EMMA DWAN O'REILLY RAPORTĂ PRIVIND SIMPOSIUL „VALOAREA CRITICII”, CARE A FOST LOCUL LA GALERIA LEWIS GLUCKMAN, CORK, PE 26 FEBRUARIE 2016[I]
În Irlanda, practicile de critică de artă au continuat să se dezvolte într-un peisaj în schimbare. Deși lucrurile rămân nesoluționate în ceea ce privește crearea de publicații și asigurarea finanțării, există o energie vibrantă în jurul scrierii de artă în Irlanda în ultimii ani. Au apărut noi publicații, scriitori și editori cu inițiative și idei noi și a existat un interes crescut în dezvoltarea de noi spații, platforme de publicare și public și în cultivarea abordărilor alternative la scrierea despre artă.
Simpozionul „Valoarea criticii” a examinat rolul criticii de artă și al criticilor în determinarea valorii istorice și economice a artei. A fost explorat, de asemenea, rolul criticului în peisajul în schimbare al criticii de artă și al publicării, cu accent deosebit pe modul în care scriitorii, editorii, curatorii și radiodifuzorii abordează și evaluează subiectele lor și influențează înțelegerea publică și aprecierea artei.
Keynote
Editorul Art Monthly, Patricia Bickers, a abordat definiția criticii, vorbind despre jurisdicțiile istorice și temporale care separă critica artei și istoria artei. Ea a respins ideea că critica de artă există doar pentru a oferi un serviciu istoriei artei: „Istoria artei și critica fac parte dintr-un continuum, inseparabil și de o valoare egală ca în orice relație bună, dar sunt prea des forțate să se despartă”.
Bickers a ridicat, de asemenea, problema clasei și ierarhiei între istorie, istoria artei și critica artei, explicând că intrarea istoriei artei în academie împărțea istoria artei și critica artei și, în consecință, prima a fost menționată ca o disciplină, iar aceasta din urmă ca practică, o clasificare care „părea de comerț, piață”. Ea a susținut că această clasificare se bazează pe imparțialitatea presupusă a burselor, o viziune care nu mai este relevantă, deoarece toate comentariile despre artă au potențialul de a fi folosite de piață.
Bickers a discutat despre modul în care scrierea a ajutat la modelarea înțelegerii și aprecierii artei și despre modul în care teoria a informat în continuare arta și critica, contribuind la evoluția ambelor. Ea a încheiat afirmând că criticile au fost supuse multor analize și că condițiile sale evoluează permanent ca răspuns la schimbările din artă și societate: „Noua artă generează noi forme de scriere, care la rândul lor informează arta și înțelegerea noastră despre ea și locul ei in vietile noastre."
Primul panou - Legitimitatea criticilor (prezidat de Lucy Dawe-Lane)
Sarah Kelleher a deschis sesiunea „Legitimitatea criticilor”, referindu-se la critica de artă ca „un gen din ce în ce mai anxios de scriere”. Ea a făcut referire la numeroasele evenimente în care au fost dezbătute anxietățile criticii, durabilitatea, influența, rigoarea și relevanța acesteia și a inclus propunerea lui James Elkins conform căreia critica este produsă masiv și ignorată masiv.
Kelleher a pus la îndoială relevanța criticilor în era online, argumentând că o mare parte din anxietatea criticilor provine din lipsa de influență și autoritate, precum și din poziția incertă a criticului. Ea a subliniat importanța judecății și a acceptat că autoritatea și influența s-ar putea să nu se mai aplice în același mod, considerând aceasta o oportunitate pentru critici de a-și evalua propriul rol mai riguros. „Deși influența criticilor poate scădea și calitatea scrisului poate varia”, a afirmat ea, „criticul ocupă în continuare acest rol de ambasador, avocat, analist și evaluator și un contribuitor la prima versiune a istoriei artei”.
