Kevin Kavanagh Gallery, Dublin, 1 juni - 1 juli 2017
Låt mig börja med att erkänna en sak: under de senaste två åren har jag intervjuat Diana Copperwhite två gånger framför kameran. Under dessa samtal berörde vi knappt det formalistiska "vad?" i hennes målningar i ett försök att undvika grumliga dialoger. De filmade samtalen var mer centrerade kring måleriets och målarens allmänna "varför?", dess natur och fostran; måleri som ett verb snarare än ett substantiv.
När jag blev ombedd att skriva en recension av Copperwhites solo-show, 'Crooked Orbit', på Kevin Kavanagh Gallery - vilket innebar att konfrontera 'vad är det?' fortsätt - jag slängde och vände innan jag accepterade inbjudan. Vad jag upptäckte var att veta 'varför?' kan färga din vision. Men innan vi åker dit, först en beskrivning. (Obs: Jag kommer inte att göra en obligatorisk beskrivning av varje målning i galleriet, för när du beskriver en av Copperwhites målningar beskriver du dem alla. Låter hårt - en för tidig kritik före fönsterförbandet - men det här är fallet för de flesta solopresentationer av målning som lutar sig på abstraktionens sida. Måleri som detta besegrar beskrivningen).
Sammansatt av cirka 10 målningar, som sträcker sig i skala från medelstora till ganska stora (i irländsk-målningsskala termer), är det första intrycket av Copperwhites nya verk att det finns liten variation i applikation, ton, form och komposition från en målning till nästa. Liksom hur någon som är döv för nyanserna i 'diddley-eye-musik' kan säga: "Det låter allt samma för mig!" Men en sådan musikalisk analogi slösas inte bort här.
I likhet med Mondrians jazzinspirerade Broadway Boogie Woogie (1943) eller Kandinskys användning av "kompositioner", "intryck" och "improvisationer" för att ge sina målningar titlar, använder Copperwhite även musikaliska adjektiv som "disharmoni" och "harmoni" när hon beskriver de spänningar och kontraster som finns inneboende i hennes målningar. Men musik är musik och måleri är måleri, och när vi diskuterar disharmoni och harmoni i termer av antonymer, befinner sig måleri inte i samma oförlåtande register som musik. Det visuella registret är mer subjektivt, medan brus är… bara brus.
Jag lägger direkt märke till hos Kevin Kavanagh att det inte finns några tecken på Copperwhites karaktäristiska målade porträtt – de där ansiktslösa ansiktena som jag har dragits till i tidigare separatutställningar som ett stabiliserande visuellt ankare. Känslan av att vara "lockad" av deras frånvaro får mig att leta efter något annat orienterande subjekt som gömmer sig under de tjocka täckena av Copperwhites korrigerande abstraktion. Men allt här går förlorat i suggestion, likt sargade figurer som ligger i post-coitala sängar. Allt är ibid . Så jag åberopar någon form av referenshistoria för att orientera mig. Om omloppsbanan vore rak skulle den vara tråkig.
I stort sett förstärker Copperwhites målningar efterkrigstidens europeiska och amerikanska måleri och teckning. I hennes hantering har dock existentialismen, expressionismen och machoismen i efterkrigstidens svältfiguration, av låt oss säga konstnärer som Alberto Giacometti och Edward Hopper, blivit helt fyllig och lysande. Copperwhites figurer är inte kollektivt ensamma på en diner på Manhattan och dricker kaffe à la Hoppers Nighthawks (1942), eller mejslade bort till en klump av orubblig mänsklighet på Giacomettis vis. Copperwhites figuration trycker mot färgklossar likt en knogesmörgås tryckt mot en nålskärmsleksak.
Virtuos rumänsk målare Adrian Ghenie kommer att tänka på som en samtida peer, men medan Copperwhite är en eländig figurativ detalj och en gruvarbetare av intuitiva bedömningar, ger Ghenie lite mer muskler och ben för vårt tittande nöje. Copperwhites arkitekturer kramar under en översvämning av färgglada gråtoner; hennes rörformiga spektrum och buntar av neon kvävs i en miasma av grå obeslutsamhet och osäkerhet, som ser ut som ny politik.
Även om det finns tillräckligt med raketmotorer av atomär mandarin och Nighthawks grönt neon för att suga åt sig hos Kevin Kavanagh, tycker jag ibland att det finns för mycket slump och intuition och inte tillräckligt med precision och kontroll i Copperwhites tillvägagångssätt (det är därför jag anser att konstnärens skarpa målade porträtt är ett viktigt inslag i en solopresentation av hennes verk).
Utställningens titel tvingar ett dubbeltag på marken nedanför och himlen ovanför - vår plats mellan. Och sedan för att dagdrömma: Jag är ett barn igen och svävar i förvåning över planetens system som färgglatt illustreras i något illaluktande uppslagsverk från förr och föreställer mig hur det ser ut och känns bortom Jupiter. Men Copperwhites målningar - även om de fortfarande är skuldsatta till en djup förundran - är närmare golvet, närmare hemmet, närmare självet.
På film beskrev Copperwhite ett första minne där hon sträcker sig efter en bunt med highlighters och hennes far blockerar hennes tillvägagångssätt. Hon beskrev sedan vad hon uppfattade som en förtryckande grå miljö i motsats till högljusarnas utom räckhåll. Ser bekant ut?
James Merrigan är en konstnär och konstkritiker baserad i Waterford City. Hans film Allt eller ingenting är också profilerat i detta nummer av VAN.
Bild: Diana Copperwhite, Krokig bana , 2017, olja på duk, 56 x 71 cm.
