Profilul expoziției | Consecințele limbajului

Rod Stoneman reflectă la „Mountain Language” la Galway Arts Centre.

Ailbhe Ní Bhriain, Inscripții IV, 2020, fotografii și lucrări sculpturale, vedere instalație; fotografie de Tom Flanagan, cu amabilitatea artistului și a Galway Arts Centre. Ailbhe Ní Bhriain, Inscripții IV, 2020, fotografii și lucrări sculpturale, vedere instalație; fotografie de Tom Flanagan, cu amabilitatea artistului și a Galway Arts Centre.

Dèyè munții gen munți / Dincolo de munți, mai sunt munți...

– proverb creol haitian

Expoziția de grup, „Mountain Language” la Galway Arts Center (4 februarie –  16 aprilie), își ia titlul dintr-o piesă scurtă pe care Harold Pinter a scris-o în 1988, după o călătorie în Turcia cu Arthur Miller. Punctul său de plecare, opresiunea neîncetată a minorității kurde de către statul turc, o serie de scene sfâșietoare urmăresc un grup de prizonieri într-o țară fără nume și explorează controlul limbii ca mecanism de dominare.¹

Din punct de vedere istoric, această concentrare asupra consecințelor limbajului ne amintește de dezbaterile critice din jurul „politicii reprezentării” din anii 1960 și 70, argumente și teorii despre modul în care sistemele de limbaj și imagine ne țin, ne plasează și parțial ne generează identitățile. . Noul director al GAC, Megs Morley, a realizat o expoziție care face o călătorie prin galerie pentru a înțelege modul în care limbajele, vizuale și verbale, au sens social. „Mountain Language” sugerează versiuni ale relației dintre un trecut contestat și posibilitățile prezentului și construirea diferitelor viitoare. 

Contribuția lui Sarah Pierce este cheia expoziției în ansamblu; un ansamblu în jurul problemelor de istorie și putere, construit din materialele aruncate din renovarea GAC ​​și asamblarea exponatelor. Continuă explorarea artistului asupra scenă picturi conectarea la opera lui Alice Milligan și Maud Gonne; temele scrierii lui Milligan în O privire asupra lui Erin (1888) reinventat în tablouri vivants (imagini vii) – hibrizi politizați de teatru și artă picturală, concepute de indomnicul Milligan în timpul renașterii culturale irlandeze. 

La deschiderea expoziției, suficient de potrivit, Hildegarde Naughton (Fine Gael TD pentru Galway West) a pășit ușor prin ansamblu chiar înainte ca reprezentația pusă în scenă să aibă loc a trei femei în ipostaze dramatice și făcând gesturi ambigue. Lucrarea lui Pierce pune sub semnul întrebării delimitările dintre ordine și dezordine și re-imaginează un rol pentru artist în istorie. Ca și în expoziția IMMA din 2015, „Artistul și statul”, ea invocă El Lissitzky și o tradiție a modernismului radical, combinată cu resturile de rame sfărâmate de lemn și hârtie. Există un proiect pentru prezent, care implică memoria cu corpul și gestul și care vizează prezența articulată a femeilor în istoria viitorului. Între timp, un Union Jack mototolit și aruncat se află printre detritus. 

Imaginea uimitoare a unei fețe a lui Ailbhe Ní Bhriain, Fără titlu (adversar) (2020), este alcătuit din portrete suprapuse generate de inteligență artificială, care reflectă procesul de învățare automată pe măsură ce evoluează noi identități – un indiciu tulburător al mijloacelor digitale de a ne reconfigura. Munca ei înconjoară problema  „Alunecarea în reprezentare și modul în care construim sensul – în acest sens, modurile în care, din punct de vedere cultural, sensul este construit pentru noi”.² Expozițiile sale recente folosesc titlul textului din 1565, Inscripții or Titluri ale Teatrului Imens – cel mai vechi manual de instrucțiuni pentru crearea colecțiilor private și a muzeelor ​​– stabilind o bază pentru colectarea obiectelor care întărește ipotezele imperiale occidentale, aici perturbate de expunerea lui Ní Bhriain de obiecte delicate și bine plasate, combinând naturalul, geologic și arheologic. Există o rimă vizuală cu obiectele votive ale Alicei Rekab, expuse ca parte a unei instalații complexe, inclusiv un scurtmetraj, care prezintă suprafețele tactile ale pământului și extragerea și exploatarea materialelor din acesta. 

