JOHN RAINEY ȘI JANET MULLARNEY DISCUTĂ PREOCUPĂRI MATERIALE ÎN LUCRAREA LOR.
John Rainey: Când am experimentat sculpturile tale în trecut, existau puncte distincte de identificare pentru mine. Există o combinație a unui limbaj vizual - semne și simboluri pe care pare să le fi dezvoltat de-a lungul timpului - cu un tip de redare care sugerează o afinitate naturală cu materialele. Care au fost primele tale experiențe de lucru cu materiale?
Janet Mullarney: Cred că toată lumea lucrează cu propriile semne și simboluri într-un grad mai mic sau mai mare; limbajul vizual este la ce ne aflăm. Comunicăm ceea ce nu putem comunica prin limbaj verbal sau scris, prin ceea ce se întâmplă să fie un limbaj material. Când funcționează, cred că se poate înțelege la ce ne uităm, fără a înțelege neapărat în mod logic acest lucru. În copilărie mi s-au dat multe materiale cu care să lucrez. Mi s-a dat vopsea și am avut atelierul tatălui meu în care să mă încurc, făcând marionete pentru mine. Îi plăcea lemnul - aveam o casă georgiană veche și a lucrat mult la asta. Avea o mare pricepere. Evident, am avut multă admirație pentru asta și am vrut să fiu admirat de el.
JR: Tatăl meu are și un atelier de lemn, unde a construit și a făcut lucruri pentru casa noastră. Am fost întotdeauna foarte conștient de ceea ce făcea. Am, de asemenea, amintiri foarte clare despre sculptarea capetelor de păpuși în lut la o vârstă fragedă.
JM: Aceste lucruri sunt foarte formative. Mai târziu, în calitate de tânăr artist, am câștigat multe concursuri Glen Abbey și Caltex, care mi-au dat bani să scap de Irlanda când a sosit momentul. În Italia, am renunțat foarte ușor la școala de artă; nu însemna nimic pentru mine - cred că eram mult prea tânăr pentru asta. Pe lângă multe lucruri ciudate, am început să lucrez în restaurarea mobilierului. Învățarea de a lucra cu lemnul în acest context a fost un tip de instruire. Am ignorat crearea de artă până mult mai târziu. Restaurarea este opusul realizării artei - cu cât ești mai puțin văzut, cu atât ești mai bun restaurator. Am fost foarte atent la asta, dar apoi am făcut o mică figură într-o duminică după-amiază - încă o am. A fost prima dată când m-am gândit la sculptură. A continuat de acolo fără nicio idee clară a ceea ce ar fi vrut să facă un artist.
JR: Am o pregătire de bază similară în ceramică, introducând alte materiale în timp. Sunt interesat de abordarea pluralistă pe care o aveți cu materialele, care pare să fie condusă de un sentiment de adecvare în orice caz dat. Există și alți factori care vă informează alegerile materiale?
JM: Am petrecut timp în India la începutul carierei mele. Acest lucru a fost transformator pentru utilizarea mea de materiale. A apărut la momentul potrivit, în sensul că am lucrat foarte studios cu figuri în mărime naturală din lemn. A fost o abordare din viața reală, care cred că m-a atras și m-a iritat. Nu am urmărit cu adevărat, chiar dacă știind cum funcționează un corp este absolut imperativ, dacă faci o muncă figurativă - chiar dacă faci o lucrare figurativă „proastă”, trebuie să știi cum funcționează corpul. India m-a făcut să realizez că nu ai nevoie de un studio, obiecte, instrumente - nu ai nevoie de nimic. Ai întâlni lucruri culcate pe plajă pe care le-ai putea folosi - bucăți de sârmă, bucăți de plastic și pânză. Era o chestiune de vânătoare, căutare în jurul și găsirea lucrurilor. Aproape totul era considerat prețios, așa că resturile erau puține, dar interesante. În ceea ce privește combinarea materialelor, dansatorii mei cu fustele mari de cânepă de la sfârșitul anilor 1980 sunt importante; Cred că au fost destul de curajoși. La acea vreme, ar fi fost văzuți ca fiind foarte ieșiți, dar nu-mi păsa - bineînțeles că îmi păsa înăuntru, dar nu știam că îmi pasă. La întoarcere, îl văzusem pe micuța dansatoare a lui Degas cu fusta ei plină, și era extraordinară, ca ceva care se născuse cu mii de ani în urmă și avea să continue pentru totdeauna.
JR: Câinii tăi burete sunt și ei un exemplu interesant. Oamenii greșesc vreodată care sunt materialele?
