JOANNE LAWS LE INTERVIEAZĂ KEVIN ATHERTON, FRANCES HEGARTY ȘI ANDREW STONES DESPRE EVOLUȚIA PRACTICIILOR LOR DE FILM.
Joanne Laws: Cum abordați cercetarea și care sunt câteva dintre temele proeminente care au apărut până în prezent în practica dvs. de imagine în mișcare?
Kevin Atherton: Cuvântul „cercetare” a intrat în vocabularul artiștilor vizuali atunci când vorbesc despre ceea ce fac, rezultând o combinație de practică și cercetare, ceea ce a dus la multă postură și confuzie. Aud artiști care vorbesc despre cercetarea lor și, deseori, la ce se referă ei este „ingeniozitatea” de modă veche. În ceea ce privește cercetarea mea, nu sunt sigur dacă fac cercetări deloc sau, alternativ, că o fac tot timpul. Doctoratul meu în cultura vizuală în 2010 – intitulat: Atherton on Atherton, O examinare a rolului autoreflexiv al limbajului în examinarea critică a practicii artei vizuale printr-o analiză a lucrării lui Kevin Atherton – a avut scopul de a contesta relația dintre scris și vizual. De asemenea, s-a intenționat să provoace noțiunea de cercetare a artei vizuale. Tema proeminentă în munca mea din ultimii cincizeci de ani a fost identitatea.
Frances Hegarty și Andrew Stones: Nu avem o abordare ordonată între cercetare și rezultat. Trebuie să reconciliăm constant două perspective individuale, fiecare cu propriile sale complexități. Permitem o oarecare dezordine și o mulțime de „elaborare” sau testare a propozițiilor semiformate. Unul dintre proiectele noastre – „Tactically Yours” la Butler Gallery (23 iunie - 29 iulie 2007) – a fost parțial despre acest proces. De obicei, începem cu un site sau un obiect care ne-a stârnit interesul comun (cum ar fi un teren sau o fabrică distrusă). De obicei constatăm că avem investiții diferite în obiect, dar stabilim un teren comun suficient pentru a ne gândi, să zicem, o imagine durațională, sau o serie de gesturi performative, specifice acestuia. Energia noastră timpurie intră astfel în acțiune care produce ceva nou (de obicei, înregistrări de un fel). Interogăm materialul în curs de dezvoltare cu referire la ceea ce s-ar putea numi un corp comun de cunoștințe. Oricare dintre noi ar putea fi nevoit să încorporeze elemente care par contra-intuitive sau antagonice. De exemplu, fiecare a trebuit să punem la îndoială simțurile noastre individuale de apartenență națională și culturală – propriile nostalgii. Multe idei nu supraviețuiesc în forma lor originală. Pentru expoziție dorim, în primul rând, să creăm un câmp implicant de afect, să angajăm privitorul într-un răspuns gândit și simțit la ideile care ne-au ocupat, în timp ce realizăm lucrarea.
JL: Puteți sublinia unele dintre cerințele dumneavoastră tehnice – cum ar fi accesul la echipamente de producție sau la facilități de editare – și modul în care acestea influențează formatul filmelor dvs.?
KA: Mi-am dat seama destul de devreme în cariera mea că poziția mea de regizor de film era în fața obiectivului camerei, mai degrabă decât în spatele acestuia. Din 2014, fac videoclipuri care includ unele dintre primele mele filme și videoclipuri. Reintrarea în lucrările mele anterioare poate simți uneori ca să stau pe o bandă Möbius în mișcare, unde trecutul și prezentul se împletesc și devin foarte complicate. Simt că, în calitate de realizator al unor exemple timpurii de „Cinema extins”, am pus anumite lucruri în mișcare în anii 1970 și că le ajung din nou din urmă acum. Asta înseamnă că am nevoie de o persoană tehnică bună, atât care să înregistreze, cât și să editeze ceea ce fac, dar și de cineva care să „înțeleagă” și să „mă ia”.
FH și AS: producția noastră video și audio este internă și digitală. În calitate de artiști care au lucrat cu casete în suite de editare angajate, ne bucurăm foarte mult să avem o practică fluidă, continuă a imaginilor în mișcare, care nu se bazează pe fonduri de producție inițiale. Cu toate acestea, lucrările noastre finite depind în mare măsură de modul lor de expunere. Este necesar ca noi să fim cel puțin la fel de implicați cu tehnologiile de planificare și instalare ca și cu editarea video/sunet. Cea mai recentă expoziție „The Land That…” la The MAC, Belfast (12 aprilie – 7 iulie) a inclus nouă fluxuri video, cu tot atâtea ecrane, fluxuri audio multiple, obiecte și iluminare automată. A trebuit să gândim în termeni de linii temporale paralele și grade de sincronizare și alunecare, deoarece am căutat să animam mai multe spații fără ca întregul să devină confuz pentru simțuri. În timp ce editam video și sunet, am folosit un model 3D virtual pentru a vizualiza întreaga lucrare în galerie. În faza finală, ne-am bazat pe angajamentul echipei exemplare de la MAC de a realiza în realitate ceea ce am modelat în spațiul virtual.