Cercetarea și teoria nu sunt prea departe; cărțile și pamfletele așezate pe o masă alăturată lângă fereastra galeriei arată deschis către constelația de gândire și discurs care înconjoară expoziția. Ei ar putea aminti una dintre bibliografia textelor teoretice pe care Pier Paolo Pasolini le-a ascuns în creditele de închidere ale celebrului său film, Salò sau 120 de zile ale Sodomei (1975). Este o indicație a conexiunilor dintre lucrările de artă individuale și expoziția în ansamblu cu alte lumi de idei și cuvinte – care pot fi numite „intertextualitatea” lor.

Există o prezență semnificativă a filmului în expoziție. Poate că acest lucru se referă la practica vibrantă a lui Morley ca regizor de film sau o semnalare a unei slăbiri importante a rolurilor demarcate de curator și artist în instituțiile industriei de artă. a lui Duncan Campbell Bunăstarea lui Tomás Ó Hallissy (2016) este un fals documentar care folosește reconstituirea pentru a oferi o critică a reprezentării greșite a culturii care dispare din vestul Irlandei, descrisă ca „o lume care moare încet”. O secvență cu un rechin vulgar invocă filmul documentar fictiv al lui Robert Flaherty din 1934, Omul din Aran, și subminează desfășurarea obișnuită a arhivei ca o „mărturisire a adevărului”. După cum arată clar filmul, „modul în care oamenii se prezintă nu este realitate”. 

Respirația de funingine / Corpus Infinitum (2020), de Denise Ferreira da Silva și Arjuna Neuman, este un film „dedicat tandreței”. Ea face un reproș ambițios la adresa „funinginei negre” a unei lumi vinovate, în care o sensibilitate radicală se luptă să iasă din ascultare, gândire, atingere a pielii și a pământului. Violența unui sistem economic care construiește granițe împotriva migrației, creând în același timp devastări ecologice ireversibile prin minerit și extracție, este pusă sub semnul întrebării prin forme de conexiune, intimitate și empatie. În loc de consternare și depresie, filmul oferă rute către o nouă subiectivitate. După cum a sugerat Annie Fletcher, la lansarea expoziției, poate exista o mișcare generațională în care rolul artistului ca critic, perturbator și atacator al actualității se schimbă într-o adoptare a practicilor transdisciplinare, pentru a depăși cu mult negația și rezistența, înlocuind denunțul cu o căutare de limbi care implică noi forme de iubire, rudenie, conexiune și tandrețe.

„Mountain Language” este o expoziție ambițioasă care cere spectatorului să compare și să asocieze conexiunile și divergențele modurilor de gândire artistice care, în moduri diferite, contestă discursurile dominante. După cum a descris odată romancierul francez Michel Butor: „Acesta este sistemul de semnificații în care suntem ținuți în viața de zi cu zi și în care suntem pierduți”. 

Rod Stoneman a fost editor adjunct la Channel 4 în anii 1980, CEO al Irish Film Board în anii 1990 și profesor emerit la NUIG după înființarea Huston School of Film & Digital Media. A realizat mai multe documentare și a scris o serie de cărți, inclusiv „Seeing is Believing: The Politics of the Visual”.

note: 

¹ În 1996, Limba de munte urma să fie interpretată de actori kurzi ai companiei Yeni Yasam în Haringey din nordul Londrei. Actorii au obținut arme de plastic și uniforme militare pentru repetiție, dar un observator îngrijorat a alertat poliția, ceea ce a dus la o intervenție cu aproximativ 50 de polițiști și un elicopter. Actorii kurzi au fost reținuți și li sa interzis să vorbească în limba kurdă. După scurt timp, polițiștii și-au dat seama că fuseseră informați despre un spectacol de teatru și au permis piesei să continue.

² Mine Kaplangı, „Interviu: Ailbhe Ní Bhriain”, Artfrigider, 14 aprilie 2020, artfridge.de