JOANNE LAGAR INTERVJU ELIZABETH MAGILL OM Hennes MÅLNINGSÖVNING.
Joanne Laws: Kan du beskriva din studiomiljö och din målningsrutin?
Elizabeth Magill: Min studio är i ett komplex med andra artister som drivs av organisationen ACME i East London. Det är en 700 kvadratmeter vit kub med ljus som kommer in från söder och tittar på Mill Row, en smal enkelriktad gata som är skuggad av en fyra våningar brun tegelsten och grå betongblock av rådslägenheter, byggd på 1970-talet. Jag har varit här länge, så jag är van vid den här uppfattningen. Jag gillar dess låga visuella störningar. Jag har också en mindre arbetsyta vid Antrim-kusten, men när jag är där verkar jag bara stirra på den vackra utsikten över havet. Min rutin är intermittent, eftersom jag ofta springer och gör andra saker. Jag har haft mer sammanfattade studioperioder tidigare, när jag jobbade minst sex dagar i veckan, ibland arbetat hela dagen och hela natten, men det här är inte jag längre.
JL: Jag läste någonstans att du inte nödvändigtvis hänvisar till dig själv som en landskapsmålare och ändå är ett livslångt engagemang för landskap tydligt i ditt arbete. Vilka nationella landskap brukar du dra, om någon?
EM: Jag är upptagen av genren landskap som ett sätt att utforska konstens språk, måleriets möjligheter och idéer kring personlig biografi. För mig verkar det erbjuda ett utrymme att försöka tänka på den större bilden och vad det innebär att vara en del av denna värld. Landskapet som kommer in i mitt arbete kommer mest från de geografiska särdragen runt Glens of Antrim där jag växte upp. Det verkar ha gett mig någon form av en visuell bakgrund. Detta speciella hörn av Irland är naturligtvis ganska vackert men historien där verkar ofta vara i strid med eller i konflikt med denna naturliga skönhet. Den avlidne, stora John Berger, i sin senaste publikation, Landskap: John Berger om konst, skrev: ”Ibland verkar ett landskap vara mindre en miljö för invånarnas liv än en gardin bakom vilken deras kamp, prestationer och olyckor äger rum ... landmärken är inte längre bara geografiska utan också biografiska och personliga”.
JL: Vilka aspekter av den traditionella kanon för landskapsmålning intresserar dig mest?
EM: Det finns många konstnärer som jag beundrar som specifikt faller inom denna mer 'traditionella' kategori av landskapsmålning. För att nämna några skulle jag inkludera Van Gogh, Cezanne, Turner, Courbet, Munch, Balka, Constable, Whistler, Corot och många ryska artister från XNUMX-talet, särskilt Levitan. Jag gillar också landskapsmålningarna av Kurt Schwitters, när han bodde på landsbygden i Norge efter att ha flydt från Nazityskland. Samtida konstnärer som jag gillar vars målningar också förkroppsligar landskap inkluderar Per Kirkeby, Gerhard Richter, Ed Ruscha, Richard Long, Peter Doig och Chris Ofili, kanske Keifers tidiga verk, Mamma Andersson och Neo Rauch. Men jag är lika intresserad av fotografer, särskilt Annelies Strba, Thomas Struth och några viktorianer som Henry Peach Robinson, Oscar Gustave Rejlander och Clementina Hawarden.
JL: Litteratur, särskilt irländsk litteratur, är en konstform som har gripits med landskapets komplexitet över tiden. Påverkar detta alls ditt arbete?
EM: Med mina fotograferings- och tryckintressen och min användning av flera olika medier försöker jag skapa en känsla av hybriditet i mitt arbete så att det inte lätt kan ingå i en diskurs. Experimentella modernistiska irländska författare Beckett och Joyce har enormt påverkat mitt tänkande med sin otroliga talang för att hålla fast i strukturen i sina berättelser samtidigt som de till synes kastar dem i luften. Det är detta självförtroende med språket, blandat med en hälsosam bortsett från och kärleken till mediet, som jag försöker efterlikna. Andra böcker som har berikat mitt tänkande, särskilt i förhållande till landskapet, kan beskrivas som halvvandringar eller journalistiska observationer.
Jag korsade minken av Louis MacNeice var en uppdragsbok som han genomförde våren och sommaren 1937 när han besökte de västra öarna i Skottland. Det visade sig vara ett slags vördnad. Men kontrasterar de fysiska och emotionella svårigheter som MacNeice stött på avslutar han sin bok med en otroligt rörande dikt, På dessa öar, som förvandlar hårdheten han upplevde till en djupgående skildring av ett folk och deras allt försvunna kultur vid vattnet. Simon Schama Landskap och minne, Roger Deakins Wildwood: En resa genom träd och Saturnusringar av WG Sebald avser också resor, både geografiska och sinnesmässiga. Jag gillade också Joseph Conrads Hjärta av mörker, Truman Capotes In Cold Blood, JM Coetzee's I hjärtat av landet, Flannery O'Connor's, wise Blod och Adam Nicholsons, Sea Room. Jag gillar hur dessa författare skapar en stark känsla av plats och rötter läsaren i en annan värld.
