ARTISTI ȘI GÂNDITORII INVITAȚI DISCUTĂ ISTORIA GALERIEI HYDE DOUGLAS LA 40 DE ANI.
Aceasta este o versiune succintă a unei conversații publice care a avut loc pe 17 mai la Douglas Hyde Gallery, ca parte a unui program de un an care marchează cea de-a patruzecea aniversare a galeriei. Panoul, prezidat de Caoimhín Mac Giolla Léith și prezentat de actuala regizor DHg Georgina Jackson, a format artiști care au avut anterior expoziții personale majore la DHg. Fiecare artist a profitat de ocazie pentru a reflecta asupra influenței semnificative pe care DHg a avut-o asupra relației lor cu arta contemporană.
Georgina Jackson: Douglas Hyde Gallery deține un spațiu incredibil de important în Dublin, în Irlanda și la nivel internațional. Când Alice Maher vorbea despre prima sa expoziție individuală importantă aici în 1994, când IMMA era încă la început, ea a descris DHg ca „cel mai important loc din Irlanda și o platformă de lansare pentru toți artiștii aspiranți. Toată lumea a mers acolo, toată lumea a vrut să arate acolo - a fost un punct de sprijin al energiei și un loc puternic ”. Galeria a ieșit din entuziasmul și curiozitatea infecțioase ale unei figuri numite George Dawson, profesor de genetică aici în Trinity, care a recunoscut importanța artiștilor și a artei ca fiind necesară în viața studenților, Trinity College și nu numai. Aceasta este o sărbătoare a 40 de ani de DHg și a multor alți ani care vor urma.
Caoimhín Mac Giolla Léith: Am avut o relație îndelungată cu Douglas Hyde Gallery, care include 17 ani ca membru al consiliului; Așa că trebuie să merg mai întâi, ca Matusalem și seanchaí, și spune câteva cuvinte despre amintirile mele despre galerie. La începutul anilor 1980, am fost vag familiarizat cu Douglas Hyde ca loc de expoziție, ca student la UCD. Amintirea este tulbure, dar punctată de o amintire foarte vie a unui spectacol Ed Kienholz, „Tableaux”, în 1981.1 Alte amintiri din primii ani - anii pre-John Hutchinson, dacă doriți - au inclus primul spectacol care mi-a luat cu adevărat respirația, într-un mod pur spectaculos, pentru amploarea ambiției sale: „Jason și argonauții”, de Anselm Kiefer spectacol în 1990, când Medb Ruane era la conducere.2 Mai formativ pentru mine, pe măsură ce începusem să scriu despre artă, la nivel local, a fost o serie de expoziții (în tranziția în cele zece ale lui John Hutchinsonîn calitate de director al DHg) graficând arta irlandeză în anii 1980 - patru sau cinci expoziții de grup organizate tematic. Dar cel mai memorabil spectacol al meu din anii 90, care, într-un fel sau altul, a schimbat viața, a fost spectacolul „Cloroză” de Marlene Dumas în 19943, pe care mi-l amintesc foarte clar din mai multe motive. În primul rând, nu aveam așteptări. Nu eram pe deplin sigur la ce mă duceam, era o zi plină, am întârziat să întâlnesc pe cineva. Îmi amintesc clar că am coborât pe scări, cu respirația, scuzându-mă, căutând persoana cu care am întârziat să o întâlnesc, găsindu-l, spunându-mi scuze și apoi uitându-mă în jur. Și chiar în spatele meu era piesa de titlu, o uriașă bancă de acuarele pe hârtie - un mediu semnat al Marlene Dumas atunci și acum - și multe alte lucrări, care m-au uimit complet. Acesta a fost începutul unui interes îndelungat pentru opera lui Marlene, despre care am scris de mai multe ori, și o prietenie pe care o prețuiesc.
Acum, pentru a indica o noțiune de progresie istorică sau cronologie, voi cere artiștilor să vorbească în ordinea în care au arătat de-a lungul anilor.
