JOANNE LAWS INTERVIEAZĂ CU ALISON PILKINGTON DESPRE METODELE ȘI INFLUENȚELE CARE SUBTERINĂ CORPUL SĂU DE ACTUALITATE.
JL: Picturile tale par să combine abordări abstracte, schematice și figurative. Ești conștient de faptul că ai o anumită estetică în minte atunci când te angajezi într-o pictură?
AP: Abordarea mea estetică sau stilul meu de pictură au evoluat foarte mult în ultimii zece ani sau cam așa ceva, mai ales de când am început un doctorat bazat pe practică la NCAD, pe care l-am început în 2009 și l-am finalizat în 2015. În acest timp, am făcut o pauză deliberată din pictura abstractă gestuală. Cred că am simțit nevoia să mă eliberez de un anumit stil de pictură. Este ironic faptul că pictura abstractă gestuală - care este considerată un mod atât de liber și intuitiv de a manipula vopseaua - devenea restrictivă și sufocantă pentru mine. Prin efectuarea acestor schimbări deliberate, am simțit că aș putea explora mediul picturii ca un proces de cercetare activ care ar putea avea o serie de rezultate posibile. Am vrut să mă concentrez mai mult pe narațiuni personale și să explorez cum aș putea exprima aceste narațiuni prin intermediul picturii. De asemenea, am vrut să explorez posibilități figurative în cadrul operei. Acesta a fost momentul în care am început să explorez colajul și machetele ca inducători creativi pentru picturi. Lucrarea anumitor artiști, care au pregătit calea pentru abordări mai fluide ale picturii, au fost foarte influente pentru mine în această privință. Printre aceștia se numără artistul german Martin Kippenberger (1953-1997) și artiști mai contemporani precum pictorul abstract din New York, Charline Von Heyl și pictorul american, Amy Sillman.
JL: Puteți să prezentați pe scurt ancheta dvs. de doctorat și modul în care această cercetare ar fi putut modifica abordările dvs. de pictură?
AP: După cum vă va spune oricine a urmat un doctorat, cercetarea doctorală este o călătorie durabilă și complexă. Pentru mine, a existat o mulțime de descoperiri despre „de ce” mai mult decât „cum” al picturii - un proces reflectiv care a inclus o explorare riguroasă a relevanței sau validității mediului ca metodă de cercetare. Există alte căi legate de cercetare pe care aș dori acum să le explorez în continuare, cum ar fi încadrarea procesului creativ ca un spațiu radical pentru agenția artistică - ceva care se referă la noul meu corp de lucrări.
JL: Poate ați putea contura câteva dintre metodele dvs. de cercetare?
AP: Munca mea tinde să înceapă cu schițe, desene și studii în acuarelă. Păstrez note, gânduri și idei în jurnalele mele. Îmi place libertatea de a desena în caietele de schițe și jurnale și tind să am câte două sau trei oriunde în mișcare. Încerc să fac legături între ceea ce gândesc și scriu în jurnalele mele și imaginile care apar în caiete. În cele din urmă, picturile sunt o extensie a acestui proces de investigație - o abordare care mă ajută să păstrez o relaxare în picturile mele. Mai degrabă decât să fac copii directe de pictură ale machetelor și colajelor mele, le folosesc ca referințe care pot fi transformate prin procesul de pictură.
JL: Puteți contura câteva dintre influențele dvs. istorice ale artei?
