PÁDRAIG SPILLANE INTERVISTĂ TREI ARTISTI VIZUALI CARE LUCRĂ ÎN FOTOGRAFIE.
Pádraig Spillane: Fiecare dintre voi menține ceea ce ar putea fi descris ca o practică „hibridă”, angajându-se atât cu tehnici fotografice analogice, cât și digitale, împingând în același timp parametrii de realizare și afișare a imaginilor. Poate ai putea introduce unele dintre metodele tale de lucru?
Roseanne Lynch: Locuiesc temporar în Leipzig și lucrez cu Fundația Bauhaus, Dessau. Inițial această nouă lucrare a fost un răspuns la clădirea școlii Bauhaus (proiectată de Walter Gropius și construită în 1926), precum și la Arhiva de cercetare a clădirilor și a materialelor. Cu toate acestea, lucrările au progresat. Acum, îmi aduc practica la principiile cursului preliminar al școlii Bauhaus, care a subliniat începerea din nou și experimentarea cu materiale. Pentru aceasta, mediul meu principal este fotograma. Așez obiecte pe hârtie sensibilă la lumină în camera întunecată, strălucind lumină asupra lor pentru a crea urme, mai degrabă decât fotografii ale obiectelor. Subiectele mele sunt formele și materialele geometrice asociate arhitecturii Bauhaus și mediul fotografic. Caut să înțeleg gramatica materialelor.
Darn Thorn: Pentru mine, ideea de practică hibridă înseamnă utilizarea anumitor medii, ca mijloc de a emite o provocare sau de a obține un răspuns în spectator. Opera mea se implică adesea în subiect istoric: idei de utopie și impactul traumei culturale. Prin combinarea proceselor tradiționale și contemporane în practica mea, se creează ambiguitate, în care imaginea nu este nici „veche”, nici „nouă”, ci ceva mai puțin clasificabil - poate chiar ceva mutant. De asemenea, din acest motiv, alegerea mediilor pe care le folosesc se schimbă cu fiecare proiect.
Róisín White: Îmi descriu practica în principal pe bază de lentile, folosind fotografii de arhivă și găsite, combinate cu colaj și tehnici sculpturale. Fotografia este punctul de plecare - fie că sunt imagini pe care le-am creat sau imagini pe care le-am găsit în reviste, licitații online sau în situații de viață. Fiecare circumstanță de găsire scânteie ceva diferit în lucrare. Nu sunt niciodată mulțumit când este „doar o fotografie”. Folosesc colajul pentru a schimba și intensifica imaginea. Reproduc imagini pe diferite hârtii și materiale, pentru a vedea cum răspund la aceste suprafețe. Caut suporturi care să ofere un avantaj interesant, odată rupt. Îmi place să imprim multiple, să le rup, să le mut și să le repar. Această implicare intimă și tactilă cu materialitatea imaginilor este vitală pentru procesul meu de lucru. Încerc să-mi extind practica în sculptură, prin încorporarea fotografiei cu obiecte 3D, fără ca aceasta să fie doar o imagine pe un obiect.
PS: Practica fotografică extinsă evidențiază modul în care acționează imaginile - modul în care sunt create și consumate; modul în care pot fi modificate de rețelele de diseminare, stocare și acces; abordând în același timp structurile de putere care se intersectează prin intermediul imaginilor. Prin asumarea unui rol bazat pe performanță, imaginile pot transcende categoriile sau le pot face permeabile. Cum abordați realizarea de imagini în aceste limite poroase?
RL: Practica mea conectează diferite teritorii ale mediului. Deși lucrez în principal în camera obscură, nu sunt puritanic în ceea ce privește fotografia analogică. Îmi scanez negativele și fotogramele pentru a face imprimări digitale mai mari decât permite corpul meu fizic. Folosesc orice strategii are nevoie munca. Interesul meu este să las întrebările nerezolvate, permițând în același timp schimbul activ între muncă și spectator. Din acest motiv, am imprimat pe aluminiu și am folosit suprafețe reflectorizante în instalații, care fac referire la privirea privitorului și atrag atenția asupra structurii imaginii în moduri neașteptate. Imprimarea fotografică ca obiect sculptural este o altă expansiune cu care lucrez. În camera obscură, aplic faldul standard al unui plan arhitectural pe o foaie de hârtie foto. Desfășur hârtia și o aprind cu o torță. Ceea ce este produs este o reprezentare a sa. Este o dovadă a situației proprii, nimic altceva.