Willie Doherty: Am vârsta suficientă pentru a-mi aminti DHg-ul când era o instituție mult mai tânără. Am fost student la artă în Belfast și cred că a existat o mulțime de entuziasm cu privire la potențialul acestei noi galerii care se deschise la Dublin, deoarece acestea erau în zilele dinaintea IMMA. Cred că lumea artei simțea, în general, că există într-adevăr un loc pentru o galerie de artă dedicată, care era serioasă, profesională și avea o oarecare relație, nu doar cu orașul Dublin și Trinity College, ci și cu restul lumii. Așadar, a existat întotdeauna un anumit entuziasm în jurul expozițiilor din DHg și ambiția și amploarea pe care galeria le reprezenta. De fapt, am participat la o expoziție de grup aici, în 1981, numită „Expoziția irlandeză de artă vie”, care cred că s-a întâmplat la fiecare doi ani.4 Am absolvit școala de artă din Belfast în vara anului 1981 și, spre surprinderea mea, au acceptat o mare lucrare fotografică pe care o făcusem pe trei sau patru panouri. Acest lucru a fost destul de important pentru un tânăr artist care tocmai a părăsit școala de artă, să aibă o lucrare selectată pentru o expoziție aici. Ca orice tânăr artist, lucrezi dintr-o poziție de invizibilitate și sperăm că munca ta ar putea ajunge undeva. Prima expoziție solo pe care am avut-o aici a fost în 1993. Lucrarea pe care am realizat-o a fost, într-un fel, modelată de arhitectura galeriei în sine. Unul dintre lucrurile care mi-au plăcut întotdeauna la această galerie este că intri de pe stradă și apoi obții această vedere de la balcon în jos în spațiu. Cred că este o perspectivă unică - navigați în spațiu din acest punct de intrare de mai sus. În acest sens, spațiul a prezentat întotdeauna o serie de provocări pentru artiști. De-a lungul anilor, modul în care directorii respectivi au înțeles spațiul a evoluat pe măsură ce spațiul a evoluat. Unele dintre spectacolele organizate de John Hutchinson aici au demonstrat cu adevărat o înțelegere clară a dinamicii acestei arhitecturi, iar instalarea lucrărilor de aici a fost adesea dezarmant de simplă, dar complexă în același timp. Pentru mine a fost întotdeauna un loc cu adevărat important și foarte dinamic, atât ca artist, cât și ca vizitator.
Willie Doherty a avut expoziții solo la DHg în 1993 și din nou în 2008. Este actual membru al consiliului de administrație al galeriei.
Gerard Byrne: Pentru că sunt din Dublin, simt că am o istorie foarte lungă cu spațiul. Pentru mine, ceva cu adevărat central pentru DHg în general, a fost întotdeauna conectarea practicilor din Irlanda cu practicile centrate în altă parte - cred că este un gest cu adevărat important. Evident, spectacolul Kiefer a fost important, deoarece a fost un blockbuster 5, dar îmi amintesc emisiunea Bill Viola aici și asta a fost cu adevărat, foarte important.6 Viola a venit ca artist în vizită la NCAD. Pentru că era artă media, se simțea foarte, foarte nou la acea vreme. Am, de asemenea, o amintire destul de palpabilă a spectacolului lui Cecily Brennan aici, la începutul anilor '90 - desene foarte mari pe cărbune din județul Wicklow.7 Îmi amintesc un film din Sunday Tribune de pe Cecily Brennan. Despre un artist despre care se scria într-un ziar - asta era cam mare lucru în Irlanda la acea vreme. A fost prima dată când am reușit să fac o legătură între a vedea ceva într-un spațiu al galeriei și a avea de fapt un sentiment despre cine este acel artist, ca persoană. M-am implicat cumva în instalarea spectacolelor la DHg și a fost o experiență strălucitoare. Primul spectacol pe care l-am instalat a fost Jimmie Durham, care a fost un spectacol uimitor care a venit de la ICA din Londra.8 A fost atât de frumos - mi-a plăcut munca lui de atunci. O altă amintire foarte plăcută a fost „Mandala de nisip Kalachakra” realizată de călugării budiști tibetani.9 Propriul meu spectacol în 2002 a fost organizat de Annie Fletcher. Am făcut o fotografie a lui Dorothy Walker special pentru spectacol, deoarece o cunoșteam pe Dorothy prin fiul ei Corban. Nu știu foarte bine care a fost rațiunea mea pentru includerea ei, cu excepția faptului că într-un fel a vorbit despre istoria acestui loc. Am făcut și o lucrare, Noi stiluri de viață sexuale. L-am filmat în celebrul Goulding Summerhouse din Wicklow, proiectat de Ronnie Tallon de la arhitecții Scott-Tallon-Walker. Basil Goulding și Dorothy Walker au fost implicați într-un anumit moment în arta irlandeză, pe vremea când s-a format DHg la sfârșitul anilor '70. M-a interesat cumva să am acel prezent în spectacolul meu.
