Critica | Patrick Graham, „Transformarea la față”

Galeria Hugh Lane; 17 martie – 10 iulie 2022

Patrick Graham, The Life and Death of Hopalong Cassidy, 1988, Mixed media on canvas (tetraptic); fotografie de Denis Mortell, prin amabilitatea lui Blaise și Dolores O'Carroll și Hugh Lane Gallery. Patrick Graham, The Life and Death of Hopalong Cassidy, 1988, Mixed media on canvas (tetraptic); fotografie de Denis Mortell, prin amabilitatea lui Blaise și Dolores O'Carroll și Hugh Lane Gallery.

În 2016, când Am fost invitat să organizez expoziția Mayo Collaborative pentru a comemora Riscoala de Paște din 1916 –  în special viața și opera unui medic rebel din Mayo, Kathleen Lynn – am știut imediat un lucru, și anume că, indiferent despre 1916 sau Kathleen Lynn, un lucru trebuia să fie în el: dipticul lui Patrick Graham, Chivotul Visului (1990). Trebuia să fie acolo pentru că părea să rezumă istoria acelui loc de milenii, înainte ca Kathleen Lynn să se nască. Patrick a fost de acord cu generozitate și, cu acel pion la locul lor, am putea continua munca de a comanda altor artiști să răspundă la momente mai specifice de relevanță istorică și contemporană. A cere acestui artist, mai presus de toate celelalte, să reprezinte această istorie este încărcat de ironie, întrucât Paddy Graham a respins mereu cu hotărâre istoria propriei discipline, istoria artei. A trebuit să facă asta pentru a scăpa de cămașa de forță a succesului academic, pe care i-au impus talentele sale precoce și eșecurile imaginației de la Colegiul Național de Artă din anii 1950 și 60. 

Mai degrabă ca Malevich ștergând pânza istorică și acoperind-o cu alb, o invitație adresată artiștilor de a-și imagina un viitor plin de sens, Graham, inspirat inițial de Nolde, și-a rupt pânzele, le-a inversat și le-a răsturnat, și-a scos măruntaiele pe podea, le-au spart suporturile, au adăugat material găsit și au spus în general „un blestem asupra tuturor caselor tale”. Dar a făcut-o în culorile peisajului irlandez, a unui loc real, chiar dacă nespecificat. Chiar dacă întuneca peisajul cu linii, plase, grile sau cuvinte mâzgălite peste el, ceea ce a cântat din toate acestea a fost un fel de istorie dismemorată - ceva la care el însuși s-a referit drept „pășirea în boreens”. Acest lucru este deosebit de rezonant în utilizarea titlurilor și fragmentelor de cântece populare, în liniște anti-eroice, dar de durată. Vorbea pentru tot ce se întâmplase înainte, de la primii locuitori până la foamete și până la evenimentele contemporane, definitorii.

Această importantă expoziție de sondaj de la Hugh Lane Gallery, curatoriată de Michael Dempsey, prezintă toate acestea. Ne poartă prin munca din anii 1970, prin anii depresiei, ai conflictelor interne și externe, când recunoașterea critică era pur și simplu un stimulent pentru a ataca și mai tare împotriva demonilor săi. În cele din urmă, opera lui Patrick Graham are rădăcinile într-o criză existențialistă care este atât personală, cât și universală. Este greu să folosești cuvântul „universal”, deoarece în trecut s-au făcut atâtea afirmații cu privire la universalitatea operelor de artă, când reclamanții au vrut să spună că reflecta valorile instituției. Aici, totuși, motorul din spatele operei de artă este universal. 

Urmând filozofi precum Kierkegaard, Sartre, de Beauvoir și relatarea îngrozitoare a scriitorului Primo Levi despre Auschwitz în Dacă acesta este un bărbat (De Silva, 1947), nu mai este posibil să ne oprim asupra acelor întrebări vechi și încrezătoare despre modul în care omenirea ar putea controla și modela lumea. La fel ca ei, Patrick Graham transformă întrebarea asupra omenirii însăși. Ce înseamnă de fapt existența? Care este natura și rolul individului? Cum ar trebui să facem artă în epoca anxietății și ce înseamnă să fii om? Doar o mână de artiști au înțeles cu adevărat implicațiile acestor anchete, iar Graham este unul dintre ei.

După cum arată clar picturile din această expoziție, nimic în viață nu este static. A trăi înseamnă a fi într-o stare de schimbare; nimic nu se rezolvă, iar cine suntem se schimbă din minut în minut, mereu într-un proces de devenire. Viața și moartea lui Hopalong Cassidy (1988), spulberă odată pentru totdeauna vechile certitudini. Eroul este mort; tabloul își revarsă măruntaiele pe podeaua galeriei. Dar oricât de tulbure sau întunecată este viziunea noastră asupra realității, picturile ca Jumătate Lumină I (2013) reușesc să ofere suficientă lumină seducătoare pentru a ne menține în continuare, astfel încât atunci când ajungem Jumătate de lumină II (2013) suntem aproape pregătiți pentru strălucirea bruscă a galbenului, chiar dacă și acesta poartă texturile unor referințe nerezolvate. „Eșuează din nou, eșuează mai bine”, spun ei; un lucru pozitiv, deoarece pentru Graham, este important să accepte eșecul – să respingă promisiunea atârnată în fața lui ca student. Este nevoie de curaj pentru a înțelege asta, dar el crede că este singura poziție onestă. Pentru unii, această cunoaștere i-ar putea lăsa să se desprindă; nu asa aici. Aceste picturi se luptă să facă față durerii, morții, decăderii frumuseții, greutății istoriei, chiar dacă artistul știe că orice poate face nu va îndeplini ceea ce își dorește. 

Lupta nerezolvată a artistului și experiența spectatorilor sunt atât viscerale, cât și intelectuale. După cum a spus odată Dermot Healy despre această lucrare, „cuvia toracică veghează”. Tensiunea din cutia toracică derivă din nevoia de a găsi soluții de neatins, dar în această expoziție, oferă o recompensă supremă. Graham a spus: „cea mai mare artă din lume este doar lucrurile care pur și simplu eșuează – dar care își dezvăluie umanitatea – umanitatea sa minunată și uluitoare.”1 În acest sens, Graham și Samuel Beckett împărtășesc o viziune asupra lumii și merită. observând că Graham vede scrisul lui Beckett ca fiind optimist în cele din urmă. Este, de asemenea, pe deplin potrivit ca această expoziție să se desfășoare de cealaltă parte a zidului de detritus care alcătuiește atelierul lui Francis Bacon. Biblia susține că din haos, Dumnezeu a făcut lumea. Paddy Graham a făcut imaginea transcendentă, zguduitoare a inimii Cowslips (2016), parte din „Seria Lacken”, nu din marea tradiție a istoriei artei, ci din nevoia umană. Frumusețea și tenacitatea lor fragilă ne oferă o privire asupra vulnerabilității noastre și, prin urmare, asupra umanității noastre. Acest spectacol este esențial și recompensează multe vizionări, mai ales atunci când sentimentele umane și intimitatea sunt amenințate de rețelele sociale, noile tehnologii și stilurile de viață. 

Catherine Marshall este curator și scriitor de artă, fost șef de colecții la IMMA și coeditor al Arta și arhitectura Irlandei, secolul al XX-lea (2014).

note:

1 Catherine Marshall, Conectat/Deconectat/Reconectat – Arta lui Patrick Graham și John Philip Murray, (Uillinn: West Cork Arts Centre, 2010) p. 16.