JENNIFER TROUTON OCH SIAN COSTELLO DISKUTERAR SIDA FÖRSÄTTNINGAR TILL MÅLNING OCH DERAS RESPEKTIVA UTSTÄLLNINGAR PÅ ORMSTON HOUSE.
Jennifer Trouton: Min målarpraktik är inspirerad av mitt intresse för den historiska nedvärderingen av kvinnliga konstnärer och genrer som de, på grund av bristande tillgång, tvingades acceptera. För många år sedan läste jag ett citat av grundare av Royal Academy of Arts, Sir Joshua Reynolds: "Låt män sysselsätta sig med allt som har med stor konst att göra... låt kvinnor sysselsätta sig med... att måla blommor."1 Detta drev mig mot kvinnliga målare som Vanessa Bell, Angelica Kauffman och Rachel Ruysch. Detta ledde i sin tur till att jag gjorde kodade samtida stillebenmålningar som berättar historien om kvinnors levda upplevelser genom de föremål och utrymmen som vittnade om deras liv. Jag tror att våra metoder har feministiska angelägenheter i sin kärna, men där jag utforskar utrymmen och föremål, utforskar du den kvinnliga formen och omformar dess roll i konsthistorien.
Sian Costello: Jag älskar hur din användning av stilleben samtidigt reflekterar både frånvaron och den ständiga närvaron av kvinnor genom konsthistorien och det samtida samhället. Jag använder ofta målningar från barock- och rokokoperioderna som referensmaterial och fascineras av rollen som konstnärens modell som en allmänt okrediterad samarbetspartner i skapandet av dessa hyllade och inflytelserika konstverk. Jag ser detta som en förlängning av den bredare trivialiseringen av kvinnligt arbete. I mina målningar använder jag min egen kropp som modell för att omvärdera det fysiska arbetet som är involverat i att bibehålla en pose och invertera den etablerade maktdynamiken mellan konstnär, modell och betraktare.
JT: Jag tillbringar månader, till och med år, med att undersöka och utveckla mina bilder innan jag närmar mig en duk. För mig känns det att börja målningen som ett sista steg, eftersom det mesta av beslutsfattandet redan är gjort. Men jag tittar på ditt arbete och får en verklig känsla av energi och lekfullhet, vilket får mig att tro att den fysiska handlingen att måla är mycket närmare starten på din kreativa process. Dina penseldrag föreslår ett mer intuitivt tillvägagångssätt.
SC: Jag försöker alltid måla från magen. Jag är vanligtvis osäker på hur målningen kommer att se ut i slutet, men jag tycker snarare om processen att ta reda på hur jag ska svara på varje nytt märke som läggs. Jag bygger mina målningar i lager, från en pastell under ritning på rå duk, till gesso, och sedan måste oljefärgen placeras strategiskt på de mer grundmålade områdena. Det är mitt sätt att hålla fast vid den impulsen att måla genom varje skede av tillverkningen, men det kan också resultera i en massa frustration och förlorad tid. Ibland önskar jag att jag hade en mer tillförlitlig process, men ärligt talat så tror jag att jag skulle börja bryta mig loss från den så fort jag hade den etablerad!
JT: Titlar är något som vi båda är överens om är viktiga i presentationen av vårt arbete. Jag tycker att verk utan titel är frustrerande och till och med nedslående. För mig är titlar den första vägvisaren för att läsa en bild. Jag tänker på mina målningar som kartor och titlarna är ledtrådar som ska avkodas. Jag lägger mycket tid på att överväga dem. Ibland kommer de i början, mitten eller slutet av processen, men de är aldrig förhastade eller en eftertanke.
SC: Jag har kommit att använda titlar som ett sätt att signalera något abstrakt i mitt bildspråk. Jag gillar att använda ordens ljud som ännu ett penseldrag, ett lager som engagerar betraktarens tunga och triggar ett minne som transporterar dem till någon annanstans än framför min målning. Desto bättre om effekten är humoristisk; till exempel, min målningsserie från 2023, 'Le Gubbeen', var baserad på Jean-Honoré Fragonards sena rokokomålning, La Gimblette (1770). Det är något väldigt roligt och okänsligt med ost.
JT: Vad tycker du om skönhetens roll i ditt arbete? Jag hänvisar ofta till mitt arbete som estetiskt tilltalande, men sällan vackert. Jag kämpar med skönhet eftersom det alltför ofta är kopplat till kvinnlighet och därför inte ses som ett allvarligt konstnärligt bekymmer. Att hänvisa till något som vackert kan potentiellt minska dess styrka och reducera det till ett dekorativt hantverk, vilket feministen i mig avskyr. Jag skapar medvetet attraktiva stillebenmålningar och använder färgpaletter som väcker en känsla av nostalgi. Detta är för att locka till mig min publik innan jag ber dem att också överväga de obekväma verkligheterna som finns inom dem. Punchen finns i skönheten.
SC: Ämnet som jag behandlar handlar direkt om strävan efter skönhet i den figurativa konstens historia. Jag är intresserad av vem som drar nytta av konstruktionen av skönhet, och vad som händer när samhället vänder på vad det en gång höll i uppskattad "god smak". Jag är särskilt nöjd med en tavla när jag känner att den vacklar på kanten av något vackert och något äckligt, som glansen på ett glansigt hårstrå, som vid närmare granskning verkar oljigt och otvättat.
JT: Som artist i 50-årsåldern är jag mycket medveten om att min utbildning och tidiga karriär var elektroniskt annorlunda än din. Jag var avlastad av den mängd information, bilder och möjligheter som dagens supersnabba internet ger. Och jag är inte säker på om jag skulle ha hittat min egen stil eller röst i samband med allt det där yttre bruset. Som Gen Z-artist, hur har internet och sociala medier påverkat din praktik, på gott eller ont?
SC: Jag tog examen i början av pandemin och kände mig därför särskilt sårbar för trycket av att tillfredsställa en publik och etablera ett konsekvent varumärke tidigt. Som sagt, sociala medier har varit väldigt snälla mot mig, och öppnat möjligheter som jag aldrig skulle ha kunnat komma åt utan stora konstvärldskopplingar i storstäder. Saker och ting känns mer demokratiska nu, men jag vet att det är viktigt att hålla kontakten med verkliga samhällen. Jag tror att det är nyckeln till att upprätthålla någon form av livslängd inom konsten efter college.
Jennifer Trouton är en artist baserad i Queen Street Studios i Belfast. Hennes kommande utställning, "In Plain Sight", kommer att visas på The RHA från 5 september till 5 oktober 2024.
jennifertrouton.com
Sian Costello är en konstnär som arbetar från James Street Artists' Studios i Limerick. Hennes senaste separatutställning, "Hot Child", visades på Ormston House från 26 juli till 31 augusti 2024.
@siancostelloart
1 Norman Bryson, Titta på det förbisedda: Fyra essäer om stillebensmålning (London: Reaktion Books, 1990)
