ANNE MULLEE PREZINTĂ CONTRIBUȚIA ARTIȘTILOR ȘI CURATORILOR IRLANDEZI LA A 57- A EDIȚIE A BIENALEI DE LA VENEȚIA.
Multe dintre recenziile despre modul ambițios în care curatoarea Christine Macel a gestionat cele două expoziții uriașe, centrate pe artist, „Viva Arte Viva!”, de la Bienala de la Venezia, au primit laude mai puțin pe deplin, criticii citând în mod divers prea multe lucrări slabe, lipsa diversității și contextualizarea slabă, printre alte critici. Desigur, cea de-a 57- a Bienală este mult mai mult decât o sumă a acestor părți. Reflectând probabil lumea artei din ce în ce mai globalizată, anul acesta sunt incluse noi pavilioane de la participanți pentru prima dată: Antigua și Barbuda, Kiribati și Nigeria. Pe măsură ce tot mai multe țări sunt invitate să participe la eveniment, reflecțiile asupra naționalității devin un trop din ce în ce mai comun. Statul utopic virtual NSK găzduiește artistul turc Ahmet Öğüt, care a lucrat cu tineri refugiați pentru a conduce un birou de pașapoarte live, unde am obținut un pașaport de stat NSK (nskstate.com). În schimb, partea sudică a globului este reprezentată la Veneția de Pavilionul Antarctic, care nu este atât un stat imaginar, cât un stat de cercetare. Inițiat de artistul rus și vedeta bienalei, Alexander Pononmarev, pavilionul oferă o platformă pentru a expune lucrări de artă și proiecte ale diverșilor artiști invitați care au participat la prima Bienală Antarctică - o expediție de cercetare artistică de 12 zile, întreprinsă în martie 2017 cu 100 de participanți la bordul navei de cercetare Akademik Ioffe.
Artista irlandeză Méadhbh O'Connor, care este în prezent artistă rezidentă UCD la Parity Studios, se numără printre cei 15 artiști internaționali selectați pentru a expune la Pavilionul Antarctic. Lucrând în colaborare cu departamentul de științe al UCD, O'Connor a conceput un experiment și l-a oferit ca lucrare open-source. Prezentată ca o lucrare video, lucrarea explorează schimbările climatice, demonstrând reacțiile atmosferice la nivel micro prin amestecarea laptelui cu apă de diferite densități. Filmată în prim-plan și afișată pe două tablete montate pe perete, rezultatul este magic. Climate-Simulator Phase I și II sunt lumi minuscule care evocă norii gazoși din jurul Pământului, învârtindu-se și vârtejându-se după capriciul creatorului lor. Filmul este difuzat prin YouTube și rețelele sociale pe tot parcursul bienalei, invitând spectatorii să recreeze experimentul acasă.
Un alt pavilion colateral transstatal este expoziția Centrului Cultural European. Prezentată în trei locații – Palazzo Bembo, Palazzo Mora și Giardini Marinaressa – peste 250 de artiști din întreaga lume răspund conceptelor de „timp, spațiu și existență” sub titlul „STRUCTURI PERSONALE – granițe deschise”. Artista irlandeză Patricia McKenna a creat o instalație …. and the world goes on (2017) în streșinile Palazzo Mora, unde copaci subțiri se întind spre grinzile sale vechi de secole, fiind întâlniți de alții care se întind în jos. Iluminată de un semn neon care proclamă „Goes”, această pădure improvizată este montată pe suporturi metalice îngrijite (vopsite în albastru, roșu și negru) și este întreruptă cu tije drepte. Ici și colo, mici figuri umane din lut par să sară din copac în copac, în timp ce frunzele false din folie indică posibile semne de viață. Este ciudat de distopică, strălucirea asemănătoare sodiului a neonului aruncând un fel de tentă gălbuie post-apocaliptică.