DT: Cred că tocmai această capacitate - această altă viață pe care practica extinsă o creează pentru imagine - este cea care mă interesează. O structură de putere care poate limita misiunea imaginii este clasificarea instituțională a fotografiei și ceea ce constituie practica extinsă. De exemplu, există instituții și publicații excelente aici, în Irlanda, care se concentrează asupra fotografiei, dar nu au cu adevărat posibilități pentru imagini în mișcare sau conținut de instalare. Practica extinsă poate evita parametrii seriei fotografice convenționale. Nu funcționează întotdeauna în formatul photobook și, în multe cazuri, trebuie întâlnit ca instalare.
RW: Profit de aceste limite permeabile. Cu toate acestea, încă mă tem de această întrebare: „deci ce fel de fotografie faci?” Practica mea este atât de variată, încât poate fi greu de explicat ca un „lift pitch”. Rareori este o singură lucrare de imagine. Când lucrez la proiecte, un pilon central al cercetării va informa producția tuturor lucrărilor de artă. S-ar putea să lucrez la sculpturi câteva săptămâni, apoi să mă întorc la imagini și să văd cum pot poleniza încrucișat. Această abordare bazată pe procese de realizare a imaginilor este eliberatoare și productivă. În timp ce majoritatea lucrărilor din studio nu văd niciodată lumina galeriei sau chiar a site-ului meu web, îmi face plăcere să pot împărtăși instantanee ale procesului meu pe Instagram. Acest lucru mi-a permis să testez piese și să împărtășesc fotografii din culise cu oameni din întreaga lume. În egală măsură, am informații despre munca lor. Deși multe lucruri pe care le împărtășesc ajung să fie expuse, există versiuni ale lucrărilor care supraviețuiesc doar pe Instagram. Folosesc platforma ca un blocnotes public care este deschis criticilor. Mi se pare un mod util de a-mi ține colegii la curent cu practica mea.
PS: Imaginile (și relațiile noastre cu acestea) sunt încurcate într-o serie complexă de influențe concurente și care afectează. Puteți discuta despre modul în care munca dvs. se conturează și se manifestă?
RL: Lucrările mele oferă spectatorilor informații despre curiositatea mea cu privire la procesele fotografice. Interesul meu pentru fotograme este că acestea se referă doar la suprafață, obiect și material. O nouă abordare a lucrării mele cu fotograma este desenarea unor forme geometrice cu grafit pe suprafața hârtiei fotografice semimate expuse și prelucrate. Aplic apoi o pensulă umedă, schimbând din nou suprafața grafitului și a imprimării. Reflectă lumina diferit, în funcție de unghiul de vedere. La fel ca lucrările mele anterioare tipărite direct pe aluminiu, ceea ce vede un vizualizator depinde de locul în care sunt poziționate în raport cu lucrarea.
DT: În teatru, un regizor poate lua decizia de a folosi o scenă convențională, în care acțiunea se întâmplă în spatele unui arc de prosceniu care funcționează ca un cadru pentru dramă. În această situație, publicul este un observator pasiv. În fotografie, paralela este cartea foto sau imaginea încadrată. Ca format de afișare, ambele pot funcționa bine, mai ales pentru că se conformează ideii noastre despre ceea ce este o fotografie. Totuși, ce se întâmplă dacă lucrarea ne cere să activăm publicul, propunându-i să aibă o interacțiune fizică diferită? Ce se întâmplă dacă luăm în considerare imaginea fotografică în spațiul tridimensional? Cred că acest lucru m-a influențat să folosesc suporturi neconvenționale - tapet, bannere din vinil fabricate comercial, gravură 3D pe sticlă și așa mai departe - ca un mod de a ne pune la îndoială ipotezele despre ceea ce poate fi o imagine fotografică.
RW: Am lucrat recent cu ideea cum poate fi construită o imagine. Proiectez și construiesc sculpturi, cu intenția de a le fotografia, astfel încât fotografiile să acționeze ca subiecte sau decoruri. Sunt interesat de modul în care acest lucru poate crea imagini suprarealiste și ciudate. În timp ce privitorul poate vedea doar o „fotografie”, ceea ce are loc cu realizarea imaginii este mult mai mult. Poate că munca fizică necesară în crearea unei imagini este plină de satisfacții; sau știind că o fotografie constă în mai mult decât pare.
