JOANNE LAWS INTERVIEAZĂ CU ALISON PILKINGTON DESPRE METODELE ȘI INFLUENȚELE CARE SUBTERINĂ CORPUL SĂU DE ACTUALITATE.
JL: Picturile tale par să combine abordări abstracte, schematice și figurative. Ești conștient de faptul că ai o anumită estetică în minte atunci când te angajezi într-o pictură?
AP: Abordarea mea estetică sau stilul meu de pictură a evoluat mult în ultimii zece ani, în special de când am început un doctorat bazat pe practică la NCAD, pe care l-am început în 2009 și l-am finalizat în 2015. În această perioadă, am făcut o pauză destul de deliberată de la pictura abstractă gestuală. Cred că am simțit nevoia să mă eliberez de un anumit stil de pictură. Este ironic faptul că pictura abstractă gestuală - care este considerată o modalitate atât de liberă și intuitivă de a manipula vopseaua - devenea restrictivă și sufocantă pentru mine. Făcând aceste schimbări deliberate, am simțit că pot explora mediul picturii ca un proces activ de cercetare care ar putea avea o gamă largă de rezultate posibile. Am vrut să mă concentrez mai mult pe narațiunile personale și să explorez modul în care aș putea exprima aceste narațiuni prin intermediul picturii. De asemenea, am vrut să explorez posibilitățile figurative în cadrul lucrării. Atunci am început să explorez colajul și machetele ca sugestii creative pentru picturi. Opera anumitor artiști, care au deschis calea către abordări mai fluide ale picturii, a fost o mare influență pentru mine în acest sens. Printre aceștia se numără artistul german Martin Kippenberger (1953–1997) și artiști mai contemporani, precum pictorița abstractă Charline Von Heyl, stabilită la New York, și pictorița americană Amy Sillman.
JL: Puteți să prezentați pe scurt ancheta dvs. de doctorat și modul în care această cercetare ar fi putut modifica abordările dvs. de pictură?
AP: După cum vă va spune oricine a făcut un doctorat, cercetarea doctorală este o călătorie complexă și de lungă durată. Pentru mine, au existat multe descoperiri despre „de ce”-ul picturii mai mult decât despre „cum”-ul acesteia – un proces reflexiv care a inclus o explorare riguroasă a relevanței sau validității mediului artistic ca metodă de cercetare. Există și alte căi legate de cercetare pe care aș dori acum să le explorez în continuare, cum ar fi încadrarea procesului creativ ca un spațiu radical pentru agenția artistică – ceva ce se leagă de noul meu corpus de lucrări.
JL: Poate ați putea contura câteva dintre metodele dvs. de cercetare?
AP: Munca mea începe de obicei cu schițe, desene și studii în acuarelă. Îmi notez notițe, gânduri și idei în jurnalele mele. Îmi place libertatea de a desena în caiete de schițe și jurnale și am tendința să am două sau trei la îndemână în orice moment. Încerc să fac conexiuni între ceea ce gândesc și despre ce scriu în jurnalele mele și imaginile care apar în caiete. În cele din urmă, picturile sunt o extensie a acestui proces investigativ - o abordare care mă ajută să păstrez o slăbiciune în picturile mele. În loc să fac copii picturale directe ale machetelor și colajelor mele, le folosesc ca referințe care pot fi transformate prin procesul de pictură.
JL: Puteți contura câteva dintre influențele dvs. istorice ale artei?
