JANE FOGARTY ȘI ISABEL NOLAN DISCUTĂ CÂTE ASPECTELE TEHNICE ȘI CONCEPTUALE ALE PRACTICII SCULPTURALE.
Jane Fogarty: Vă mulțumesc că ați acceptat acest interviu. După cum știți, după absolvirea facultății de arte, am lucrat ca asistentă de studio timp de mai mulți ani. Aceasta este o oportunitate minunată pentru mine de a discuta mai specific cu dumneavoastră despre abordările artei și ale sculpturii în special. Sculpturile dumneavoastră par adesea în pragul colapsului; totuși, sunt create folosind materiale industriale, cum ar fi metale sudate, modroc, sticlă și jesmonit. Adesea, finalizați lucrările cu material textil sau culori pastelate, care au efectul de a înmuia aspectul general. Sunt obiecte frumoase. Ce anume determină aceste alegeri estetice?
Isabel Nolan: Mulțumesc și ție, Jane. Ceva ce probabil se regăsește în toate lucrările mele este faptul că îmi place să arate și să se simtă lucrată manual – cu tușe de pensulă, cusături, îmbinări și așa mai departe vizibile. Când încerc să-mi dau seama cum să creez anumite forme sau imagini, materialele speciale sau ingeniozitatea tehnică nu mă atrag prea mult, așa că lucrările se situează de obicei la mijlocul unui spectru care are finisaj de înaltă calitate la un capăt și obiecte găsite sau gata făcute la celălalt. Există ceva în tensiunea unui lucru care este în mod clar realizat ca o operă de artă, dar care încearcă și să aparțină lumii într-un mod obișnuit, care îmi place foarte mult. Bănuiesc că aici intervin materialele și delicatețea. Culoarea este seducătoare și transformatoare și cred că schimbă atitudinea, chiar și viteza, unei lucrări, fie că iese în evidență, fie că se retrage. Îmi doresc ca lucrările să fie disponibile și să se retragă, greșite și generoase. În termeni generali, în lumea în general, majoritatea lucrurilor par doar temporar coerente. Sensul sau existența oricărui lucru este întotdeauna în pragul colapsului. Îmi doresc ca acel amestec de familiaritate și dezintegrare iminentă să pătrundă în lucrare.
JF: Mă gândesc în mod special la Turning Point (2010) din terminalul T2 al aeroportului din Dublin – când am conceput această sculptură, cât de influent a fost amplasamentul asupra dimensiunii sale?
IN: Cred că atât brief-ul, cât și locația necesitau acea scară. A trebuit să impun locația centrală pentru că am vrut ca lucrarea să fie în mijlocul lucrurilor, vizibilă, dacă nu chiar „stă în cale”. Este, sau cu siguranță a fost la momentul respectiv, singurul lucru nefuncțional din aeroport și am vrut să-și afirme rolul pur estetic, așa că trebuia să fie mare, dar nu dominantă. Culoarea s-a schimbat în timpul realizării - inițial trebuia să fie un fel de culoare liliac ciudată, dar mi-am dat seama că va dispărea în schema de culori a terminalului. Gândindu-mă la modul în care lucrezi cu culoarea: pe de o parte, folosești hârtie absorbantă colorată prefabricată pentru a realiza lucrările sculpturale, iar pe de altă parte, amesteci cu grijă tempera de ou pentru a picta - mă întreb unde se află controlul? Se pare că există o tensiune plăcută între precizie și renunțarea la alegere...
JF: Da, întotdeauna îmi stabilesc parametrii atunci când încep să-mi creez lucrările. Culoarea predeterminată din hârtia absorbantă folosită în sculpturi era o modalitate de a face forma și suprafața continue; culoarea nu stătea pe un suport - era încorporată în el. Acest lucru a dus la sculpturi cu o paletă de culori pastelate, prietenoase. Am renunțat la controlul asupra rezultatului final; se stabilește o paradigmă și trebuie urmată până la capăt. Pentru picturile cu tempera în ou, creez o paletă foarte specifică, derivată din mostre de culoare ale sculpturilor. Controlul este acolo, dar într-un alt mod. Această abordare mă ajută atunci când lucrez într-un mod complet abstract; determină cadrul în care funcționează operele de artă. Lucrările tale se întind între figurație și abstracție. În ce moment stabilești care abordare este cea mai potrivită pentru o idee sau o lucrare nouă?