PS: Fotografiile fac parte din schimburile și interacțiunile noastre de zi cu zi, produse frecvent și în mod obișnuit pe dispozitive care fac aproape parte din noi. Cum vedeți că practica dvs. funcționează în mijlocul acestei abundențe de a crea imagini democratice?
RL: Fotografia este în mare parte înțeleasă ca un mediu pentru documentarea lumii externe. Cu toate acestea, folosesc mediul autoreflexiv pentru a exprima sentimente abstracte interne care vin prin realizarea unor strategii - fragilitate, incertitudine și alte rezonanțe emoționale. Practica mea investighează discursul istoric, urmărind impactul fotografiei asupra interpretării noastre a imaginilor și a experiențelor noastre trăite. Folosesc procesul de realizare a fotogramelor pentru a dezasambla procesul fotografic în părțile sale componente: lumină, timp, suprafață sensibilă la lumină și obiect. Mă întreb cum percepem ceea ce recunoaștem, atunci când privim suprafețele fotografice.
DT: Prin folosirea pseudonimului, Darn Thorn, ideea de autor în lucrarea mea este pusă automat în discuție. Este o glumă, făcută pe cheltuiala mea, despre noțiunea de „artist ca geniu singular”. Tehnologia a ușurat producția de imagini de înaltă rezoluție; ceea ce anterior era posibil doar cu echipamente de specialitate și formare profesională este acum, cel puțin teoretic, accesibil pentru mulți. În momentul nostru actual, mass-media de știri preferă filmările amatorilor decât eseul foto. În acest context, mă întreb ce poate spune o serie convențională de fotografii? Cartile foto autoeditate sunt un fenomen democratizator; dar există tendința ca festivalurile și publicațiile foto asociate să se aplece spre o abordare editorială. Adesea promovează un tip de fotografie care împărtășește continuitatea narațiunii pe care o vedem în fotoreportaj. Răspund acestor considerații jucăuș, făcând lucrări care supraviețuiesc doar unei singure instalații sau care sunt prea incomode pentru a fi ușor de vândut. Vreau ca publicul să pună la îndoială ce se întâmplă. În acest sens, există un element performativ în practica mea. Realizând imagini la scară largă cu arhitectură monumentală sau peisaje, propun ceva ușor absurd privitorului. Aceste lucrări au un sentiment de dramă și semnificație, dar sunt în mod deliberat greu de decodat. Invocă idei de sublim, parțial invocate ironic: Cum poate ceva atât de mare și aparent semnificativ să fie atât de greu de citit?
RW: Practica mea se bazează pe materialele tipărite pre-internet, dintr-un moment în care imaginile trebuiau să fie un obiect care să existe. Folosesc abundența de imagini tipărite care există dintr-un trecut când ne tipăream fotografiile pentru a le împărtăși - sau când cumpăram reviste, ziare și enciclopedii ilustrate, pentru a vedea alte locuri și lucruri din întreaga lume. Ceea ce mă atrage spre imagini găsite este atracția diferitelor estetici, precum și atracția unui timp în care nu eram prezent - aceste imagini devenind un depozit de semnificații. Odată cu apariția telefoanelor cu cameră, acum producem colectiv mai multe imagini pe zi decât obișnuiam într-un an. Aceste imagini digitale sunt atât de fragile. Ele există pe dispozitive care nu sunt construite pentru a dura mai mult de cinci ani. Mă întreb cum vom găsi imagini peste douăzeci sau cincizeci de ani?
În prezent, Roseanne Lynch își are sediul la Leipzig și lucrează la un spectacol de grup la Ballarat International Foto Biennale, Australia și la un spectacol individual la Centre Culturel Irlandais, Paris.
Darn Thorn lucrează cu fotografie și instalare. Expozițiile recente includ EVA International 2018 și „2116” la Glucksman Gallery (Cork) și Broad Art Museum (SUA). Predă la CIT Crawford College of Art and Design.
Róisín White este un artist vizual cu sediul în Dublin. Lucrează în mass-media bazată pe lentile și a găsit materiale, cu expoziții recente la Muzeul de fotografie contemporană din Irlanda și Muzeul finlandez de fotografie.
Pádraig Spillane este artist, curator și educator, predând la CIT Crawford College of Art and Design. Lucrează cu fotografii, însușiri și ansambluri bazate pe obiecte, cu lucrări prezentate într-o expoziție de grup viitoare la The Complex, Dublin.
Imagine recomandată: Darn Thorn, Actualizarea, 2018, încă din film de 16 mm, alb-negru; prin amabilitatea artistului.
