MARTIN HERBERT ÎN INTERVIU CU RONNIE HUGHES DESPRE EXPOZIȚIA LUI DE TURISM „ATTRACTORI STRANI”.
Martin Herbert: Poate am putea începe cu o întrebare simplă: De ce ați ales titlul „Atrageri ciudați” pentru această expoziție?
Ronnie Hughes: După cum s-ar putea să știe unii, este un termen din Teoria Haosului. De ani de zile am un interes laic pentru știință și ficțiune. Atractorii sunt determinanți într-un sistem dat care îl fac să ia un anumit tip de formă, în timp ce un atractor ciudat este unul care are o dimensiune fractală. Este o relație secvențială sau matematică, parțial, pe care îmi place să o folosesc ca analog pentru ceea ce se întâmplă în tablouri. De ani de zile, haosul a fost ceva ce oamenii nu au înțeles. A fost mistic, incomensurabil și minunat într-un mod înfricoșător. Entropia naturală care se construiește într-un pendul oscilant a fost în mare parte ignorată de fizica newtoniană până când cineva a recunoscut că există un model care merge în spatele lucrurilor. Simțul unui model care se desfășoară de-a lungul existenței este ceva de care am fost întotdeauna fascinat. Este ceva care este central, nu doar pentru artă, ci pentru toate ramurile activității umane: să încerce să dea sens misticului. Dar, de asemenea, există și acest joc de cuvinte implicit, că văd picturile în sine ca atrăgători ciudate, deoarece sunt destul de colorate și interesante din punct de vedere optic, precum și o ciudățenie despre de ce există.
MH: Ceva relativ consistent este că lucrați cu geometria, dar este o geometrie foarte umanizată: grilele dvs. sunt dezactivate și lucrurile care arată foarte regulat pentru început au această calitate umanizată. Este acesta un impuls autobiografic?
RH: Poate fi. Am avut o viață timpurie foarte specială în ceea ce privește locul în care am crescut. Nu există nicio îndoială că, pentru oricine este creativ, există întotdeauna forțe care încearcă să se exprime. Simt că, deși realizez tablouri abstracte, ele sunt cu siguranță expresive. Când creez o pictură pe care o simt momentan că are succes, este de obicei pentru că există un moment de tensiune în ea. Sunt mereu conștient de apariția unui sistem care se destramă sau de un sentiment de entropie sau violență suspendat, iar aceasta este o notă recurentă în munca mea.
MH: De ce cercuri, de exemplu?
RH: Există o serie de lucruri de tip motiv care se întâmplă în lucrarea mea, cum ar fi liniile geometrice, grilele, triunghiurile, cercurile, sferele și ocazional elipse. Pentru a crea o agenție în mintea oamenilor, trebuie să creați o situație figurativă. Obișnuiam să fac aceste forme de pastilă sau ovoid, care cred că provin din peisajul vestic al Irlandei. Văd cercurile ca forme primare care sunt foarte neriferențiale, dar încep ca un fel de punct de impuls. Atunci când pictezi o anumită culoare, este acolo ca un fel de energie. Culoarea este un aspect foarte important al muncii mele, iar culoarea este întotdeauna foarte relațională; nu există de la sine. Anumite nuanțe devin note cu care nu poți face față. Trebuie să faci lucrurile mai subtile sau mai nuanțate, să le schimbi lateral sau să le faci să prindă viață într-un fel.
MH: Lucrările tale au senzația unor diagrame care nu explică nimic și care se dezlănțuie în timp ce arăți. Există destul de multe îndoieli în aceste lucrări. Este personal sau universal?
RH: M-am născut în 1965 și a existat acest sens, în cărțile pe care le citeam în copilărie, ale unei utopii futuriste. Obișnuiam să fantezez despre Disneyland, unde puteai găsi trenuri cu feroviare, roboți automatizați și așa mai departe. Am fost, de asemenea, un avid Star Trek ventilator. Îmi fac plăcere diagramele și desenele grafice din anii 1960, care se manifestă în lucrare, dar sunt contrabalansate. De multe ori creez structuri și așteptări, dar apoi le subminez. Pictez ceva care arată ca o rețea, apoi îți dai seama că nu este deloc o rețea - a fost lovită lateral într-un fel. Cred că pictura, în comparație cu multe alte forme de artă, este foarte lentă, în ceea ce privește modul în care este realizată, dar și în ceea ce privește receptarea sa. În mod ideal, ați dori să vă aflați în fața unei picturi din când în când și să o lăsați să se desfășoare în moduri diferite. Acesta este modul în care fac tablouri, sperând că se vor desfășura în acest fel, dar acceptând că oamenii nu au întotdeauna șansa să le experimenteze așa.
MH: Cum începeți o nouă pictură?
RH: Când eram mai tânăr, aș începe cu o idee sau o intenție, dar asta nu se mai întâmplă prea mult. Este destul de întâmplător în anumite privințe. De obicei lucrez cu lemn acum și pot exista mici probleme pe lemn, așa că îmi este suficient să văd dacă există un model între crestături. Le voi marca și va trasa linii între ele sau le voi separa și așa începe. În picturile mele, ar putea exista tot felul de straturi care se întâmplă sub suprafața finită. Lucrez într-un anumit mod, ceea ce înseamnă că pot turna vopsea pe suprafețe, astfel încât să pot suprima complet lucrurile. Pescuiesc mereu în jur, aștept să găsesc ceva. Dacă nu funcționează, îl puteți întoarce uneori în altă direcție și puteți găsi interes în altă parte.
