CU MUNCĂ NOI ÎN COMISIONARE PENTRU EVA INTERNATIONAL 2018 PE ORIZONT, MATT PACKER SE AȘEDĂ CU JOHN RAINEY PENTRU A DISCUTA TRAIECTORIA PRACTICII SCULPTURALE.
Matt Packer: Puteți descrie modul în care experiența dumneavoastră în domeniul ceramicii continuă să vă informeze munca?
John Rainey: Producția și imitația sunt aspecte ale disciplinei ceramice care continuă să fie deosebit de importante în munca mea. Cu toate acestea, curiozitatea mea cu privire la modul în care sunt făcute lucrurile și constrângerea mea de a produce lucruri fizic, precede pregătirea mea în ceramică. Pentru mine, procesele și abilitățile se simt foarte favorabile. Am nevoie să examinez și să îmbunătățesc în mod constant această capacitate tehnică, care este ceea ce mă face să avansez. Interesul meu pentru materiale a fost întotdeauna larg, dar văd experiența mea în ceramică ca un bun punct de ancorare de la care mă pot abate și la care mă pot întoarce. În mod similar cu modul în care oamenii descriu procesul de învățare a limbilor străine, cred că înțelegerea mea a acestui material îmi permite să adopt cu ușurință materiale noi.
Este foarte greu să desprinzi ceramica de greutatea istoriei sale sociale, culturale și industriale. Această bogăție de context are ca rezultat un limbaj material cu care oamenii sunt în general foarte familiarizați. Îmi place să folosesc potențialul iluzoriu al ceramicii pentru a destabiliza această familiaritate. A face ca lucrarea să pară ca și cum ar fi un alt material, eventual marmură, creează un sentiment de confuzie materială și de incertitudine pe care îl găsesc util. Munca mea cu imprimarea 3D – fie în crearea rezultatelor finale, fie ca parte a procesului meu de ceramică – a adăugat la acest joc cu asocierile materiale și așteptările.
MP: Da, experiența muncii tale este adesea una de nedeterminare. Adesea este dificil de spus dacă ne uităm la un material artificial sau unul care are o bază naturală; o suprafață care a fost realizată manual sau redată digital. Este o chestiune de fizicitate care pare să se extindă de la procesul tău de producție până la întâlnirea cu privitorul. Cât de multă atenție acordați telespectatorilor?
JR: Efectul asupra telespectatorilor este ceva cu care încă mă împac. Cu cât primesc mai multe răspunsuri și cu cât încerc să le raționalizez, cu atât devine mai informată considerația mea asupra efectului. Există o tendință ca munca să provoace un sentiment de tulburare, care, atunci când este dus la extrem, poate fi trăit de unii ca dezgust. Cred că acest lucru provine din interesele mele mai largi în subversia tradiției, abjecției și neobișnuitului („unheimlich” al lui Freud – experiența ciudățeniei în familiar). Cu toate acestea, pentru mine, este important ca reacțiile spectatorilor să tindă mai mult spre neliniște.
Indeterminarea pe care o menționezi este intenționată, poate ca un fel de funcție de condiționare care dă tonul întâlnirilor spectatorilor cu opera de artă. Experiența culturii și comunicării digitale este ceva care mă influențează. Aceste teritorii sunt încă relativ neexplorate și pline de zone gri, dezambiguizare și denaturare. Vreau ca acest sentiment să comunice prin sculpturile mele, așa că împachetez forma și conținutul lucrării cu teme conflictuale – frumusețe și urâțenie, atracție și repulsie, tradiție și progresie. În timp ce tratamentul meu asupra materialelor urmărește să pună la îndoială credințele stabilite despre lumea materială, există și o calitate a formelor în sine care, deși sunt oarecum referențiale, încearcă să reziste clasificării.
MP: În practica dumneavoastră sculpturală, există busturi portret compuse cu mâini mici; există ceea ce pare a fi păr uman care vine din ochi. Caracterul corpului din opera ta pare foarte fluid, nu doar în sens tehnologic, ci și în sens figurat, ceea ce adaugă la neliniște. Cum consideri relația ta cu ideile despre corpul reprezentat și tradițiile istorice ale artei sculpturii figurative?
JR: Mă concentrez adesea pe părți ale corpului care nu sunt considerate „nucleul”. Aceste părți non-nucleu – cum ar fi părul, ochii și mâinile – sunt unele dintre cele mai expresive și au legături evidente cu identitatea și identificarea. Mâinile apar în mod regulat în munca mea, deoarece tind să fie principalul nostru punct de contact atunci când ne conectăm cu mașinile. Mă interesează și ca părți ale corpului descrise în sculpturile istorice care adesea nu supraviețuiesc trecerii timpului. Părul, în tradiția sculpturală istorică a artei, era de obicei scurt, învăluit sau legat. Întotdeauna am presupus că acest lucru se datorează faptului că părul mai lung ar fi predispus la deteriorare, dar, în general, coafurile pot indica cu adevărat un context de timp și societăți.