A lua arta „personal” a fost în centrul contribuției lui Cristín Leach la simpozion. Ea a subliniat importanța „a fi în acest moment cu arta”. Deși a recunoscut că criticul are multe roluri, ea a subliniat că rolul lor principal este să ia artă personal. Ea a subliniat că „singurul lucru care merită scris este lucrul pe care doar tu îl poți scrie”, explicând că acest lucru influențează motivul pentru care anumiți scriitori devin favoriții noștri, că stilul lor distinctiv provine din luarea personală a artei, care vine prin cititor în răspunsul lor unic. Leach a sugerat că, în timp ce scriitorii poartă o mască profesională, gândurile și sentimentele din viața lor personală se pot materializa în scrierea lor într-un mod invizibil și pot vorbi cititorului la nivel personal.
Leach a susținut că abilitatea de a transmite această conexiune sau reacție personală este de a face acest lucru fără a utiliza prima persoană sau chiar a doua sau a treia persoană. „Eu” trebuie să fie invizibil, dar întotdeauna prezent și luându-l mereu personal. ” Cu toate acestea, mai târziu, a existat o anumită dezbatere cu privire la faptul dacă circumstanțele specifice ale unui anumit spectacol ar putea justifica utilizarea ocazională a pronumelui primei persoane.
Caoimhín MacGiolla Leith a recunoscut dificultatea de a clasifica starea actuală sau perspectivele viitoare ale domeniului criticii de artă, propunând că critica și criticul nu au un singur rol, ci multe. El consideră că publicul este esențial pentru scrierea de artă și a vorbit despre diferența dintre scrierea despre lucruri necunoscute și lucrarea care a fost deja recenzată de multe ori.
El a sugerat că critica se poate încadra în diferite categorii și a citat cele șapte categorii ale lui Elkins. Recunoscând că, deși acest sistem de clasificare este încă util, el a considerat că ar putea fi „ușor actualizat, mărit sau extins pentru a se potrivi acelor forme de scriere de artă care au apărut recent sau care au renăscut, care se desprind de la descriere, analiză, evaluare și contextualizare în favoarea unor mai noi și moduri de adresare excentrice ”. Tipuri de scrieri care (aici referindu-se la Gertrude Stein), „coexistă cu opera de artă pe un plan paralel, mai degrabă decât să o servească”.
Panoul doi - Pentru cine este critica? (Condus de Fergal Gaynor)
Declan Long a deschis acest panou afirmând propria sa dependență personală de critici, detaliind caracteristicile stilistice care îl atrag către anumiți critici și învățăturile care pot fi obținute din citirea criticilor.
El a discutat despre cum, în publicațiile de specialitate, există așteptări, „nu doar de vocabular comun, ci de entuziasm comun, responsabilități comune, preferințe culturale colective”. El a sugerat că scriitorii ar putea fi primul lor public: „Poate că ar putea fi și pentru mine în timp ce îl scriu ... Scriu ceva ce cred că vreau să citesc”. Long a mers mai departe spre a răspunde la întrebarea care critica este pentru, întrebarea cui susține critica în numele, mai degrabă pentru cine este împotriva. El a concluzionat că „critica este împotriva celor deja hotărâți, dogmatic”.
Rebecca O'Dwyer s-a îndepărtat de „audiență” ca răspuns la întrebarea „pentru cine este criticată?” Ea a dezlipit straturile întrebării, argumentând că „cine” este centrat pe presupunerea că valoarea criticii este determinată doar de „utilizarea” acesteia. Ea a respins valoarea criticilor care sunt evaluate prin „utilizare” și „citire”, explicând că acestea provin din profesionalizarea domeniului și din credința că ar trebui să „facă ceva”.
O'Dwyer a subliniat valoarea cititului și a scrierii în a dobândi o mai bună înțelegere a artei și a analizat modul în care ar putea fi critica pentru criticul. Ea a ajuns la concluzia că actul de a scrie critici este în mare măsură pentru ea, ca scriitoare, fiind în același timp „pentru nimeni și, în același timp, pentru toată lumea”.