AP: Referințele la pictură din diferite perioade ale istoriei artei apar frecvent în lucrările mele. Uneori, aceste asocieri sunt făcute inconștient și abia într-o etapă ulterioară le-aș putea recunoaște semnificația. Cu toate acestea, există unele referințe explicite și recurente la picturi individuale pe care le găsesc în mod constant convingătoare, curioase sau ciudate, atât în ceea ce privește abordările artistului față de compoziție, cât și în ceea ce privește conținutul narativ al operei. O pictură de Pietro Longhi, intitulată Clara Rinocerul (1751), mă interesează de ceva vreme. Am realizat mai multe picturi care exprimă fascinația mea pentru stranietatea sa și preocuparea mea de a-i interpreta semnificația. Acesta a fost un lucru pe care l-am explorat pe larg în timpul cercetării mele de doctorat. Magritte este o altă piatră de temelie importantă pentru munca mea, bazată pe explorarea de-o viață a artistului asupra picturii ca ceva „inerent misterios”. Opera lui Magritte a redat obiecte de zi cu zi în scene ciudate, nefamiliare sau stranii, iar acesta este un lucru care m-a inspirat frecvent. De asemenea, îmi plac picturile din perioada barocă de la începutul secolului al XVII-lea, inclusiv lucrări de Rembrandt, Velasquez, Rubens și Poussin. Încerc să recreez puțin din drama lor în picturile mele, prin utilizarea unor surse de lumină puternice, experimente cu scara și prin sugestia unor narațiuni subiacente.
JL: O mare parte din munca ta prezintă o preocupare pentru profunzimea câmpului. Puteți discuta picturile dvs. în termeni de trompe l'oeil și tratamentul dvs. de suprafețe?
AP: Cred că acest lucru a izvorât din preocuparea mea pentru specificul mediului picturii. Astfel de cercetări au inclus o explorare a modului în care introducerea luminii creează adesea umbre și lumini. De asemenea, mă interesează modul în care scara și compoziția pot crea tensiune vizuală într-o pictură sau într-o întreagă operă. Acestea sunt elementele mai formale ale compoziției, dar încerc să le iau în considerare în tandem cu narațiunile pe care le dezvolt în picturi. Realizarea de machete și colaje din hârtie folosind „culoare plată” m-a provocat să iau în considerare tipurile de pensulare și acoperire cu vopsea care creează impresii de „plat”. Tăierea prin hârtie și plierea ei pentru a dezvălui un alt strat de culoare dedesubt funcționează la un nivel formal, având în același timp o semnificație simbolică legată de sine - de ascunderea și dezvăluirea unor părți ale sinelui. Sunt eu care încerc să dau formă acestor gânduri. O mare parte din această explorare a început cu machetele și cu reflecția asupra aspectului tridimensional al unui obiect în spațiu. Clapetele, găurile, tentaculele și umbrele care apar în aceste obiecte sculpturale au evoluat treptat și au fost transformate prin pictură.
JL: În actuala dvs. expoziție solo, „How We Roam”, se simte că personajele din tablourile dvs. se angajează în călătorii curioase sau speculative. Este aceasta o metaforă a procesului creativ?
AP: Da, este. Există referințe la portretistica clasică, picturile peisagistice și sublimul din istoria artei. Multe dintre picturile mele înfățișează figuri în sălbăticie, poate cucerind terenul sau ajungând în vârful unui munte, ca în pictura „ Rătăcitorul” . Pentru mine, ideea unei figuri care cutreieră sălbăticia este, fără îndoială, o metaforă pentru procesul creativ, care poate împinge un artist în afara zonei sale de confort. Ne poate face să ne simțim vulnerabili, pe măsură ce testăm lucruri noi, dar, în cele din urmă, procesul recompensează și revigorează spiritul uman. Acest motiv simplu este dezvoltat în această nouă serie de picturi, care sper că îl va determina pe privitor să pună întrebări despre lucrări și să fie curios.
Alison Pilkington este o artistă care trăiește și lucrează în Dublin. „How We Roam” se prezintă în prezent la The Dock, Carrick-on-Shannon până la 2 iunie și va fi prezentat ulterior la Ashford Gallery, RHA în septembrie 2018.
alisonpilkington.com
Fotografie credite:
Vedere a schițelor de caiete ale Alison Pilkington
Alison Pilkington, Rătăcitor, 2017, ulei pe pânză
Alison Pilkington, natură 2017, ulei pe pânză