JL: För mig har dina landskapsmålningar ofta häpnadsväckande, onaturliga eller till och med övernaturliga element: en olycksbådande glöd, en underförstådd explosion eller avvikande komponenter som ett syntetiskt färgat träd. Finns det en känsla av att du försöker undergräva eller bryta dig loss från stillheten (och det historiska bagaget) i pastoral scenen?
EM: De häpnadsväckande eller övernaturliga elementen du hänvisar till kan bara vara ett tecken på temperament. Jag är inte säker. Jag antar att jag lockas av kontrasterande element och viktiga tider på dagen, som gryning eller skymning, där en lätt kan tippa in i den andra; mörkret som hotar att konsumera ljuset, eller vice versa. För mig skapar detta någon form av visuell friktion eller potentialen för händelser att utvecklas. Det verkar för mig att när natten faller kan himlen ofta se så ljus ut, i skarp kontrast till landets mörker. Det är alltid en riktig kamp för mig att ta mitt arbete till en plats som helt resonerar med hur jag känner, tänker och tolkar världen. Jag försöker skapa en slagverk av olika element som samexisterar. Jag gillar att det färdiga arbetet på något sätt verkar öppet för möjligheter, men också ändligt.
JL: Det finns en nästan batikliknande kvalitet på några av dina senaste målningar, med ytor som liknar spräckt vax, medan andra verk använder tryckprocesser. Hur man närmar sig ytan som målare?
EM: Arbetets yta är något som kan hålla visuell uppmärksamhet och kanske betydelse. Strukturen är en helt integrerad del av målningen och ändå en separat sak i sig. Det uppnås genom en uppbyggnad av utspädd oljefärg och märkning, ofta under många månader, ibland år, tills jag når en känsla av plats eller något halvt trovärdigt att fortsätta arbeta med. Duken känns aldrig komplett förrän ytkvaliteten blir en visuell enhet i sig. Med senaste arbeten har jag skapat en annan typ av yta genom att använda silkscreen-utskrift ovanpå den målade duken. Med denna introduktion har jag hittat direkta sätt att integrera mina fotografier i det målade området. Detta skapar i sin tur en dialog mellan måleriet och den fotografiska bilden eller suddar ut gränsen mellan de två genrerna.
JL: Arkitektur och figurer visas sällan i dina landskap. Är detta ett medvetet fokus på den imponerande storheten i naturen bortom en mer humaniserad skala?
EM: Även om mitt arbete uppfattas som obebodt, visas figurer och byggnader ofta. Jag försöker arbeta med dessa element på ett sådant sätt att de inte blir för dominerande. Jag tycker att om en konstgjord struktur eller figur är huvudfokus för uppmärksamhet, kan det totala arbetet äventyras, med landskapet blir sekundärt eller en bakgrund för någon underförstådd berättelse. För ett antal år sedan besökte jag dock studiobyggnaderna som Henry Moore hade byggt i byn Much Hadham i Hertfordshire, England, lokalt känd som "Hogsland". Jag tycker att studior är som centra där tankar och konst kan bildas internt. Kanske inne i en konstnärs huvud finns det en "studio" av tankar som hela tiden pågår. År 2016 slutförde jag en målning med titeln Hogsland, placera strukturen i Moores studiobyggnad i mitten av min duk som ett idécentrum. Denna tankegång hade också ett visst inflytande med titeln på min kommande turnéutställning "Headland". Udde är ett geografiskt landmärke (ofta sett på avstånd) som för mig också representerar de mentala processer som pågår i ens sinne.
Elizabeth Magill föddes i Kanada, uppvuxen i norra Irland och bor i London. Hon representeras av Anthony Wilkinson, London och Kerlin Gallery, Dublin.
Magills separatutställning 'Headland' är curerad och turnerad av Limerick City Gallery of Art (LCGA) i samarbete med RHA, Dublin och Ulster Museum, Belfast. Projektet har stöttats genom konstrådets schema för turné och spridning av arbete. Utställningen lanseras på LCGA den 8 september 2017 med en introduktion av Dr. Barbara Dawson, chef för Hugh Lane Gallery, Dublin. Utställningen kommer sedan att presenteras på RHA från 18 januari 2018 och Ulster Museum från maj 2018 och framåt. Konstnären kommer att prata med Stephen Snoddy lördag 9 september kl 12 i LCGA.
Bilder som används: Elizabeth Magill, Udde, 2016–17, olja och silkscreen på duk; bild med tillstånd Hugo Glendinning och konstnären. Elizabeth Magill, Längs, 2016 –17; bild med tillstånd av Wilkinson Gallery och konstnären.