Brian Fay a considerat, de asemenea, ideea că scrisul este un proces creativ pentru scriitor. El a răspuns la întrebarea care cu „oricine are nevoie de ea”, propunând că publicul de critică de artă este eterogen și a mutat întrebarea către identificarea cine ar putea fi acei oameni și de ce ar dori-o.
Identificând artiștii practicanți ca un grup care se angajează în mod constant și activ cu critica, informând deseori producția de artă, el a prezentat un model de trei etape, de la producție, până la expoziție, până la etapa finală în care lucrările invocă un răspuns. El a susținut că acest model nu a luat în considerare faptul că etapa a treia ar putea informa prima etapă, referindu-se la aceasta ca o „buclă de cilindru răsucit”, cu critici, interpretare și evaluare „încorporate, implicate în actul producției”.
Fay a discutat, de asemenea, despre revizuirea lucrărilor terminate, subliniind modul în care artiștii necesită rezistență și a pledat pentru valoarea criticii ca dialog mai degrabă decât ca validare.
Panoul trei - Viitorul criticilor (Condus de Chris Clarke)
Deschizând cel de-al treilea și ultimul panou, Clíodhna Ní Anluain a analizat modul în care radioul și televiziunea sunt adesea văzute ca fiind efemere și a remarcat absența oricărei referințe la oricare dintre procedurile anterioare ale simpozionului. Ea a subliniat importanța poveștii la radio și televiziune și puterea pe care o poate avea o discuție difuzată în schimbarea percepțiilor atât a contribuabililor, cât și a publicului. Ea a luat în considerare moștenirea istorică semnificativă a arhivei vorbite pe care RTE a construit-o prin interviuri și înregistrări.
Punctul central al contribuției Gemmei Tipton a fost ideea că arta traversează lumile. Ea a pledat în numele scrisului care a adus arta și ideile artiștilor în alte discipline și conversații. Deși a recunoscut liniile din cadrul disciplinelor și multitudinea de contexte în care poate sta scrisul, fiecare cu mandate și audiențe diferite, ea a încurajat separarea ideii publicului specializat și universal.
Tipton a subliniat importanța incluziunii atât în limbă, cât și în discurs, deoarece viitorul a adus mai multe moduri de gândire și de a face transversal. În timp ce a înțeles că specialitățile au propriile limbi, ea a propus ca jargonul tehnic să poată fi folosit pentru a ascunde scrierea slabă, ceea ce reprezintă o amenințare majoră pentru critica de artă.
Tipton consideră viitorul criticilor strălucit și a susținut „continuarea presiunii pentru excelență din partea specialiștilor, pentru reducerea zgomotului și pentru a scăpa de nesiguranțe, amintindu-și ideea de plăcere”.
Nathan Hugh O'Donnell a descris critica ca pe un schimb, o mediere între artă și un fel de public. Viitorul criticii de artă, a argumentat el, se află în reviste și a afirmat că revistele (inclusiv cele online) sunt importante din cauza modului în care construiesc public și au apărut, istoric, în fiecare moment în care publicurile s-au extins. El a susținut că publicul este eterogen, că nu există un public definitiv: „Majoritatea oamenilor traversează discipline și specialități”.
Simpozionul „Valoarea criticii” construit pe moștenirea unor evenimente similare care au încercat să determine scopul criticii de artă pe măsură ce se fracturează și evoluează într-un moment în care definițiile, funcțiile și abordările tradiționale dețin mai puține monede. Simpozionul a avut o senzație mai optimistă față de alte sesiuni de verificare a pulsului pe acest subiect. Din fericire, contribuitorii s-au îndepărtat de discuțiile bine repetate despre criza perpetuă și către conversații de incluziune și valoarea criticii, oferind un sentiment de viitor luminos, cu spațiu pentru mai multe voci, public și scriere.
Emma Dwan O'Reilly este scriitoare și cercetătoare cu sediul în Tipperary.
[I] Proceduri Twitter la # VOC16
Imagine: Keynote de Patricia Bickers; imagine oferită de Galeria Glucksman.