Gerard Byrne a avut o expoziție solo, „Herald or Press”, la DHg în 2002. „A Visibility Matrix” de Sven Anderson și Byrne a fost prezentată în vara anului 2018.
Isabel Nolan: La fel ca Gerard, am relații multiple cu acest spațiu. Abia după al treilea sau al patrulea an (în NCAD) am început să vin aici în mod regulat. Îmi amintesc că Marlene Dumas a ținut o discuție și a fost un moment fenomenal. Dar cred că părea totuși atât de departe și un artist părea un lucru atât de abstract, încât nu m-am conectat cu adevărat la el. În NCAD, toată lumea vorbea despre postmodernism, făcea colaje și se uita la arta britanică. La acea vreme era multă ironie și mi s-a părut cu adevărat neinteresant. Oricum, am intrat aici într-o zi, am fost singura persoană din spațiu și a existat o expoziție a acestor sulfuroase, amenințătoare, ceea ce mi s-a părut picturi foarte mari ale acestui irlandez numit Patrick Hall, și am fost uimit și am am avut această înțelegere foarte simplă că este ok să te gândești la moarte.10 Îmi amintesc că emisiunea „The Messenger” a lui Bill Viola a fost prima emisiune pe care am urât-o absolut. Am crezut că am dobândit un fel de criticitate pentru că aveam capacitatea de a urî un spectacol. De asemenea, am petrecut o perioadă aici fiind tehnician. Vizionarea artiștilor instalându-și lucrările, lucrul într-un spațiu atât de specific cu un singur curator și privirea la modul în care John a lucrat cu toți acești oameni diferiți și modul în care au tratat acest spațiu, a fost doar fenomenal. Ar merge de la cineva ca Miroslaw Balka11, care a fost acest mare urs mare al unui om și un fel de macho într-un fel, dar precizia și natura exigentă a cerințelor sale în jurul asigurării faptului că spectacolul a fost corect. Și apoi a fost Koo Jeong-A, care a avut acest spectacol incredibil de misterios, numit „Țara lui Ousss”.12 Aș aștepta toată ziua să mă roage să fac ceva și chiar nu avea nevoie de mine. Și aș veni în dimineața următoare și o rolă de Sellotape ar fi fost mutată cu un picior. Ai merge, wow, e mai bine. Mike Nelson ... mi-a suflat mintea, deoarece acest spațiu era destul de gol, cu imagini în jurul pereților și o instalație întreagă sub scări.13 Așadar, a fost cu adevărat uimitor să vezi toată acea gamă de oameni și să-l urmărești desfășurându-se de aproape. Mi s-a cerut recent să scriu ceva despre care artiștii m-au influențat. Se pare că, la un moment dat sau altul, majoritatea au arătat aici. Pentru mine, există ceva despre acest spațiu și arhitectura care, spre deosebire de multe alte galerii, are această fizicitate incredibilă și există ceva despre a intra aici și a te preda spațiului. Este o galerie cu care ai o relație foarte corporală. Și a existat ceva special în fiabilitatea DHg că acesta va oferi ceva care era complex și un fel de provocator și fascinant. Nu voi continua.
Isabel Nolan a prezentat „Paradisul [29]” la DHg în 2008, în timp ce expoziția sa solo, „Calling on Gravity”, a fost prezentată în 2017.