La Giardini, Pavilionul Elvețian este organizat de Philip Kaiser, care a dat oarecum nedumerit expoziției din acest an titlul „Femeile din Veneția”, bazându-se pe propria istorie a pavilionului. Kaiser a declarat că își propune să „reflecteze asupra istoriei pavilionului și a contribuțiilor Elveției la Bienala de la Veneția dintr-o perspectivă contemporană și să inițieze o nouă lucrare, specifică acestui context”. Cu toate acestea, una dintre lucrări este apoi încadrată prin istoria fraților Giacometti: Bruno, arhitectul care a proiectat inițial pavilionul și Alberto, artistul apreciat care a refuzat în mod repetat invitațiile de a reprezenta Elveția în acel pavilion.
Flora (2017), realizată de artistul elvețian Alexander Birchler și artista irlandeză Teresa Hubbard, este una dintre cele mai impresionante lucrări de la bienală. Cei doi au realizat o instalație cinematografică sincronizată, față-verso, despre viața Florei Mayo, fostă muză a lui Alberto Giacometti și artistă în sine. Deși se pare că fiecare artistă care a lucrat înainte de 1980 este sortită să fie „puțin cunoscută”, „nedescoperită” sau „subrecunoscută”, Mayo a dispărut cu adevărat în obscuritate. Acest lucru s-a întâmplat din propria sa mână, deoarece și-a distrus o mare parte din lucrări. Născută într-o familie bogată din SUA, prima ei căsătorie s-a încheiat după ce a născut primul copil. A fugit la Paris și mai târziu s-a împrietenit cu Giacometti, care a sculptat-o. Flora a fost izolată de familia ei și i s-a interzis să-și mai vadă fiica vreodată. În anii 1930 s-a mutat în California, lucrând în locuri de muncă umile și crescându-și fiul, David Mayo, născut la doi ani după întoarcerea Florei în SUA. Povestea Florei este relatată în stilul unui documentar-dramă filmat alb-negru, care relatează o imagine imaginară a vieții sale la Paris ca artistă. În cel de-al doilea film, acum color, David își amintește de viața mamei sale în timp ce urmărim secvențe din lucrările pierdute ale Florei care sunt reconstituite și reunite cu bustul realizat de Giacometti. O lucrare discret, puternică și emoționantă, Flora este un omagiu melancolic adus omonimului său.
Istoria pavilioanelor naționale este o sursă obișnuită de inspirație pentru mulți curatori bienali. Uimitorul pavilion nordic prezintă „Mirrored”, organizat de Mats Stjernstedt, care include lucrări ale artistei suedeze și absolventei IADT, Nina Canell. Explorările sale de transmisie, conexiune și materiale stau la baza unei colecții concrete de obiecte, inclusiv secțiuni de cablu transatlantic (renumit care circulă de la Valencia în Kerry până la Golful Trinity din Newfoundland) și un turn delicat de mastic de gumă roz medicinală. Marginile sfâșiate ale cablului și guma care curge încet invocă ștergerea treptată a prezentului.
Pavilionul olandez este supravegheat de curatorul irlandez Lucy Cotter. Problemele post-colonialismului și ale utopiilor sociale moderniste sunt explorate într-un site proiectat de Gerrit Rietveld în 1953. Aici, Cotter, împreună cu artistul olandez Wendelien van Oldenborgh, au creat „Cinema Olanda” - o serie de anchete despre reputația percepută a Olandei ca națiune progresistă. O contra-narațiune oferă trei lucrări video și o pereche de imagini statice pentru a introduce un șir de observații din „vechii olandezi”, care discută despre unii dintre noii cetățeni ai țării, care includ surinamezi post-coloniali și refugiați din Indonezia. Limbajul folosit este adesea neîndemânatic și, pentru urechea „iluminată”, se învecinează cu rasistul. Pe tot parcursul filmului omonim, populația mai nouă a Olandei este denumită în mod flippantly ca "Indos", în timp ce limba surinameză este descrisă ca fiind "violentă", asumând conotații de agresivitate și violență fizică.