JL: Fiecare dintre voi are filme care apar în colecția LUX. Cât de importante sunt arhivele internaționale și agențiile de distribuție în promovarea practicilor și discursurilor de imagine în mișcare ale artiștilor? Dintr-o perspectivă de arhivă, cum te-ai descurcat cu formatele și tehnologiile de film care au devenit demodate de-a lungul anilor?
KA: În anii 1970, am folosit London Video Arts (care a devenit LUX) pentru a-mi distribui lucrarea și, mai neobișnuit în anii 1980, pentru a o produce. Acum LUX are în colecția lor copii ale acestor și ale altor lucrări mai recente ale mele. Am participat la câteva expoziții de grup la Whitechapel Gallery și la ICA în ultimii ani, unde lucrarea a fost obținută de la LUX, dar, în ciuda acestui fapt, nu simt că mă promovează activ. Dacă un curator urmărea o anumită temă, atunci îmi place să cred că LUX l-ar putea îndrepta către munca mea. Verificarea viitoare a muncii bazate pe timp nu este o problemă limitată la preocupări tehnice. Pentru ca munca să se dovedească a fi prezențială, subiectul ei va determina relevanța sa în viitor.
FH și AS: Chiar și atunci când sunt legitimate pe motive de incluziune, arhivele pot fi încă folosite foarte selectiv. Dacă discuția despre „arhive și distribuție” include „istoria și expunerea”, atunci implică și putere și reprezentare în jurul culturii artistice în general. Regulile de includere/excludere care se aplică artei în general se aplică și imaginii în mișcare? Ar trebui să fie un caz special? Din punct de vedere practic, nu cunoaștem o arhivă care să fi îndeplinit cu adevărat provocarea de a reprezenta lucrări de instalare pe mai multe ecrane după expoziție. În plus, dacă se pune accentul pe simpla specificitate media (este film, este video) sau problema tehnică a „protecției viitorului”, atunci contextul cultural detaliat din jurul lucrării arhivate poate fi neglijat. Din câte ne dăm seama, munca în arhive nu ne-a adus prea multă expunere, din punct de vedere al expoziției. Munca noastră este discutată în scrisul academic, adesea pe baza preocupărilor și efectelor sale, la fel de mult ca fiind film sau video. Pentru a răspunde acestui tip de interes, încercăm să ne menținem propria arhivă, să ne păstrăm operele accesibile în formă digitală.
JL: Poate ai putea discuta despre munca ta actuală și despre orice plan de viitor?
KA: Anul trecut am colaborat cu Museo internazionale delle marionete Antonio Pasqualino din Palermo la o versiune de marionetă a piesei mele video/performance aflate în desfășurare, În două minți (1978–2019). Am lucrat cu un păpușar priceput la muzeu care a făcut două marionete pentru proiect. Aceste păpuși ale mele la vârsta de 27 de ani și ale mea acum ca bătrân, sunt îmbrăcate identic, dar cel mai tânăr încă mai fumează. După ce am făcut cele două păpuși pentru a fi într-un videoclip nou, acum sunt interesat să le folosesc pentru a-mi face munca pentru mine. Sunt nerăbdător să văd cu ce idei ar putea veni.
FH și AS: „That Land That…” la MAC este punctul culminant al muncii de mai mulți ani. Poate fi reconfigurat pentru alte spații. Intenționăm să facem un film compilație de lucrări realizate „în și din” Irlanda: Senzație peste noapte (Belfast, 2001), Ex Machina (Carlow, 2006) Țara care… (Donegal, 2010–15). Asta ar fi pentru proiecții de cinema, cu sunet surround. Între timp, Frances se angajează în noi lucrări de studio, care implică desene mari cu texte înrudite; Andrew lucrează la lucrări video duble și cu un singur ecran, lucrări audio și muzicale și o colaborare online cu artiștii din Derry Locky Morris și Conor McFeely.
Lucrările video ale lui Kevin Atherton au fost expuse în expoziții istorice cheie, cum ar fi „Changing Channels: Art and Television 1963-1987”, MUMOK, Viena 2010. Lucrarea sa, În două minți (1978–2014), se află în colecția IMMA.
Frances Hegarty și Andrew Stones au fiecare practici individuale de mai multe decenii și au lucrat în colaborare din 1997.
Imagine recomandată: Frances Hegarty și Andrew Stones, „The Land That…”, 2019, vedere instalație; imagine © și amabilitatea artiștilor.