Mairead O'hEocha: Este amuzant că ai menționat „Hotelul turistic” al lui Nelson. Aceasta este o amintire cu adevărat vie pentru mine, pentru că a inversat radical spațiul. Ai venit aici și a existat un „spectacol fals”. Ai coborât pe spate și te-ai împiedicat în întuneric. Erau saci de dormit murdari, cutii de chibrituri cu tămâie în ele, monede, măști Disney. Erau televizoare portabile cu doar zăpada care se uita înapoi la tine. De fapt, nu întâlnisem o expoziție care să preia atât de inteligent spațiul. El a pus un labirint de întrebări în jurul culturii, spațiului și politicii care te-a lăsat încântat și confuz. A lui David Byrne Cum funcționează muzica vorbește despre creație în sens invers și despre modul în care oamenii au o presupunere în jurul muzicienilor că scriu, iar piesa apare complet formată. El a spus că realitatea este la 180 de grade față de asta. Și întotdeauna ia în considerare locul în care face treabă. El continuă să explice modul în care muzica africană, de exemplu, a evoluat și este destul de percutantă, deoarece se cântă și se aude în aer liber, în timp ce muzica corală are reverburi foarte lungi și din cauza arhitecturii bisericilor, notele se extind. Cred că ceea ce spune este de fapt destul de relevant pentru arta contemporană. Opera lui Mike Nelson a fost complet această idee de creație în sens invers. Mă gândeam la asta și cum, pentru primul spectacol pe care l-am avut în galeria principală, am început să fac acest tablou uriaș, ca o curbă a picturilor mici. În cele din urmă, nu l-am inclus deloc, dar s-a conectat înapoi la această idee de a crea invers. Când am avut spectacolul ulterior în Galeria 2, am fost foarte conștient de faptul că spațiul mic nu are ferestre. Am realizat o serie de patru tablouri în care fiecare pictură are propria sursă de lumină, astfel încât acestea emit propria lor lumină - o lumină fluorescentă, o lanternă, un fel de lumină de zi halucinantă. Acel spațiu, Galeria 2, a fost întotdeauna interesant, deoarece obiectele sale etnografice păreau că subminează cu adevărat arta contemporană din spațiul principal - părea să aibă în spate o claritate a scopului și intenției. De fapt, mi-a plăcut foarte mult acea tensiune ciudată.
Mairead O'hEocha a prezentat în expoziții de grup și solo la DHg în 2011 și, respectiv, 2014.
Sam Keogh: Am să povestesc o anecdotă foarte scurtă despre spectacolul Cathy Wilkes aici, în 2004.14 Aveam vreo 16 sau 17 ani și am venit cu un grup de la școala mea secundară. Amintirile mele despre unele dintre lucrări sunt cam murdare. Era partea de sus a unei cutii de șervețele pentru copii, care era turcoaz și, în mintea mea, erau câteva cuvinte pătate în vopsea sau rahat - ceva maro. Dar uitându-ne la documentația care există, nu era nimic pe ea. Pe perete erau picturi pe care nu mi le mai amintesc, și erau aceste sculpturi semi-figurative, minime, realizate din lemn și bucăți de metal, pe aceste tipuri de suporturi metalice. Erau peste tot pe podea. Unele dintre ele au fost probabil răsturnate. Și pe podea era o mașină de șlefuit cu centură, care amenința aceste obiecte de lemn cu transformarea în rumeguș. Principalul lucru pe care mi-l amintesc a fost reacția colegilor mei. În clasa mea erau o grămadă de flăcăi care erau destul de încrezători, iar eu nu eram - eram destul de incomod. Chiar nu le-a plăcut ideea că ar trebui să se uite la aceste lucruri și să le considere artă. Paranoia lor m-a făcut să simt că acest grup de lucruri dintr-o cameră mi-a fost de partea mea. M-a făcut să mă gândesc că poate există ceva în această întreprindere de aranjare a lucrurilor într-o cameră, care este arta. A fost prima mea experiență când am văzut că a existat un limbaj vizual ciudat, ciudat de cineva, care era separat de modul în care ați putea vorbi de obicei cu cineva. Am avut încredere că ea încerca să comunice ceva aproape imposibil de comunicat. Acesta a fost un lucru foarte ciudat și interesant de prezentat. Cum facem un nou limbaj?