Utilizarea părului real și a ochilor de sticlă în munca mea o îndepărtează de omogenizarea corpului într-un singur material, indicativ al tradițiilor istorice ale artei. a lui Edgar Degas Mica dansatoare in varsta de paisprezece ani (1881) este o sculptură importantă pentru mine. În primele sale prezentări, Degas s-a abătut prea mult de la gusturile materiale contemporane (folosind ceară, păr real și țesătură), iar opera de artă nu a fost bine primită. Aceste materiale sunt adesea asociate mai mult cu lucrarea de ceară, diorama, animatronica și arta populară. Pentru mine, asta adâncește tensiunea dintre realitate și artificiu, într-un mod care de atunci a fost folosit de sculptori precum Hans Bellmer, precum și de Ed și Nancy Kienholz pentru a exprima anxietățile sociale.
MP: Lucrările tale sunt expuse în prezent în expoziția de grup, „Dissolving Histories”, la Golden Thread, Belfast (30 noiembrie 2017 – 20 ianuarie 2018) și vei produce, de asemenea, lucrări noi pentru EVA 2018. Poate ai putea discuta despre planurile tale pentru această nouă lucrare?
JR: Cred că cea mai evidentă dezvoltare în ambele prezentări este schimbarea de scară și ambiție, în ceea ce privește producția. Pentru „Dissolving Histories”, am creat o nouă lucrare numită variante, care prezintă o serie de variații sculpturale ale unei forme statuare comune, ridicate deasupra nivelului ochilor pe o structură mare din lemn. Structura are o scară centrală care duce la o platformă de vizionare, unde privitorul este înconjurat de seria de sculpturi și poate examina variația dintre forme într-o proximitate mai intimă. Lucrarea provoacă scopul repetiției, care este esențial pentru procesele de turnare cu slip folosit adesea în munca mea, creând o serie fără secvență sau ierarhii formale care prețuiește singularitatea și abaterea de la o constantă. Gândindu-mă la experiența spectatorului cu un grup de sculpturi, într-un fel simt că am fost influențat de seria de bronz în nouă părți a Barbara Hepworth, Familia Omului (1970). Totuși, acolo unde interesul lui Hepworth era în relația dintre om și natură, variante se concentrează pe relația dintre om și producție.
Pentru EVA 2018 produc o intervenție pe o fațadă arhitecturală. Proiectul se referă la tradiția peisagistică din secolul al XVIII-lea de a imita ruinele grecești și romane în moșii bogate și grădini de țară. În această tradiție, simbolismul ruinei unei ordini mondiale căzute a fost văzut în cadrul privilegiului aristocratic din secolul al XVIII-lea. Ruina a devenit o nebunie și un indicator al gustului, al rafinamentului și al progresului civilizației. Proiectul va explora aceste idei și statutul lor contemporan.
MP: Aveți planuri pe termen lung pentru munca viitoare?
JR: Voi petrece primele șase luni ale anului 2018 în Italia, făcând bursa Consiliului pentru Arte din Irlanda de Nord la Școala Britanică din Roma. Cred că, având în vedere relevanța acestui decor pentru munca mea actuală, această perioadă va avea o mare influență asupra a ceea ce urmează. Am deja impresia că evoluțiile recente din munca mea – cum ar fi utilizarea siliconului, cauciucului și oțelului – vor deveni din ce în ce mai importante. Un alt accent în curs de dezvoltare în prezentările mele mai mari în ultimii ani a fost proiectarea întâlnirii privitorului, unde tratarea spațiului și utilizarea mobilierului de expoziție la comandă a dus la o integrare a sculpturii și a expunerii acesteia. Văd această abordare crescând în expozițiile viitoare. Una dintre activitățile mele preferate este dezvoltarea prezentărilor solo, deoarece îmi permit să creez aceste medii încapsulate pentru lucrări interconectate. Simt că au fost catalizatorul pentru câteva progrese majore în munca mea până în prezent, așa că sper că următorii câțiva ani oferă mai multe oportunități de acest fel.
John Rainey este un sculptor din Belfast.
Matt Packer este director/CEO al EVA International – Bienala de Artă Contemporană din Irlanda.
Fotografie credite:
John Rainey, Dragostea în vremea artificiului #3, 2013; imagine de Matthew Booth Photography.
John Rainey, Teatrul Sinelui Proiectat, 2013; fotografie de Philip Sayer, prin amabilitatea Marsden Woo Gallery, Londra.
John Rainey, variante (detaliu) 2017; imagine prin amabilitatea Galeriei Golden Thread, Belfast.
