norte de Londres. Os atores obtiveram armas de plástico e uniformes militares para o ensaio, mas um observador preocupado alertou a polícia, o que levou a uma intervenção com cerca de 50 policiais e um helicóptero. Os atores curdos foram detidos e proibidos de falar na língua curda. Depois de um curto período de tempo, a polícia percebeu que havia sido informada de uma apresentação teatral e permitiu que a peça prosseguisse.

² Mine Kaplangı, 'Entrevista: Ailbhe Ní Bhriain', geladeira, 14 de abril de 2020, artfridge.de