JANE FOGARTY ȘI ISABEL NOLAN DISCUTĂ CÂTE ASPECTELE TEHNICE ȘI CONCEPTUALE ALE PRACTICII SCULPTURALE.
Jane Fogarty: Vă mulțumim că ați acceptat acest interviu. După cum știți, după ce am absolvit facultatea de artă, am lucrat ca asistent de studio pentru un număr de ani. Aceasta este o oportunitate minunată pentru mine de a discuta mai precis cu dumneavoastră despre abordări ale artei și în special ale sculpturii. Sculpturile tale simt adesea ca și cum ar fi în pragul colapsului; totuși sunt create folosind materiale industriale precum metale sudate, modroc, sticlă și jesmonit. Frecvent terminați lucrarea cu țesături sau culori pastelate care au ca efect înmuierea aspectului general. Sunt obiecte frumoase. Ce motivează aceste alegeri estetice?
Isabel Nolan: Mulțumesc și ție, Jane. Ceva care probabil se referă la toată lucrarea este că îmi place să arate și să se simtă făcută manual – cu pensule vizibile, cusături, îmbinări și așa mai departe. Când încerc să îmi dau seama cum să fac anumite forme sau imagini, materialele speciale sau ingeniozitatea tehnică nu mă atrag prea mult, așa că lucrările se situează de obicei în mijlocul unui spectru care are finisaj înalt la un capăt și obiecte găsite. sau ready-made la celălalt. Există ceva în tensiunea unui lucru care în mod clar este făcut ca o operă de artă, dar încearcă și să aparțină lumii într-un mod obișnuit care îmi place foarte mult. Bănuiesc că de aici intervin materialele și înmuierea. Culoarea este seducătoare și transformatoare și cred că schimbă atitudinea, chiar și viteza unei lucrări, fie că iese sau se retrage. Vreau ca lucrările să fie disponibile și să se retragă, greșite și generoase. În termeni de ansamblu, în întreaga lume, majoritatea lucrurilor se simt doar temporar coerente. Sensul sau existența oricărui lucru este întotdeauna pe punctul de a se prăbuși. Îmi doresc ca acel amestec de familiaritate și dezintegrare iminentă să pătrundă în lucrare.
JF: Ma gandesc in mod special la Punct de cotitură (2010) în Aeroportul Dublin T2 – când am conceput această sculptură, cât de influent a fost situl pe scara sa?
ÎN: Cred că atât scurtul, cât și locația au necesitat această scară. A trebuit să fac eforturi pentru locația centrală pentru că am vrut ca munca să fie în mijlocul lucrurilor, vizibil dacă nu chiar „în cale”. Este, sau cu siguranță a fost la acea vreme, singurul lucru nefuncțional din aeroport și mi-am dorit să-și afirme rolul pur estetic, așa că trebuia să fie mare, dar nu dominator. Culoarea s-a schimbat în timpul realizării – inițial trebuia să fie un fel de culoare liliac ciudată, dar mi-am dat seama că va dispărea în schema de culori a terminalului. Gândindu-vă la modul în care lucrați cu culoarea: pe de o parte, folosiți hârtii prefabricate colorate pentru a realiza lucrările sculpturale și, pe de altă parte, amestecați cu grijă tempera de ou pentru a picta - mă întreb unde este controlul ? Se pare că există o tensiune frumoasă între precizia și renunțarea la alegere în joc...
JF: Da, am setat întotdeauna parametri când încep să-mi fac munca. Culoarea predeterminată din hârtie absorbantă folosită în sculpturi era o modalitate de a avea forma și suprafața continuă; culoarea nu s-a așezat deasupra unui suport – a fost încorporată în el. Acest lucru a dus la sculpturi cu o paletă prietenoasă de culori pastelate. Am renunțat la controlul rezultatului final; se stabilește o paradigmă și trebuie urmată. Pentru picturile cu tempera cu ou, creez o paletă foarte specifică derivată din mostrele de culoare ale sculpturilor. Controlul este acolo, dar într-un alt mod. Această abordare mă ajută când lucrez într-un mod complet abstract; ea determină cadrul în care funcționează lucrările de artă. În ce moment determinați care abordare este cea mai potrivită pentru o idee sau o nouă lucrare?
