JOANNE LAWS INTERVJUJE DAPHNE WRIGHT PRED NJENO SAMOSTOJNO RAZSTAVO V MUZEJU ASHMOLEAN.
Joanne Laws: Obe sva študirali na Sligo RTC (zdaj Atlantic Technological University). Jaz sem študirala likovno umetnost konec 90. let, v navdihujočem obdobju za irske kiparke. Je bil v tem času prisoten optimizem ali se je zagon zgodil kljub vsemu?
Daphne Wright: No, vsi so odšli v 80. letih – recesija je bila brutalna. Jaz sem Irsko zapustila leta 1989. V 90. letih se spomnim le, da sem hodila od štipendije do štipendije in od specializacije do specializacije, da bi ohranila svojo prakso. Bila sem štipendistka v Cheltenhamu, štipendistka Henryja Moora v Manchestru in eno leto sem preživela na Britanski šoli v Rimu. Med mojim izobraževanjem v Sligu v zgodnjih 80. letih so nam nenehno opozarjali na resnično močne kiparke; ves čas sem se učila skozi pogovore in pogovore. V takratnem učiteljskem osebju v Sligu so bili Seán Larkin, Seán McSweeney, Fred Conlon, Con Lynch, Nuala Maloney, Ruairí Ó Cuív, Seán O'Reilly in John O'Leary. Bila sta tudi Robert Stewart in Peter Charney – bil je Avstralec in je imel povsem drugačno stališče. Študirala sem kiparstvo in keramiko, vendar smo bili tako majhna skupina, da smo bili vsi med seboj prijazni.
JL: Zdaj, ko ste spet v Dublinu, imate studio?
DW: Dve sobi v hiši sem združil v en prostor in tam običajno delam. Za to sem zelo hvaležen, saj je najem studia preprosto tako drag. Tako sem moral početi, odkar imam otroke; postal je poseben proces in obožujem rutino. Ko izdelujem veliko skulpturo, začasno najamem delavnico mizarja na severozahodu Irske.
JL: Kako izgleda vaša vsakodnevna studijska rutina?
DW: Veliko časa sem porabil za testiranje, raziskovanje in izdelovanje stvari. Ne samo, da preizkušam materiale; hkrati tudi berem, raziskujem in hranim svoje možgane. Ko začnem razumeti, kaj počnem, potem izdelujem – kar je pogosto najlepši del. Občasno sem se lotil res velikega dela, pri katerem ni šlo le za izdelavo, ampak tudi za zbiranje denarja za njegovo financiranje.
JL: Figuri vaših dveh sinov v naravni velikosti sta se že pojavljali v vaših delih. Ali sta bili narejeni z livarskimi postopki?
DW: Ko so bili fantje manjši, sem naredil Kuhinjska miza (2014) v ročno poslikani barvi Jesmonit, kar je vključevalo ulivanje vsakega posebej v manjših kosih. To se je zgodilo, ko so se ravno prebujali iz otroštva in vstopali v adolescenco. Več kot deset let pozneje sem dosegel soglasje, da jih ponovno ulijem, zdaj ko so na pragu moškosti, za novo delo z naslovom Sinovi in kavč (2025), ki bo prvič razstavljen to poletje.
Figure so popolni odlitki in so votle. Izdelane so bile s staromodno tehnologijo livarstva, kar je res pomembno. Ni računalniško generirano ali natisnjeno s 3D-tiskalnikom; gre za zelo delovno intenziven, tradicionalen postopek. Za osebo, ki jo ulivajo, je to tudi precejšen podvig, saj je telo popolnoma obdano z ovojem, čeprav v različnih obdobjih. Z mavcem vzamete kalup telesa, kot da bi ujeli trenutek v času.
Ko so odlitki sestavljeni v celoten kip, je vse pobarvano v umirjeni barvi – barvi, ki ima bistvo spomina. Ne gre za pravo barvo, ampak za to, kako si jo lahko zapomnimo. Figure so nato sestavljene v instalacijo ali kiparski prizor. S tem se trenutno spopadam, saj imam včasih več elementov, kot jih potrebujem. To je lahko mukotrpen proces, saj je treba vse skupaj zreducirati na tisto, kar je potrebno in kar deluje.
JL: Zdi se, da je domači element ponavljajoča se tema v vaših kiparskih aranžmajih, ki vključujejo figure, osebne predmete, rastline in gospodinjske aparate. Zakaj je tako?
