Jonathan Mayhew, Wexford Arts Centre, 27 februarie – 25 martie 2017
[Infinite Jest] nu poate fi citit într-o cafenea aglomerată sau cu un copil în poală.
Dave Eggers
CÂȘTIGĂTOR al Premiului pentru Artist Vizual Emergent din 2015, Jonathan Mayhew este unul dintre acei artiști ale căror lucrări necesită un spațiu în care să poți auzi căderea unui ac. Centrul de Artă Wexford (WAC) nu este acel spațiu. Poate că expoziția de lucrări noi a lui Mayhew ar fi avut un avantaj în ceea ce privește atenția în timpul recesiunii, când astfel de centre de artă regionale erau saloane goale în fantome din Westworlds. În timpul vizitei mele, fluxul nesfârșit de vizitatori la cafenea și zgomotul pedalelor de pian cu copiii care gălăgieau la etaj au fost un semn al vremurilor. Dar există un mare DAR în toate acestea, la care voi reveni mai târziu.
Vazele din ceramică legate pe podea cu etichete de argint îmi atrag atenția din cauza rarefiei generale a expoziției. De aproape, aceste etichete argintii devin stick-uri USB atașate de buzele interioare ale vazelor. Există o lucrare video pe un televizor cu ecran plat care prezintă constelații de text alb care clipește și se rotește pe un fundal negru. O roată de text scrie ceva de genul „tăcerea este singura comunicare”. Sora mai mare a acestei lucrări este proiectată în galeria de la etaj și distribuie sentimentul peste declarație, poezia peste autoritate.
Mai departe, există hârtie care a fost expusă la lumina lunii într-un caz și la lumina soarelui în celălalt. Cu subiectul timpului atât de răspândit pe tot parcursul, Mayhew a afișat pervers un ceas fără mâini sau cifre deasupra corpului titan al biroului de recepție: majoritatea le vor lipsi această gaură neagră temporală. Dar aici lipsesc multe: o partitură muzicală de Gustav Mahler este redată pe un difuzor în picioare când galeria este închisă; lecturile se fac acolo și peste tot dar niciodată aici; și nu există flori pentru vaze, ceea ce le transformă în tigăi de pat, nu?
Părți de fețe lipsesc și în portretele fotografice îndoite ale autorilor distopici de la mijlocul secolului al XX-lea, de la George Orwell la Aldous Huxley. Integritatea acestor fotografii, aceste referințe, este respectată datorită plierii minime a lui Mayhew pentru un efect maxim, care lasă pe Orwell fără gura și pe Huxley fără ochi.
Pe un alt perete avem texte de vinil cu întrebări preluate din piesa lui T.S. Eliot, Choruses from The Rock (1934). Extrasele pun întrebarea dacă viața, înțelepciunea, cunoașterea și informația se pierd unele în favoarea altora în goana modernității târzii. Mayhew a adăugat una sau două afirmații despre date și metadate, care sunt adaptări ale corurilor lui Eliot pentru vremurile noastre. Nu există un impas ironic de „obținut” sau o nouă perspectivă de dus acasă; artistul doar întreabă inocent.
Deci, ce înseamnă totul? Mayhew vrea ca noi să ne hotărâm. Dar întotdeauna cred că acea poziție este o escrocherie. Pentru mine, artistul oferă o mulțime de referințe care ping-pong între pierderea existențială și iubirea răscumpărătoare: filozoful Emile Cioran și scriitorul David Foster Wallace sunt cu siguranță aici în spirit.
Din acest spirit definitoriu se desprinde sentimentul că Mayhew se inspiră din cinismul care încă curge prin venele oamenilor care au crescut urmărind Seinfeld . Cu toate acestea, există eforturi din partea artistului de a îmbrățișa și proiecta ceva sincer, deși Mayhew nu oferă un final fericit și nicidecum vreun final.
Félix González-Torres a reușit să căsătorească anestezicul readymade al lui Duchamp cu sentimentul într-un moment în care acesta nu era un act atât de evident. Totuși, artistul nu a fost motivat sau condiționat de tehnologie; dragostea și moartea au fost atât muza, cât și povara lui într-un moment în care cei doi s-au încurcat tragic în epidemia de SIDA din anii 1980. Lucrarea lui Mayhew este, de asemenea, paralelă cu conceptualiștii romantici actuali precum artistul libanez Charbel-joseph H. Boutros; cu toate acestea, acolo unde opera lui Boutros este bântuită de umbra patriei sale sfâșiate de război, Mayhew nu poartă – sau cel puțin nu face reclamă – o asemenea povară.
Am ajuns să întreb care a fost motivația lui Mayhew. De asemenea, m-am pus la îndoială care sunt diferențele dintre artiștii care se inspiră dintr-o fântână personală profundă (cum ar fi premiatul Dragana Jurisic în 2014, a cărui lucrare explorează conceptul de exil) și cei care răsfrâng suprafața prin jocuri de cuvinte și design, a la Liam Gillick.
Datorită bogăției referințelor literare, tehnologice și istorice ale artei ale lui Mayhew, uneori am fost târât în jos în detrimentul conectării cu artistul Mayhew (poate că acele stick-uri USB conțin ADN-ul digital al lui Mayhew?). Există un sentiment de turism disociativ în munca sa, care nu are o legătură mai profundă cu un subiect, conexiuni care fac artiști precum Miroslaw Balka atât de convingătoare. Nu există nicio ancoră aici; contextul este mai degrabă totul decât ceva.
Dar asta este ideea. Mayhew nu preia proprietatea asupra unui context specific pentru a-l defini pe el și arta lui ca pe toți ceilalți; totul este contextul lui. Cu viața înăuntru și ieșind, WAC este spațiul perfect pentru a experimenta Mayhew reflectând acest „totul”, mai degrabă decât doar el însuși sau un subiect revendicat sau traumă moștenită. Un artist al timpului nostru.
James Merrigan este un artist din Waterford.
Imagini: Jonathan Mayhew, vedere de instalare „I Wanted to Write a Poem”, 2017.