ÎN: Nu știu dacă văd o graniță clară între ele. Este dificil să ne gândim la abstractizare sau la figurație ca moduri distincte fără a invoca un set de separări artificiale. Ce ar putea face o lucrare, cum se comportă sau ocupă spațiul este mai interesant pentru mine decât să decid dacă o formă pe care mi-aș dori să existe – să o văd în lume – va fi fie abstractă, fie figurativă. Nu sunt deloc sigur că aș ști să desemnez multe dintre lucrările mele ca una sau alta – tind să gândesc în termeni de acțiuni. Ceva s-ar putea să se deschidă sau să se închidă în sine, să se despartă sau să se unească. De asemenea, munca care rămâne alunecoasă în cadrul convențiilor sau le subminează în liniște este cea mai interesantă pentru mine. Indiferent de abordarea pe care o alegeți, oamenii vor, în general, să găsească o referință pentru lucrare sau să facă o analogie din ea... „Este ca un... îmi amintește... este vorba despre...”
JF: Acesta este un punct interesant; Cred că ne străduim să aplicăm limbajul și termenii de referință lucrurilor sau operelor de artă. Într-adevăr, termenii de abstractizare și figurație se referă la limbaj. Avem un cuvânt pentru a descrie ceea ce avem în fața noastră? Îmi place ideea ca munca să rămână alunecoasă în cadrul convențiilor. În cele din urmă, mă întrebam, în timp ce ne confruntăm cu noul deceniu, care credeți că este potențialul sculpturii în Irlanda?
ÎN: La dracu. E o întrebare grea. De-a lungul fiecărei generații, există o mulțime de artiști grozavi în și din Irlanda care fac lucrări sculpturale – așa că, în acest sens, potențialul este vast. Mi-ar plăcea să văd noi studiouri deschise aici: spații uriașe, adaptabile, care ar putea găzdui producția de proiecte foarte ambițioase, de anvergură. De dragul ei, mă interesează puțin spectacolul, dar suntem mult prea obișnuiți să lucrăm în camere mici. Studiourile mari ar schimba dramatic capacitățile artiștilor de aici de a lucra la întregul lor potențial. Ar fi foarte interesant să vedem ce ar putea face artiștii cu facilități superbe. Și, în afară de potențialul estetic/intelectual/social, există un sentiment secundar că artiștii bogați în resurse pot atrage mai ușor atenție curatorială (și comercială), care este mai greu de captat atunci când lucrezi la trei piese simultan, mai degrabă decât unsprezece sau treizeci. . Pe termen lung, totuși, apetitul pentru acest tip de muncă, sau acele moduri de lucru par potențial insuportabile, sau poate vreau să spun din ce în ce mai inadecvat... Se poate ca viitorul activității artistice să fie modelat în termeni materiali de conștiința noastră colectivă a climatului. Schimbare. Dennis McNulty a pus odată o întrebare în timpul unei discuții în grup în care am fost implicat, întrebându-se ce ar putea însemna să faci sculptură pe o insulă mică. Cred că este o întrebare ciudată și interesantă de meditat și mă întreb dacă va deveni din ce în ce mai relevantă, pe măsură ce epoca călătoriilor cu avionul ieftin se apropie de sfârșit. Este aceasta o întrebare care ar putea informa în vreun fel propria dvs. lucrare sau, mai larg, ceea ce vedeți ca potențial pentru lucrările sculpturale în Irlanda?
JF: Nu luasem în considerare până de curând consecințele traiului pe insulă în raport cu o practică sculpturală. Transportul obiectelor în străinătate este costisitor și nu este ecologic, dar am preocupări similare când produc obiecte punct. Încerc să fiu atent la un mod de lucru ecologic, dar în cele din urmă, adaug mai multe lucruri lumii. În schimb, nu vreau să trăiesc într-o lume în care anumite tipuri de artă nu mai sunt produse. Poate că aceste întrebări vor modela arta generațiilor viitoare și le vor conduce către noi tehnologii și modalități interdisciplinare de lucru, devenind tot mai mult implicate din punct de vedere ecologic, politic și social. Acest lucru poate anula nevoia de mega-studiouri în Irlanda, dar mă întreb dacă ne-ar împiedica potențialul artistic și prezența internațională? Oricum, va fi interesant de văzut cum se desfășoară.
Lucrările lui Isabel Nolan includ sculptură, textile, picturi, desene, fotografie și scris.
Jane Fogarty este o artistă din Dublin care lucrează cu sculptură și pictură.
Imagine imagine: Isabel Nolan, Era cald, dens și neted, 2018; Lumina S-a Revărsat Din Tine, 2017; și Eclipsă parțială (sus), 2017 – 2018, oțel moale, vopsea, țesătură și vopsea; cu amabilitatea artistului, Kerlin Gallery și EVA International.
