Kevin Kavanagh Gallery, Dublin, 1 juni - 1 juli 2017
Låt jag börjar med att erkänna något: under de senaste två åren har jag intervjuat Diana Copperwhite två gånger på kameran. Under dessa samtal berörde vi knappt det formalistiska 'vad är det?' av hennes målningar i ett försök att undvika lerig dialog. De filmade konversationerna var mer centrerade kring generalen "varför?" av måleriet och målaren, naturen och vården av det hela; målning som ett verb snarare än ett substantiv.
När jag blev ombedd att skriva en recension av Copperwhites solo-show, 'Crooked Orbit', på Kevin Kavanagh Gallery - vilket innebar att konfrontera 'vad är det?' fortsätt - jag slängde och vände innan jag accepterade inbjudan. Vad jag upptäckte var att veta 'varför?' kan färga din vision. Men innan vi åker dit, först en beskrivning. (Obs: Jag kommer inte att göra en obligatorisk beskrivning av varje målning i galleriet, för när du beskriver en av Copperwhites målningar beskriver du dem alla. Låter hårt - en för tidig kritik före fönsterförbandet - men det här är fallet för de flesta solopresentationer av målning som lutar sig på abstraktionens sida. Måleri som detta besegrar beskrivningen).
Sammansatt av cirka 10 målningar, som sträcker sig i skala från medelstora till ganska stora (i irländsk-målningsskala termer), är det första intrycket av Copperwhites nya verk att det finns liten variation i applikation, ton, form och komposition från en målning till nästa. Liksom hur någon som är döv för nyanserna i 'diddley-eye-musik' kan säga: "Det låter allt samma för mig!" Men en sådan musikalisk analogi slösas inte bort här.
Som Mondrians jazzinspirerade Broadway Boogie Woogie (1943) eller Kandinskys användning av 'kompositioner', 'intryck' och 'improvisationer' för att beteckna hans målningar, blir kopparvit också lyriskt med musikaliska adjektiv som 'missnöje' och 'harmoni' när de beskriver spänningarna och kontrasterna i hennes målningar. Men musik är musik och målning är målning, och när vi diskuterar diskordans och harmoni i termer av antonymer, är målning inte i samma oförlåtliga register som musik. Det visuella registret är mer subjektivt, medan buller är ... bara buller.
Jag märker genast på Kevin Kavanagh att det inte finns några tecken på Copperwhites signaturfärgsläppta porträtt - de där ansiktslösa ansikten som jag har dragit mot tidigare soloshower som ett stabiliserande visuellt ankare. Känslan av att bli "skurad" av deras frånvaro driver mig att söka efter något annat orienterande ämne som gömmer sig under de fria täckena av Copperwhites korrigerande abstraktion. Men allt här är förlorat i förslag, som fördärvade figurer som ligger i sängar efter koital. Allting är ibid. Så jag kräver en referenshistoria för att orientera mig. Om banan var rak skulle det vara tråkigt.
I stort sett förstärker Copperwhites målningar efterkrigstidens europeiska och amerikanska målning och teckning. I hennes hantering har dock existentialism, expressionism och machismo efter hungerkonfiguration efter krig, av, låt oss säga, konstnärer som Alberto Giacometti och Edward Hopper, fått allt tjockt och lysande. Copperwhites siffror är inte kollektivt ensamma i en matsal på Manhattan som dricker kaffe à la Hoppers Nighthawks (1942), eller mejslas bort till en nub av orörlig mänsklighet på samma sätt som Giacometti. Copperwhites figuration trycker mot vadfärg som en knoksmörgås pressad mot en leksak med pins.
Virtuos rumänsk målare Adrian Ghenie kommer att tänka på som en samtida peer, men medan Copperwhite är en eländig figurativ detalj och en gruvarbetare av intuitiva bedömningar, ger Ghenie lite mer muskler och ben för vårt tittande nöje. Copperwhites arkitekturer kramar under en översvämning av färgglada gråtoner; hennes rörformiga spektrum och buntar av neon kvävs i en miasma av grå obeslutsamhet och osäkerhet, som ser ut som ny politik.
Även om det finns tillräckligt med dessa raketpropeller av atomär mandarin och Nighthawks grönt neon för att njuta av Kevin Kavanagh, ibland tycker jag att det finns för mycket chans och intuition och inte tillräckligt med precision och kontroll i Copperwhites tillvägagångssätt (det är därför jag tror att konstnärens skarpa målarfärgade porträtt är ett väsentligt inslag i en solopresentation av hennes arbete ).
Utställningens titel tvingar ett dubbeltag på marken nedanför och himlen ovanför - vår plats mellan. Och sedan för att dagdrömma: Jag är ett barn igen och svävar i förvåning över planetens system som färgglatt illustreras i något illaluktande uppslagsverk från förr och föreställer mig hur det ser ut och känns bortom Jupiter. Men Copperwhites målningar - även om de fortfarande är skuldsatta till en djup förundran - är närmare golvet, närmare hemmet, närmare självet.
På film beskrev Copperwhite ett första minne där hon sträcker sig efter en bunt med highlighters och hennes far blockerar hennes tillvägagångssätt. Hon beskrev sedan vad hon uppfattade som en förtryckande grå miljö i motsats till högljusarnas utom räckhåll. Ser bekant ut?
James Merrigan är en konstnär och konstkritiker baserad i Waterford City. Hans film Allt eller ingenting är också profilerat i detta nummer av VAN.
Bild: Diana Copperwhite, Krokig bana, 2017, olja på duk, 56 x 71 cm.