Nu este o revelație că astfel de atitudini există, deși van Oldenborgh oferă un contrabalans prin explorarea experimentelor sociale și a narațiunilor redesenate instigate de artiști, activiști și migranți nedocumentați. Acestea au loc în diverse locații, inclusiv o biserică din Rotterdam și clădirea Tripolis a arhitectului Aldo van Eyck din Amsterdam, care leagă aceste idealuri urbane utopice de cele ale planificatorului urban Lotte Stam-Beese și captează fragmente de istorii mai puțin cunoscute. Aflăm despre primul membru negru al Partidului Comunist SUA, Otto Huiswoud, un revoluționar surinamez care a organizat muncitori din întreaga lume și a trăit o mare parte din viața sa în Olanda. De asemenea, obținem informații despre diferite forme de activism intern și ghemuit care au avut loc în Olanda din anii 1960 până în prezent. Van Oldenborgh rezistă construcției de paralele și cronici îngrijite, permițând în schimb spectatorului să asculte amintirile și experiențele povestite ale cetățenilor olandezi negri, albi și maro.
Nu sunt oferite rezoluții, o sensibilitate care lipsește în unele dintre celelalte lucrări prezentate la bienală care caută să abordeze preocupările contemporane legate de post-colonialism și migrație. Un exemplu vine de la Olafur Eliasson, de obicei perfect pentru ton, al cărui proiect „Lumina verde” ocupă cel mai mare spațiu la pavilionul central al Giardini (curat de Macel). Solicită migranților din Veneția să organizeze ateliere de fabricare a lămpilor geometrice, care pot fi cumpărate cu 250 EUR. Există un aspect categoric inconfortabil de „grădină zoologică umană” la acest spectacol, care amintește mai degrabă de antreprenoriat social capitalist decât de colectiv radical, mai ales atunci când se constată că facilitatorii atelierului sunt neplătiți.
Dar poate că nici măcar aceasta nu este la fel de ofensatoare ca expoziția lui Ernesto Neto, Um Sagrado Lugar/Un loc sacru, de la Arsenal. Aici, un vast cort împrejmuit cu plasă – recent numit „spațiu de relaxare” – găzduiește șamani reali din America de Sud. Macel pare pasionată de acest tip de însușire culturală, care se regăsește în ambele sale expoziții și pare extrem de naivă. În ciuda laudelor aduse unei bienale conduse de artiști, mâna curatorului este cu siguranță grea.
Artistul irlandez Mariechen Danz din Berlin își prezintă instalația Mormântul uterului (2017) la Arsenale. O performanță anterioară în spațiu este evidențiată pe ecran, în timp ce amprentele montate pe perete și o sculptură termoactivă descriu în mod diferit „teatrul primordial” al corpului uman într-un set de scenă fabricat din noroi de origine locală. Fără a avea libertate fizică, practica corporală a lui Danz amintește de explorările viscere, feministe din al doilea val, ale unor artiști precum Carolee Schneemann sau Rebecca Horn. La pavilionul irlandez, instalația video și performantă fascinantă a lui Jesse Jones Tremură, tremură, organizat de Tessa Giblin, a fost bine primit. Impresionanta instalație video multi-ecran ne invită să ne uităm la cronica primordială a lui Olwen Fouéré și să cutremurăm puterea ei. În altă parte, printre volumul adesea copleșitor de lucrări expuse în tot orașul, este îmbucurător să vedem contribuții atât de puternice din partea colegilor artiști irlandezi și a celor pe care îi revendicăm pentru noi înșine.
Anne Mullee este curator, cercetător și scriitor de artă. În prezent este curator al The Courthouse Gallery and Studios din Ennistymon, județul Clare.
Imagini: Teresa Hubbard/Alexander Birchler, Flora , 2017; instalație de film sincronizată față-verso cu sunet; 30 de minute, repetiție; Pavilionul Elvețian, Bienala de la Veneția 2017; fotografie de Ugo Carmen, prin amabilitatea artiștilor, Galeria Tanya Bonakdar, New York și Galeria Lora Reynolds, Austin. Nina Canell, Gum Drag și Brief Syllable , 2017; Pavilionul Nordic, Bienala de la Veneția 2017; fotografie de Åsa Lundén/Moderna Museet. Jesse Jones, vedere a instalației Tremble Tremble , 2017; film, sculptură, cortină mobilă, scenografie cu sunet și lumină; Bienala de la Veneția.