DW: No, obstaja nekaj stvari, zaradi katerih je to precej zapleteno. Prvič, ko obiščeš muzeje, ugotoviš, da je v zbirkah zastopanih zelo malo umetnic. Nekaj res zanimivega je pri odlitkih in ujetosti časa, ki monumentalizirajo domače, hkrati pa materinstvo in ženskost postavljajo v središče muzeja. Poleg tega se pogosto sprašujem, zakaj so v naših muzejih določeni predmeti nemi ali tihi. Verjetno postanejo stagnirajoči in njihov občutek, da so umetniško delo, dejansko izgine. Zame je to osrednja skrb. Ko ima umetniško delo svojo prisotnost in dušo, potem druge stvari postanejo le rekviziti.
Poleg Sinov in kavča bodo na razstavi še drugi predmeti, vključno z Tihožitje iz hladilnika (2021) – odprt hladilnik iz nežgane gline, v katerem so običajne stvari na policah, na primer piščanec, pripravljen za pečico. Na vrhu hladilnika je velika vaza s tulipani, ki so v procesu razpadanja. Torej je v mnogih pogledih sodobno tihožitje, ki vzbuja vprašanja v središču domačega življenja: kdo polni hladilnik, kdo ga prazni in za koga kuhamo?
JL: To poletje bo v muzeju Ashmolean v Oxfordu predstavljena vaša samostojna razstava. Predstavljena bodo nova dela, ki so nastala kot odziv na skulpture v galeriji Ashmolean Cast. Kaj nam lahko poveste o tej razstavi?
DW: Naslov razstave »Globoko zakoreninjene stvari« je vzet iz vrstice Yeatove pesmi, Ponovni obisk Mestne galerije (1939): »Moji otroci bodo tukaj morda našli globoko zakoreninjene stvari.« Galerija odlitkov Ashmolean je precej neverjetna. Vsebuje skoraj popolne starogrške in rimske odlitke. Obstaja fascinantna zbirka športnikov, ki resnično še vedno ohranjajo kvalitete mladih moških. Otroke sem veliko peljal v Ashmolean, ko so bili majhni, zato je to na nek način del njihove vzgoje in učenja. Fascinacija, ki jo človek kot mater in kot umetnica prevzame nad predmeti, ga prevzame s fascinacijo.
Razstava se odziva tudi na zbirko galerije Hugh Lane, pri čemer se posebej osredotoča na tradicijo slikanja tihožitij. Zbirka vsebuje cvetlične slike nekaterih prvih Irk, ki so obiskovale univerzo ali umetniško fakulteto, mnoge od njih pa so študirale v Združenem kraljestvu ali Franciji. Njihove cvetlične slike so precej lepe in tiho radikalne. Na ogled je tudi nekaj zelo ganljivih portretov, vključno s čudovitim portretom W. B. Yeatsa kot dečka, ki bere knjigo, ki ga je okoli leta 1886 naslikal njegov oče John Butler Yeats.
Ta umetniška dela bodo reproducirana v spremni publikaciji, skupaj z besedili Emily LaBarge ter direktorja muzeja Ashmolean, Alexandra Sturgisa, in direktorice galerije Hugh Lane, Barbare Dawson. Razstava združuje te institucije in preučuje razlike v njihovih zbirkah: ena je vrhunska zbirka antike, druga pa je sodobnejša nacionalna zbirka s sodobnimi deli. Uporabljajo različne jezike, a zame je vse skupaj muzeologija, prežeta z domačim.
JL: Zdi se, da se skozi stoletja ponavlja tema mladih moških?
DW: Res je – mladi moški na ključni točki v svojem življenju, pa naj bodo to mladi športniki iz zbirke Ashmolean ali moji sinovi na pragu odraslosti. Lahko bi rekli, da so bili mladi moški pod podobnim pritiskom tako v klasični kot v sodobni dobi. Velik del tega podteksta ni verbalen; vendar ga nagonsko poznamo. Mislim, da je to v veliki meri tisto, kjer moje delo obstaja – na teh pragovih, ki so splošno razumljeni.
»Ashmolean Now, Daphne Wright: Deep-Rooted Things« bo na ogled v muzeju Ashmolean v Oxfordu od 13. junija 2025 do 8. februarja 2026. Izdelavo novih del za to razstavo je podprla nagrada za vizualni umetniški projekt, ki jo podeljuje Irski umetniški svet.
ashmolean.org