JM: Da Prieten nedorit omniprezent; există mai multe versiuni ale acestuia. Am făcut piese în burete și am făcut piese în bronz și nu cred că oamenii știu diferența. Am făcut-o intenționat pentru că m-am săturat ca lumea artei să pună preț pe bronz și nu pe alte materiale. Mă joc cu materiale din când în când, astfel încât oamenii să nu știe diferența. Am făcut același lucru cu piesele de bronz pe care le-am refăcut în lemn și invers.
JR: Am o întrebare despre intenționalitate și despre cum se dezvoltă munca. Cât de complet este formată o idee când începeți?
JM: Cu lemnul, poate fi nevoie de un pic de planificare. Trebuie să ai o idee despre ceea ce faci. Este mult mai ușor să te surprinzi în lut (sau ipsos sau burete sau carton) - acolo, am făcut lucruri la care nu mă așteptam, cu siguranță.
JR: Este vorba despre argila de obicei un proces aditiv, în timp ce cu lemnul este de obicei subtractiv, deci acțiunile trebuie să fie mai intenționate?
JM: Argilă, nu folosesc mult, cu excepția cazului în care joc cu siguranță. Spontaneitatea cu lemnul și multe alte materiale s-a întâmplat mai recent, presupun, după mulți ani de știind ce fac.
JR: Mă întreb ce părere aveți despre termenul jucăuș și cum se leagă acest lucru de un tip de anchetă sculpturală care ar putea lega munca noastră. Folosesc cuvântul „joacă” în sensul curiozității și un fel de deschidere dezinhibată în angajarea cu lucrurile pe care le au copiii, dar nu toți adulții rețin.
JM: Acesta este un mod bun de spus. Cred că ambiguitatea este și acolo - îmbrățișând un sentiment al ambiguului.
JR: Cred că a avea un ochi pentru interacțiune și ambiguitate este o parte importantă a procesului de organizare a expozițiilor cu lucrări care acoperă diferite intervale de timp. Știu că ați făcut asta de mai multe ori și am început să o fac, cu atât mai mult în ultimii ani. Cum abordați acest proces?
JM: Durează ceva. Nu puteți arăta totul, așa că lăsați lucrurile în afara - și vă pare rău să le lăsați pe unele - dar apoi vă dați seama dacă puneți asta, atunci nu puteți pune în cealaltă, deci este nevoie de mult a gândirii. Dar rezultatul este o imagine de ansamblu minunată pentru sine.
JR: Cred că termenul „punere în scenă” este important aici.
JM: Da, iar conexiunile în scenă au legătură cu dimensiunea, forma, spațiul; se întâmplă un fel de flux mental. Spațiul este cea mai importantă parte a sculpturii. Cât spațiu în jur, cât fundal, asigurându-vă că nu există nimic care să interfereze cu liniile de vedere. Este una dintre problemele cu sculptura - cu pictura se află în propriul cadru, dar cu sculptura trebuie să planifici atât interacțiunea, cât și viziunea pe care o ai.
JR: Acesta este și unul dintre lucrurile care m-au atras întotdeauna la sculptură, totuși, că se află în lumea noastră și că ai o experiență de 360 de grade.
JM: Foarte mult, deși nu mă îngrijorez întotdeauna de 360 de grade în lucrarea în sine. Nu mă deranjează să te plimbi, dar destul de des, spatele ar putea fi destul de plat sau chiar incizat dintr-o altă sculptură. Spune o poveste. Nu este totul sculptat sau terminat, dar asta se adaugă întregului, pentru că am spus destul.
JR: Ce sfaturi i-ați da unui sculptor din cariera timpurie care lucrează astăzi?
JM: Cred că este greu pentru artiștii mai tineri, deoarece obișnuiai să poți face mai mult cu mult mai puțin. Principalul lucru este să continui și să îți dai seama când ești curajos, chiar și atunci când nu te gândești la tine însuți ca fiind curajos. O să disperi, dar vei ieși din această disperare, se va întâmpla altceva și vei fi încântat. Țineți-vă de acele momente în care ceva funcționează - nu este nimic mai bun decât când apare ceva ce știți că este bun.
Janet Mullarney este un sculptor care își împarte timpul în prezent între Irlanda și Italia.
janetmullarney.com
John Rainey este un sculptor cu sediul în Belfast. Este membru în prezent al studioului Flax Art Studios.
johnrainy.co.uk
Caracteristică: Imagine: Janet Mullarney, Omniprezent Prieten nedorit, 2009; fotografie de Ros Kavanagh, prin amabilitatea artistului.
