Trebuie să recunosc că am abordat expoziția online a lui Kurb Junki, „Meditative Monitor”, cu o oarecare trepidație. Pentru un privitor din afară, tropii graffiti-ului și estetica sa fisurată, născuți inițial dintr-o epocă de neglijență și declin economic în New York-ul anilor 1970 și 80, au persistat relativ neschimbați în secolul XXI. E dificil să nu vezi arta stradală de acum și subculturile sordide care o însoțesc – graffiti și skateboarding – ca suferind de o tendință inevitabilă și incidentală, izvorâtă din adolescenți angoase și lipsiți de drepturi. Prefigurarea unor artiști monolitici precum Banksy, care au comercializat omniprezent chiar actul care inițial a împins împotriva capitalismului, nu contribuie prea mult la cauza acestuia. Așadar, a fost o ușurare să constat că expoziția online a lui Kurb Junki se îndepărta oarecum de frenezia de wall tagging care definește domeniul.
Expoziția, lansată în decembrie 2020, cuprinde aproximativ douăzeci de picturi, afișate pe o singură pagină a site-ului artistului cu un videoclip nostalgic glitchy care prezintă opera, făcând referire la timpul obișnuit pe care o persoană îl petrece în fața unui tablou (douăzeci de secunde). Există instrucțiuni despre cum să-l vizualizați: vizionați videoclipul folosind căști, derulați în jos pentru a citi picturile, contactați dacă doriți să cumpărați. Videoclipul în sine vorbește despre o estetică obosită; este introdus de un bot feminin atractiv pe un monitor iMac învechit. Imaginile picturilor sunt interpuse cu imagini cu cineva care este arestat, în timp ce botul definește simultan ce este libertatea. Spre sfârșit, videoclipul se adaptează la intervalul nostru de atenție scurtat într-o cultură din ce în ce mai digitalizată, afișând picturile de pe ecran în succesiune rapidă. Deși nu este tocmai inovator din punct de vedere expozițional sau tehnologic, Kurb Junki și-a mutat practica de la politica spațiului public la procesele introspective ale unui studio privat, adaptându-se în același timp la condițiile prohibitive actuale de prezentare a lucrărilor.
Când termenul umbrelă „artă stradală” este menționat în conversația cu artistul din Dublin, acesta își exprimă dorința de a se separa pe sine și practica sa de termen. Lucrând anterior la picturi murale în exterior, el descrie modul în care lucrarea expusă în „Monitorul meditativ” se îndepărtează de publicitatea și riscul implicat de pictura ilegală pe stradă. „Când lucrezi afară, te uiți mereu peste umăr, așteptând ca cineva să te mute. Există și o performanță.” Pe de altă parte, aceste picturi au fost realizate singur în ultimul an în atelierul artistului, unde acesta a explorat mai reflexiv unele dintre procesele de marcare ale artiștilor școlii din New York din anii 1950 și 60. Folosind ustensile de artă stradală – vopsea spray, mopuri, ecran de mătase – și referințe la cultura pop, dar adoptând o abordare abstractă, Kurb Junki pune în contrast moștenirea abstracției moderniste cu însușirea postmodernă a graficii și graffiti-ului, nu spre deosebire de pictorii contemporani precum Christopher Wool. sau Nigel Cooke.
Deși nu se simte confortabil cu ideea de a fi numit artist stradal, Kurb Junki abordează problemele ridicate de practicarea acestui domeniu – risc, control, supraveghere, noțiuni de interior și exterior – cu o etichetă și un pseudonim pe deasupra. „Eticheta” artistului este chintesența consumului de masă; hamburgerul mereu recognoscibil este un motiv recurent în toate picturile, dacă nu chiar o componentă centrală. În Roots și Roots II , straturile separate ale unui burger înalt apar pe mai multe ștampile de pe picturi. Același logo al burgerului apare și pe site-ul său web și, chiar dacă nu este un nume scris cu litere precum eticheta tradițională de graffiti (care este de obicei o lucrare cu litere complicate, abia lizibilă), funcționează sub aceeași funcție – o formă recognoscibilă care îl identifică pe autor. Burgerul este dezvoltat în continuare în picturile Burger Abstraction 49.1, 49.2 și 49.3 , în care elementele individuale sunt extrase, separate și reduse la forme colorate, în chevron, și delimitate într-o grilă. Artistul duce acest lucru mai departe, izolând un mic element, asemănător unei monede, din burgerul său și transformându-l într-o ștampilă, pe care o folosește în majoritatea celorlalte picturi. În „Scara fluorescentă” , acestea sunt împărțite uniform pe pânză de o grilă roșie de vopsea spray. În „Balance” , un triptih, artistul plasează aceste forme ștanțate mai aproape una de alta pentru a forma un cerc și le înconjoară cu vopsea gesso colorată. În „Crowd Study” , o lucrare mult mai mare, ștampilele sunt emblematice pentru o mulțime de oameni. Aici lucrarea intră pe teritoriul unor artiști similari din generația sa, cum ar fi Lefty Out There, unde repetarea unei forme abstracte și marcate pe o suprafață capătă importanță.
Dacă nu a fost deja dedus din pseudonim, cultura skateboarding-ului influențează opera; Kurb Junki este din ce în ce mai interesat de realizarea de videoclipuri cu skateboarding și de îmbrățișarea comunității care o înconjoară. Artistul este, de asemenea, directorul de creație al revistei Goblin , o gazdă a elementelor creative multiple ale culturii skateboarding-ului. Natura repetitivă a executării trucurilor este o formă de marcare în sine, mă informează artistul, descriind efectele fizice lăsate la ceruirea unei cornișe sau a unei șine sau la lăsarea unor adâncituri și zgârieturi pe un perete teșit. Această influență este evidentă și în lucrările gestuale Tropical Mop și Pink with Prism , probabil cele mai stratificate și colorate dintre lucrările expuse. Artistul descrie locuri dedicate skateboarding-ului, cum ar fi Portobello, care au devenit un loc de joacă estetic pentru localnicii din Dublin și unde mulți dintre pereții zonei sunt, de asemenea, împodobiți cu picturi murale. Legând orașul de lucrările expuse în „Meditative Monitor”, Kurb Junki a lipit o sută de postere prin Dublin cu un cod QR, determinându-i pe cei înclinați să îl scaneze să găsească expoziția online.
S-ar putea argumenta că lucrarea expusă în „Monitorul Meditativ” este o pastișă a artiștilor școlii din New York, precum Keith Haring, care provine dintr-un oraș mult mai deprimat decât Dublin. Dar expoziția este, în cele din urmă, despre actele „meditative” ale picturii – de mânuire a materialelor, gest și suprapunere în moduri mai contemplative decât cele permise în spațiul public. În acest sens, artistul a întors un colț către o practică mai fertilă care este încă în fază incipientă și va duce, fără îndoială, la o muncă mai inervatoare care urmează.
Gwen Burlington este un scriitor cu sediul între Wexford și Londra.