MH: Aveți un proces consistent?
Problema procesului este că nu poți decide să faci o pictură specifică, pentru că nici nu ți-o poți imagina în acea etapă - nu a existat anterior în niciun fel, nici măcar ca idee. Am un perete de pictură în studioul meu și lucrez la mai multe picturi simultan. Ceea ce arată ca o grămadă aleatorie de culori, o să mă îngrijorez adesea de luni de zile, încercând să obțin anumite nuanțe care apar într-o succesiune echilibrată. Pictura se referă foarte mult la material. Principalul lucru special pentru mine despre pictură este experiența haptică și calitatea tactilă a cuiva care face ceva. Simt foarte mult că o pictură este un obiect realizat manual. Este foarte diferit de a vedea o reproducere a unei imagini pe un ecran. Mă interesează jocul când pictez. Nu există cu adevărat recompense extraordinare din a fi artist de multe ori, dar una dintre cele mai mari recompense este atunci când poți fi implicat în propria ta muncă - acesta este un aspect fantastic și important: să petreci timpul făcând ceea ce îți place.
MH: Întrebarea clasică: de unde știi când se termină o pictură?
RH: Foarte puține tablouri sunt în siguranță pentru totdeauna. Dacă se întorc la studio, pot fi adesea schimbate. În aceste zile, de obicei, nu mai lucrez la o pictură timp de șase luni înainte de a o lăsa din studio. Dacă sunt în studio și simt că fac ceva obișnuit, atunci voi încerca să-l bat lateral, să-l stric sau să adaug ceva, pentru a încerca să-mi dau un set diferit de obstacole cu care să lucrez. Problema este că, după o anumită perioadă de timp, nu poți decât să ajungi să ajungi să faci lucruri care seamănă cu munca ta, oricât ai încerca să o eviți! Dar acesta este un paradox cu care trebuie să se confrunte majoritatea artiștilor.
MH: Locuiți în Sligo rural, totuși culorile din picturile dvs. recente sunt foarte sintetice și aproape deliberat artificiale. Când și cum a intrat acest element în munca ta?
RH: Când m-am mutat mai întâi la Sligo, toate aceste forme, forme și culori din peisaj au intrat în lucrarea mea. Nu prea l-am recunoscut la acea vreme, dar îl văd foarte clar acum. În ultimii opt ani, lucrarea devine din ce în ce mai artificială în ceea ce privește culorile și relațiile de culoare. Când am făcut trecerea de la lucrul cu vopsele cu ulei la utilizarea acrilicelor, atenția mea principală pentru o vreme a fost să le fac să pară că ar fi picturi în ulei, ceea ce mi-am dat seama că într-o zi a fost destul de ridicol. Mă interesează această idee de plasticitate și utilizarea unui mediu plastic, așa că la un moment dat am decis să fiu un pic mai curajos în ceea ce privește culoarea pe care aș folosi-o.
MH: Sunteți interesat să recunoașteți paradigme cunoscute în pictura abstractă?
RH: Uneori faci lucruri și ele arată ca lucrarea altora. Acest lucru este adesea problematic în cadrul picturii abstracte. Uneori arunci lucrurile și apoi le subversezi, iar alteori le faci complet subconștient. Ocazional, vezi că munca altor persoane țipă la tine; este o întrebare dacă puteți face față acestui lucru și trebuie doar să faceți alegerea în mod individual.
MH: Am dreptate spunând că cele mai recente lucrări din spectacol sunt toate desene?
RH: De obicei, nu pot lucra la două lucruri simultan. Dacă pictez, pictez. Lucrez destul de intens de mult timp, așa că am luat o pauză și am decis să fac niște desene. Desenul este interesant pentru că generați lucrurile într-un mod diferit. Desenele din acest spectacol sunt la scară mică și au fost realizate destul de repede. Este posibil ca unele dintre desene să fi durat până la o săptămână pentru a fi realizate, ceea ce nu este nimic în comparație cu cei cinci ani pe care îi poate dura pentru a aduce la îndeplinire anumite picturi. Pentru mine, desenul și pictura sunt separate, dar desenul este implicit în pictură oricum. Este foarte greu să scapi de ideea de desen.
Martin Herbert este un scriitor și critic care locuiește la Berlin. Este editor asociat al ArtReview și colaborator regulat la Artforum, Frieze și Art Monthly. Ronnie Hughes este un artist irlandez de renume internațional, care locuiește în județul Sligo, unde este lector de artă plastică la Institutul de tehnologie Sligo.
notițe
Acest interviu este o versiune editată a unei conversații publice care a avut loc între Ronnie Hughes și Martin Herbert la 15 aprilie 2017 la The Model, Sligo. „Strange Attractors” este organizat și turneat de The Model în parteneriat cu Limerick City Gallery of Art și Royal Hibernian Academy, Dublin. Proiectul a fost susținut prin programul de turism și diseminare a muncii al Consiliului Artelor. Expoziția a fost prezentată anterior la The Model (16 aprilie - 22 iunie) și Limerick City Gallery of Art (29 iunie - 27 august) și va fi prezentată la RHA, Dublin, în perioada 7 septembrie - 22 octombrie 2017.
Imagini folosite: Ronnie Hughes, badass, 2016, copolimer acrilic pe pânză, 119 x 112 cm. Ronnie Hughes, vedere de instalare „Strange Attractors”, The Model, Sligo (de la stânga la dreapta): Spațiul dintre, Detona, Propus I-III.