AP: Referințele la pictura din diferite perioade ale istoriei artei apar frecvent în lucrarea mea. Uneori, aceste asociații sunt făcute inconștient și abia într-o etapă ulterioară aș putea recunoaște semnificația lor. Cu toate acestea, există câteva referințe explicite și recurente la picturi individuale pe care le consider în mod constant convingătoare, curioase sau ciudate, atât în ceea ce privește abordările artistice în ceea ce privește compoziția, fie în ceea ce privește conținutul narativ al operei. O pictură de Pietro Longhi, intitulată Clara Rinocerul (1751), mă interesează de ceva timp. Am realizat mai multe tablouri care îmi exprimă fascinația pentru ciudățenia și preocuparea mea pentru interpretarea semnificației sale. A fost ceva pe care l-am explorat pe larg în timpul cercetărilor mele de doctorat. Magritte este o altă piatră de încercare importantă pentru munca mea, bazată pe explorarea pe tot parcursul vieții a picturii ca ceva „inerent misterios”. Opera lui Magritte a redat obiecte de zi cu zi în scene ciudate, necunoscute sau neobișnuite și acest lucru m-a inspirat frecvent. Îmi plac și picturile din perioada barocă de la începutul secolului al XVII-lea, inclusiv lucrările lui Rembrandt, Velasquez, Rubens și Poussin. Încerc să recreez o parte din drama lor în picturile mele, prin utilizarea unor surse puternice de lumină, experimentări cu scară și prin sugestia unor narațiuni subiacente.
JL: O mare parte din munca ta prezintă o preocupare pentru profunzimea câmpului. Puteți discuta picturile dvs. în termeni de trompe l'oeil și tratamentul dvs. de suprafețe?
AP: Cred că acest lucru a apărut din preocuparea mea pentru specificul mediului picturii. Astfel de anchete au inclus o explorare a modului în care introducerea luminii creează adesea umbre și lumini. Sunt, de asemenea, interesat de modul în care scara și compoziția pot crea tensiune vizuală într-o pictură sau într-un întreg corp de lucru. Acestea sunt elementele mai formale ale compoziției, dar încerc să le consider în tandem cu narațiunile pe care le dezvolt în picturi. Realizarea de machete și colaje de hârtie folosind „culoare plată” m-a provocat să iau în considerare tipurile de acoperire cu perii și vopsele care creează impresii de „planeitate”. Tăierea hârtiei și împăturirea înapoi pentru a dezvălui un alt strat de culoare dedesubt funcționează la un nivel formal, având în același timp o semnificație simbolică legată de sine - ascunderea și dezvăluirea unor părți ale sinelui. Eu încerc să dau formă acestor gânduri. O mare parte din această explorare a început cu machete și gândindu-se la aspectul tridimensional al unui obiect din spațiu. Clapele, găurile, tentaculele și umbrele care apar în aceste obiecte sculpturale au evoluat treptat și au fost transformate prin pictură.
JL: În actuala dvs. expoziție solo, „How We Roam”, se simte că personajele din tablourile dvs. se angajează în călătorii curioase sau speculative. Este aceasta o metaforă a procesului creativ?
AP: Da, da. Există referințe la portretul clasic, picturile de peisaj și sublimul din istoria artei. Multe dintre picturile mele înfățișează figuri în pustie, poate cucerind terenul sau care au ajuns la vârful unui munte, ca în pictură Rătăcitor. Pentru mine, ideea unei figuri care cutreieră sălbăticia este, fără îndoială, o metaforă a procesului creativ, care poate împinge un artist în afara zonei de confort. Ne poate face să ne simțim vulnerabili, pe măsură ce testăm lucruri noi, dar în cele din urmă procesul recompensează și revigorează spiritul uman. Acest motiv simplu este dezvoltat pe parcursul acestei noi serii de picturi, care sper să îl determine pe spectator să pună întrebări despre lucrare și să fie curios.
Alison Pilkington este o artistă care trăiește și lucrează în Dublin. „How We Roam” se prezintă în prezent la The Dock, Carrick-on-Shannon până la 2 iunie și va fi prezentat ulterior la Ashford Gallery, RHA în septembrie 2018.
alisonpilkington.com
Fotografie credite:
Vedere a schițelor de caiete ale Alison Pilkington
Alison Pilkington, Rătăcitor, 2017, ulei pe pânză
Alison Pilkington, natură 2017, ulei pe pânză
