KEVIN BURNS REVIZUIEZĂ A PATRA ȘI INSTALAREA FINALĂ A NOUULUI PROGRAM DE EXPOZIȚIE AL SPĂȚILOR VAI ÎN DERRY.
Este cam patru după-amiaza: tocmai am deranjat pe cineva dintr-un birou să mă bâzâie până la primul etaj; Urc pe o mare scară georgiană, căptușită cu afișe Rothko; Aștept cât aprind totul; și acum mă uit la o scenă mâncându-se singură. Există patru schele metalice cu iluminare scenică, oglindite în cadrane, contractându-se ciclic, apoi extinzându-se, ca foliatul industrial. Cu coada ochiului, observ că a apărut o bară de progres în partea de sus a ecranului, cu un cronometru numărând 3, 4, 5 - apoi a dispărut.
Sunt la Fashion & Textile Design Center, unul dintre cele patru „spații noi” omonime din Derry, unde au fost amplasate șaisprezece proiecte din iulie până în decembrie, în patru tranșe a câte patru proiecte fiecare. New Spaces este o societate mixtă între Visual Artists Ireland și Derry City și Strabane District Council, susținută de Fondul de provocări al Consiliului pentru Arte din Irlanda de Nord, care, așa cum s-a decretat într-un comunicat de presă timpuriu: „Permite oamenilor să experimenteze arta contemporană interesantă și provocatoare în căi ”. Desigur, proiectele de artă în afara amplasamentului pot oferi experiențe distincte de cele din cadrul mai utopic al unei galerii de artă, cu caracteristici deseori confirmate din fricțiunile inerente unor astfel de proiecte. Într-adevăr, o parte a misiunii New Spaces este de a încuraja curatorii emergenți să se angajeze - și să învețe din - provocările care pot rezulta din curatarea proiectelor de artă în condiții neconvenționale. Expozițiile pentru fiecare tranșă au fost organizate de Rebecca Strain, Edy Fung, Alice Butler și Mirjami Schuppert, care au fost selectate în cadrul unui apel deschis la începutul anului 2018, pe baza forței propunerilor lor adaptabile site-ului. A patra și ultima rundă de expoziții a avut loc în perioada 17 noiembrie - 15 decembrie 2018.
Sâmbătă, 1 decembrie, în Piața Ebrington, Shipsides & Beggs Projects - o colaborare artistică între Dan Shipsides și Neal Beggs - au prezentat „Zombie Line, Wheel and Wire”, o proiecție de film și o discuție a artiștilor însoțiți, organizată de Alice Butler. Shipsides și Beggs reflectă asupra geografiei postbelice și a infrastructurilor militare defuncte ale Dolomiților din nordul Italiei, concentrându-se pe cablurile de fier utilizate inițial ca mesaje și căi de cercetare pentru soldații italieni în timpul primului război mondial. Filmul se sprijină pe logica vizuală dezorientată a psihedeliei pentru a învârti figurat aceste cabluri în roțile bicicletei, adoptând o genealogie vizuală a bicicletei - de la dragul futuristilor italieni și un simbol politic favorizat al lui Mussolini, până la vehiculul militar (inclusiv - incredibil - „UVF Bicycle Corp”) și simbol hiper-masculin, strălucitor în Lycra imodestă. Imageria se repetă ciclic de-a lungul timpului, afirmând cu bucurie posibilitățile filmului ca mediu neliniar, în care durata nu prescrie neapărat ca narațiunea să ruleze în paralel.
„[Backspace]” al lui Yarli Allison este o serie din patru părți de instalații care reflectă asupra creșterii, descreșterii și evoluției, filtrate prin episoade biografice. A patra parte, Copil, trebuia să aibă loc la Gwyn's Café & Pavillion din Derry's Brooke Park, încheind seria cu gesturi de renaștere. Dar a fost anulat. Din ceea ce am strâns în așteptarea cafelei mele, lucrarea a fost menită să implice un obiect suspendat de tavan, care a declanșat o dispută cu privire la dacă ar „potrivi”. Artistul a ales să livreze o piesă de performanță în parcul din seara de deschidere. Evident, interesele artistice s-au ciocnit cu logistica spațială a unei cafenele funcționale, stabilind clar unele dintre limitele practice ale proiectelor de artă în afara amplasamentului: acestea nu sunt spații utopice în care suntem încurajați să ne relaxăm și doar să ne gândim puțin; ele sunt adesea spații funcționale cu propriul set de cereri. Probabil aș fi comandat cafeaua oricum - Gwyn's este o cafenea frumoasă într-un cadru idilic - dar, așa cum am făcut-o, am fost conștient de un schimb implicit: „Nu pot cere doar să văd arta și apoi să ies! ”
