Profilul expoziției | Marea Neagră, Fum Albastru

De la vârf de Cave Hill, vârful cu vedere la Belfast, este posibil să prindeți o privire asupra coastei de vest a Scoției. Am fost atât de impresionat când am văzut prima dată acest punct de vedere, încât am înțeles imediat motivul schimbului productiv dintre Scoția și Irlanda de Nord. Voiam să ajung cât mai curând pe acea coastă, traversând Canalul de Nord cu feribotul.

Marea din care vin este Mediterana. Această mare m-a adus înapoi în Irlanda de Nord și Derry, datorită proiectului sonor, „Black Med”, al lui Invernomuto – un duo artistic fondat de Simone Bertuzzi și Simone Trabucchi la Milano în 2003. 

„Black Med”, prescurtare de la „Black Mediterranean”, este o expresie inventată în 2012 de Alessandra Di Maio, o savantă în studii postcoloniale, care își ia repercul din carte, Atlanticul Negru (Verso, 1993) de Paul Gilroy. „Black Med” descrie marea ca un loc de hibridizare culturală – la fel de fluid ca sunetul și un container mnemonic al încrucișărilor de secole de bunuri, indivizi, culturi și religii. 

„Black Med” a fost un proiect în derulare încă de la începuturile sale în 2018 pentru Manifesta 12 din Palermo. Proiectul ia forma unor sesiuni de ascultare și un site web în care un algoritm selectează melodii asociate cu texte și imagini dintr-o arhivă în continuă expansiune.

Duo-ul a prezentat o expoziție personală, „BLACK MED SECCO”, la Void Gallery din Derry (9 aprilie – 4 iunie). Un peisaj sonor derivat din site a fost transmis în galerie, în timp ce o proiecție a ocupat una dintre camere. Vizitatorii au fost invitați să asculte așezându-se pe stânci mari de calcar, de parcă s-ar fi cocoțat pe o barieră de dig, privind peisajul marin.

În timp ce referirea la Mediterana mă înrădăcinează în locul meu natal, Belfast (care a fost o a doua casă de ani de zile) mă întâmpină cu o întrebare directă: „Numiți acest loc acasă?” Această propoziție este tipărită pe una dintre cărțile poștale din Sala de procese din Galeria Golden Thread. Face parte din expoziția „How Did We Get To: We Are Here” (19 martie – 30 aprilie), un proiect de colaborare cu Galeria Highlanes din Drogheda, care prezintă o selecție de filme ale artiștilor din British Council Collection și LUX . 

Filmele expuse sunt de Ayo Akingbade, John Akomfrah, Duncan Campbell, Susan Hiller și Rehana Zaman, fiecare explorând tematic reprezentarea comunităților marginalizate. Printre filmele care mi-au plăcut cel mai mult au fost: Susan Hiller's Ultimul film mut (2007), un montaj audio al limbilor dispărute sau pe cale de dispariție; și al lui John Akomfrah Linistea (2014), care reunește filmul, Educația Surzilor (1946) și alte imagini de la British Council Film Collective. 

Ca o continuare a acestei expoziții, Peter Richards a comisariat și „How Did We Get To: Know So Little?” în colaborare cu Docs Ireland, Belfast Photo Festival și Cathedral Quarter Festival, care continuă până pe 9 iulie. Lucrarea centrală este documentarul din 1953, De asemenea, statuile mor, de Chris Marker, Alain Resnais și Ghislain Cloquet, interogând metodologia colonială unilaterală pe care se bazează în mare măsură colecțiile muzeelor ​​occidentale. Lucrări video și un program de proiecție alternează în dialog cu filmul eseu francez.

Relațiile cu peisajul sunt explorate în „Blue Smoke” la Naughton Gallery, cu lucrări de Hannah Casey-Brogan, Faith Couch, Aidan Koch și Poot Mendes (7 aprilie - 29 mai). Curatorul, Ben Crothers, a fost inspirat de cântăreața country Dolly Parton și de relația ei nostalgică cu locul în care s-a născut, regiunea Great Smoky Mountains din estul Tennessee. Fum albastru este titlul unui cântec din 2014 și al albumului conex al lui Parton pe care vizitatorii îl pot reda pe un platou din expoziție, printre alte opt albume afișate. Un portret al cântăreței de Laura Callaghan deschide expoziția, presărat cu texte de perete de vinil cu fragmente de versuri din melodiile lui Parton. 

Oricât de îndepărtată este cultura muzicii country de propria mea sensibilitate, există ceva în expoziție – încorporat în cuvintele cântăreței și printre detaliile operelor de artă – care mă emoționează. Probabil că asta are de-a face cu sentimentul de apartenență, fie că este nostalgia copilăriei sau relația noastră cu peisajul nostru imediat. Aceasta poate fi o apartenență de vis în desenele, colajele și picturile lui Hannah Casey-Brogan sau sentimentul prea realist al unui loc ancestral, cum ar fi pământul indigen Serrano, unde Aidan Koch s-a mutat cu puțin timp înainte de pandemie, doar pentru a deveniți prinși în experiența comună claustrofobă a blocării și a incendiului El Dorado. 

Fotografiile lui Faith Couch sunt senine și gravitează în jurul relației dintre trup, în special corpul negru, cu peisajul, observând adesea corpul însuși ca peisaj. Ei dialogează foarte bine cu colajele lui Poot Mendes în care conceptele de sexualitate și masculinitate sunt analizate în contextul irlandez, amestecate cu elemente iconice americane.

Relația antică dintre Scoția și Irlanda de Nord, schimbul de cunoștințe și memoria ancestrală sunt toate explorate în „Thrum”, expoziția personală a artistei scoțiane Claire Barclay, care ocupă toate cele trei spații ale MAC (15 aprilie - 3 iulie) . Cunoscută pentru instalațiile ei de mediu, în care spațiul expozițional este atât sursa de inspirație, cât și locul de realizare, Barclay expune o serie de sculpturi site-specific din țesătură cu inserții metalice care comunică cu lucrările de imprimare prezentate pe pereți. 

Formele domestice recurente – inclusiv piepteni, oglinzi și boluri – apar pe tot parcursul expoziției ca inserții care evocă o relație strânsă cu corpul nostru. Sunt forme familiare care au existat dintotdeauna și nu și-au schimbat prea mult funcția; recunoașterea lor imediată conotă banalitate în relația cu privitorul, în ciuda măreției unor sculpturi. De exemplu, în Galeria Scufundată, cearșafurile mari de in arată ca și cum tocmai ar fi fost scoase din pământ, în timp ce tăieturile sau crăpăturile din interiorul lor ne determină să navigăm în secretele intimității noastre. 

Această interioritate este prezentă și în Tall Gallery unde unele dintre lucrările de artă, în special cele care folosesc pilote sau țesături umplute cu pene, permit o interacțiune fizică caldă și activă între spațiu și sculpturi. Dimpotrivă, piesa de anvergură din Galeria Superioară amintește de un fel de arheologie industrială prin culoare, dimensiune și formă, motivul pieptenelor metalic fiind monumental.

Inevitabil, revin la întrebarea de pe cartea poștală de la Golden Thread: „Numiți acest loc acasă?” Răspunsul meu este da, când un loc este plin de căldură și respect, îl poți numi acasă. 

Manuela Pacella este scriitoare de artă, lector și curator cu sediul în Roma, Italia.