IN: Nu știu dacă văd o graniță clară între ele. Este dificil să mă gândesc la abstracție sau figurație ca la moduri distincte fără a invoca un set de separări artificiale. Ceea ce ar putea face o operă, cum se comportă sau cum ocupă spațiul este mai interesant pentru mine decât să decid dacă o formă pe care aș vrea să existe – să o văd în lume – va fi fie abstractă, fie figurativă. Nu sunt deloc sigur că aș ști cum să desemnez multe dintre lucrările mele ca fiind una sau alta – tind să gândesc în termeni de acțiuni. Ceva s-ar putea deschide sau închide în sine, se poate destrăma sau se poate coaliza. În mod similar, lucrările care rămân alunecoase în cadrul convențiilor sau le subminează în liniște sunt cele mai interesante pentru mine. Indiferent de abordarea la care te alegi, oamenii vor, în general, să găsească o referință pentru operă sau să facă o analogie din ea... „E ca o... îmi amintește... este vorba despre...”
JF: Acesta este un punct interesant; cred că ne străduim să aplicăm limbajul și termenii de referință lucrurilor sau operelor de artă. De fapt, termenii abstracție și figurație se referă la limbaj. Avem un cuvânt pentru a descrie ceea ce ne stă în față? Îmi place ideea ca lucrările să rămână alunecoase în cadrul convențiilor. În cele din urmă, mă întrebam, pe măsură ce ne confruntăm cu noul deceniu, care credeți că este potențialul pentru sculptură în Irlanda?
IN: La naiba. E o întrebare dificilă. În fiecare generație, există o mulțime de artiști extraordinari din și din Irlanda care realizează lucrări sculpturale – deci, în acest sens, potențialul este vast. Mi-ar plăcea să văd noi studiouri deschise aici: spații imense, adaptabile, care ar putea găzdui producția de proiecte foarte ambițioase, la scară largă. Nu am prea mult interes pentru spectacol în sine, dar suntem mult prea obișnuiți să lucrăm în încăperi mici. Studiourile mari ar schimba dramatic capacitățile artiștilor de aici de a lucra la întregul lor potențial. Ar fi foarte interesant să vedem ce ar putea face artiștii cu facilități superbe. Și, în afară de potențialul estetic/intelectual/social, există un sentiment secundar că artiștii bogați în resurse pot atrage mai ușor atenția curatorială (și comercială), care este mai greu de obținut atunci când lucrezi la trei piese simultan, decât la unsprezece sau treizeci. Pe termen lung însă, apetitul pentru acest tip de muncă sau acele modalități de lucru par potențial de nesuportat sau, poate, vreau să spun, din ce în ce mai nepotrivite... Poate că viitorul activității artistice este modelat în termeni materiali de conștiința noastră colectivă a schimbărilor climatice. Dennis McNulty a pus odată o întrebare în timpul unei discuții de grup la care am participat, întrebându-mă ce ar putea însemna să faci sculptură pe o insulă mică. Cred că este o întrebare ciudată și interesantă la care să reflectez și mă întreb dacă va deveni și mai relevantă, pe măsură ce era călătoriilor aeriene ieftine se apropie probabil de sfârșit. Este aceasta o întrebare care ar putea influența propria ta muncă în vreun fel sau, mai larg, ce crezi că este potențialul pentru munca sculpturală în Irlanda?
JF: Nu luasem în considerare consecințele vieții pe insulă în raport cu o practică sculpturală până recent. Transportul obiectelor în străinătate este costisitor și nu este ecologic, dar am preocupări similare atunci când produc obiecte, punct. Încerc să urmăresc un mod de lucru ecologic, dar, în cele din urmă, adaug mai multe lucruri lumii. În schimb, nu vreau să trăiesc într-o lume în care anumite tipuri de artă nu se mai produc. Poate că aceste întrebări vor modela arta generațiilor viitoare și le vor îndrepta către noi tehnologii și modalități de lucru interdisciplinare, devenind totodată din ce în ce mai implicate din punct de vedere ecologic, politic și social. Acest lucru ar putea elimina nevoia de mega-studiouri în Irlanda, dar mă întreb dacă ar afecta potențialul nostru artistic și prezența internațională? Va fi interesant de văzut cum se va desfășura oricum.
Lucrările lui Isabel Nolan includ sculptură, textile, picturi, desene, fotografie și scris.
Jane Fogarty este o artistă din Dublin care lucrează cu sculptură și pictură.
Imagine prezentată: Isabel Nolan, It Was Hot, Dense And Smooth (A fost fierbinte, dens și neted ), 2018; The Light Poured Out Of You (Lumina revărsată din tine) , 2017; și Partial Eclipse (Above) (Eclipsă parțială (sus) , 2017 – 2018, oțel moale, vopsea, material textil și colorant; prin amabilitatea artistei, Kerlin Gallery și EVA International.