La centrul de patrimoniu Sion Stables din Sion Mills există o relație mai armonioasă între proiect și locație. Prezentat într-o vitrină mare, a lui Hiroko Matshushita Dualismul povestirii este o instalație delicată de hârtie tăiată, asemănătoare unei frize, în relief pe ambele părți ale unui pergament desfășurat, pliat. Este o versiune despre Alba ca Zăpada, povestită între două fire narative de ambele părți ale hârtiei, unul în engleză și celălalt japonez. Povestea este ilustrată cu portrete de siluetă, care amintesc de imaginea tradițională Regency, unde s-ar putea vedea scene de vânătoare de vulpi sau curte în pălării elegante. Într-un spațiu adiacent se află sculptura Emmei Hirsk, Arta feminină a sudării, două cadre metalice alungite care stau în poziție verticală, cu o formă abstractă protuberantă ieșind din centrele lor. Ambele proiecte au fost organizate de Rebecca Strain și au fost instalate într-o colecție permanentă de artefacte din istoria Sion Mills ca oraș al companiei pentru Herdman Flax-Mill, înființată în 1835. Printre colecție se numără o fotografie a bărbaților care lucrează la moară, care lopătesc printr-un deșert interior de semințe de in: postura figurilor rezonează cu ilustrațiile lui Matshushita, care în acest context evocă o amintire idealizată a relațiilor inegale dintre domni și chiriași, angajatori și muncitori. Ca un oraș model de moară, Sion Mills în sine poate fi văzut ca simbol al dualității relevante pentru opera lui Matshushita. Mândru, deoarece orașul este de moștenirea familiei Herdman, Matshushita avertizează împotriva confundării cu noblesse obligatoriu pentru echitate. Sculptura lui Hirsk vorbește, de asemenea, cu colegii săi, aspirând la „a situa femininul în mediul natural”. Cadrele sudate au o structură unghiulară și verticalitate care sunt intenționate, sugerând forță de muncă și industrie. Păreau acasă într-un muzeu al instrumentelor de îngrijire a cailor și al echipamentului de cântărit semințe, în timp ce canalizau și istoriile ascunse ale muncii industriale feminine, nu reprezentate în mod vizibil de numeroasele imagini arhivistice ale domnilor cu muzică magnifică.
Videoclipul menționat anterior la Fashion & Textile Design Center, este un element al instalației audio a lui Dave Loder, A Wh () ly ring (ing), care se bazează pe practica ambițioasă a lui Loder de captare și reproducere a forțelor auditive și cinetice ambientale. Comisariat de Mirjami Schuppert și care ocupă o cameră mare, A Wh () ly ring (ing) intenționează să se angajeze cu sunetul imperceptibil al zidurilor orașului Derry. Acesta cuprinde o serie de mici monede de cupru conectate împreună, conectate la un mixer audio și scoase la difuzor. Acest dispozitiv este instalat în mijlocul unui aranjament de modele geometrice din țesături, un televizor care afișează scena și un altul oprit și orientat spre fereastră. Premisa și estetica lucrării implică faptul că monedele de cupru primesc cumva fenomene din mediu și le fac audibile. Numai că nu - nu aud nimic. Ceea ce pot auzi sunt zgomote de mediu: bâzâitul electric al televizorului; scârțâitul ușor al ferestrelor, de parcă vopseaua albă ar fi târât de pe rame; zgomotele de rău augur ale legănării infinitezimale a unei clădiri mari; sunetul slab și fluctuant al aerului condiționat. Dacă acest difuzor produce de fapt vreun sunet, acesta se pierde pe fondul zgomotului drumului și al oamenilor care discută sub. Dar sistemul audio pare să producă ceva, deoarece putem citi afișajul de pe mixerul audio, care indică faptul că piesele audio sunt redate în ordine, la fel cum televizorul redă video pe o buclă. Celălalt televizor, care privește inactiv pe fereastră, este și mai ambivalent: se presupune că joacă ceva sau au uitat însoțitorii galeriei să îl aprindă? A Wh () ly ring (ing) creează o narațiune de încredere care generează fricțiuni între încredere și cunoaștere, aducând în minte disputarea dureroasă din jurul științei climatice - un subiect care este în același timp ambiant și îndepărtat, dar teribil de vast la scară. Dacă cineva „crede” sau nu în știință, depinde în mare măsură de încrederea noastră în cei care o practică. În afară de modul în care ar putea funcționa în condiții de studio sau galerie, în acest context A Wh () ly ring (ing) simbolizează imposibilitatea cunoașterii totale, empirice. Trebuie să ne bazăm pe încredere - instituțională și personală - pentru a construi adevărul.
Conceptul de „a aduce arta” în locuri în care oamenii normali își duc viața de zi cu zi nu este nimic nou, așa că nu îl consider sincer un rezultat important al spațiilor noi, ca atare. Cu toate acestea, există ceva revelator despre disfuncția care poate apărea în proiecte în afara amplasamentului, în care conceptele utopice formale de practică artistică generează fricțiuni productive cu prioritățile spațiilor non-art. Dar privitorul trebuie să fie autonom pentru ca acest lucru să se întâmple. Programarea de artă civică aspiră să elaboreze o experiență de vizionare - este un spectacol, oricât de discret - prin negocierea agenției noastre ca spectatori pentru o experiență de revelație. Trebuie să păstrăm conștientizarea agenției noastre și să decidem cu câtă forță să o exercităm; dacă cumpărați cafeaua sau nu cumpărați cafeaua ...
Kevin Burns este un artist și scriitor cu sediul în Derry.
Credite de imagine
Proiecte Shipsides și Beggs, Linie, roată și sârmă zombie, video, imagine oferită de artiști.
Emma Hirsk, Arta feminină a sudării, imagine, datorită Rebecca Strain.
Hiroko Matshushita, Dualismul povestirii; imagine, datorită Rebecca Strain.