Lucrarea lui Sam Keogh a fost prezentată în expoziția de grup „Dukkha”, la DHg în 2014, în timp ce spectacolul său individual, „Four Fold”, a fost prezentat în galerie în 2015.
Sean Lynch: Vreau să fac un pic de contrapunct cu privire la spațiul incredibil de aici. Este deschis doar șapte ore pe zi. Multe ore din zi, galeria este închisă. Mă întreb cum funcționează în acel timp? Noaptea, când galeria este închisă, suntem cu toții în locuri diferite. Spațiile de galerie bune au capacitatea de a-și depăși fizicitatea. Se regăsesc în locuri diferite în momente diferite în capul oamenilor, încercând să fie articulate, uneori fiind verbalizate în conversație, sau pur și simplu rămânând și ca un spațiu gol mare în capul tău, cu potențialitatea mai multor forme de artă. Eram prea tânăr pentru a vedea aici expoziția lui Nicola Gordon-Bowe despre Harry Clarke, așa că a trebuit să-mi spună despre asta.15 Aceste straturi particulare care există aici - mă interesează cum începem să le înțelegem în conversație, înainte și după prezentare, cum leagă comunitățile între ele și cum păstrează locuri ca acestea ca fiind centre foarte relevante. Știți, toți atingeți pământul Galeriei Douglas Hyde acum, care atinge Trinity, care atinge Dublin, atinge Atlanticul, atinge China ... Cumva, ne facem realitățile din această carne a solului. Să am o expoziție aici anul trecut a fost un moment foarte bucuros pentru mine. Eu și familia mea locuiam în Vancouver și ne-am mutat înapoi la Dublin pe durata spectacolului. Trebuie să petrec mult timp în galerie, să stau cu personalul de aici și uneori este o raritate, cu o expoziție. Am avut un timp atât de vesel și minunat cu Rachel McIntyre lucrând la spectacol. Michael Hill a arătat toate desenele copiilor pe care le puteți vedea în spațiul galeriei, realizate de copii în tururile școlii. Sunt încă toți aici, nu ascunși în diferite părți ale betonului. Uneori ai făcut un spectacol și ai plecat a doua zi. Am simțit un mare sentiment de comunitate aici și este un loc foarte bucuros.
„A Walk Through Time” și „What Is An Apparatus” de Sean Lynch au fost prezentate la DHg în 2017.
Douglas Hyde Gallery a fost fondată de Arts Council și Trinity College Dublin și a fost deschisă la 1 martie 1978.
notițe
1 Ed Kienholz, „Tablouri 1961-79”, 1981.
2 Anselm Kiefer, „Jason și argonauții”, 1990.
3 Marlene Dumas, „Cloroză”, 1994; „Hungry Ghosts” (spectacol de grup), 1998.
4 „Expoziția irlandeză de artă vie”, 1978, 1980, 1981, 1984.
5 Anselm Kiefer, expoziție solo, 1990.
6 Bill Viola, expoziție solo, 1989.
7 Cecily Brennan, expoziție solo, 1991.
8 Jimmie Durham, expoziție solo, 1994.
9 Călugări budiști tibetani, „Kalachakra Sand Mandala”, 1994.
10 Patrick Hall, „Muntele”, 1995.
11 Miroslaw Balka, „Dig Dug Dug”, 2002-03
12 Koo Jeong-A, „Țara lui Ousss”, 2002.
13 Mike Nelson „Hotel turistic”, 1999.
14 Cathy Wilkes, expoziție solo, 2004.
15 Harry Clarke, „Retrospectivă”, 1979.
Credite de imagine
Călugări budiști tibetani, „Kalachakra Sand Mandala”, 1994; imagine oferită de Douglas Hyde Gallery.
Alice Maher „Familiar”, 1994; imagine oferită de Douglas Hyde Gallery.
Gerard Byrne „Herald or Press”, 2002; imagine oferită de Douglas Hyde Gallery.
Kathy Prendergast, expoziție solo, 1996; imagine oferită de Douglas Hyde Gallery.
Cathy Wilkes, expoziție solo, 2004; imagine oferită de Douglas Hyde Gallery.
Sam Keogh „Four Fold”, 2015; imagine oferită de Douglas Hyde Gallery.
