RACHAEL GILBOURNE INTERVJUAR ALBERTA WHITTLE OM HENNES TVÅPERSONSUTSTÄLLNING MED CAMILLE SOUTER SOM FÖR NÄRVARANDE VISAS PÅ IMMA.
Rachael Gilbourne: När vi träffades första gången 2019 pratade vi om våra gemensamma erfarenheter av omsorg och skillnaden mellan empati och medkänsla. Ditt arbete bär också på detta – en djup känsla av läkning och hopp i en brutal värld. Hur talar du om trauma och våld genom din praktik utan att det sjunker ner i förtvivlan?
Alberta Whittle: Att tänka på den tiden påminner mig om hur ensamt det kan vara att vara konstnär, men också hur globala kriser kan föra människor samman i samhörighet och hopp. Mitt hjärta var ömt då, och jag försökte lista ut min egen röst. Jag stördes av sorgen och raseriet i det sociopolitiska landskapet, som i efterhand verkar mycket lugnare än idag. Jag är barn till två fackföreningsmedlemmar, och jag har lärt mig att gemenskap är det som hindrar mig från att sjunka ner i förtvivlan. Gemenskap kan komma från släkt och familj, eller från den valda familj jag har turen att arbeta med. Isolering kan begränsa ens tänkande, och vi behöver människor som påminner oss om vad som står på spel när vi tappar kontakten med vår individuella mjukhet. Tillsammans håller oss avsiktliga.
RG: Du har tidigare nämnt att du ser dig själv som en självlärd konstnär. Hur förenar du akademiska prestationer med dina autentiska, organiska och intuitiva sätt att skapa?
AW: Även om jag anser att konstutbildning är en oumbärlig plats för tänkande och gemenskapsbyggande, är jag en motvillig student. Akademin och utbildningen i Storbritannien, Europa och Nordamerika är otroligt kolonial och insisterar på att följa konservativa bedömningskriterier och läroplaner som ignorerar och förvirrar den globala majoritetens erfarenheter. De utbildningssystem jag deltog i passar sällan mina behov. Eftersom jag kommer från en familj av utmärkta lärare och konstnärer är jag medveten om deras enorma roll som pastorala vårdgivare, frågeställare och utbildare. Vi behöver dock fortfarande förändra själva systemet. Jag ser fram emot att omforma konstutbildning som föreläsare eller lärare själv en dag. För mig har utbildning alltid varit en grundläggande pedagogisk plats, men det viktiga arbetet kan ske utanför dessa miljöer.
RG: Hur representativt är urvalet av dina verk i 'Fisherwoman, Fisherwoman', din tvåpersonersutställning på IMMA med Camille Souter (1929–2023)?
AW: Jag är alltid nyfiken på vad som kommer att hända när man arbetar med en ny curator och institution. Jag är genuint glad över hur ni har fört verk i samtal med varandra för första gången. Det är till exempel spännande att RESET- installationen står bredvid viktiga akvarellsviter. Jag tycker att utställningen ger en bra inblick i mitt arbete, samtidigt som den talar om Camilles verk. Det här är i hög grad en tvåpersonersutställning, och det har varit spännande att se hur kombinationerna av våra verk kompletterar och ställer olika frågor. Den talar mycket tydligt om våra gemensamma farhågor kring miljökatastrofer, samtidigt som den också tänker på sorg, familj och andra läkande metoder.
RG: Verk av viktiga tänkare och filosofer har varit betydelsefulla för utvecklingen av din praktik. Kan du dela med dig av några av dessa forskningsinfluenser till oss?
AW: Att studera för min doktorsexamen var oumbärligt för att uppmuntra mig att balansera mitt skapande med att forska bland tänkare och filosofer som Edwidge Danticat, Kamau Brathwaite, Christina Sharpe, bell hooks, Maud Sulter och Saidiya Hartman. Avgörande nog lärde detta mig att humaniora är oumbärligt för att föreställa sig olika framtider och öppnade mina ögon för mitt ansvar som konstnär. Till exempel var läsningen av Maya Goodfellows Hostile Environment: How Immigrants Became Scapegoats (Verso Books, 2019) viktig för att förstå de grundläggande strukturerna av rasism och anti-svarthet som har fortsatt att underblåsa den brittiska imperialismens eld och spräcka den globala majoritetens trygghet. Jag ser spåren av den här boken i mina höstdagjämningsmålningar och i den vattniga konsistensen i mina spiralformade skulpturer.
RG: Dina pärlbesatta verk, kallade "spiraler", är vävda hängande skulpturer med kaurisnäckor, pärlor, klockor och andra material, som strömmar vertikalt från takbjälkar till de handgjorda ramarna i dina målningar. I "Fisherwoman, Fisherwoman" har du skapat din längsta spiralskulptur hittills, på över 11 meter. Kan du tala om spiraler som en återkommande form i ditt arbete?
AW: Jag började tillverka pärlor som ett svar på den kollektiva läsningen av Audre Lordes essä från 1978, "Uses of the Erotic: The Erotic as Power". Jag var en del av en fantastisk tvärvetenskaplig grupputställning, "Sex Ecologies" på Kunsthall Trondheim, curerad av Stefanie Hessler 2022, och genom att läsa Lorde fann jag mig själv dras till kraften i njutning och kärlek mellan arter. Det känns fortfarande som en massiv riktningsförändring att komma ihåg hur detta manifesterades. Spiralen är ett sätt för mig att tänka på generationsöverskridande kopplingar, men också relationer mellan arter. Det är en marin tråd; en linje från land till havets botten. Den är en överförare av tidvattenkunskap såväl som minnesarbete. När jag trär pärlorna räknar jag dem och ordnar dem i specifika permutationer kopplade till primtal. Att trä dessa pärlor i en spole blir en meditationshandling och ett sätt att minnas.
RG: Det här är första gången ditt arbete har visats i Irland. Vad har blivit uppenbart för dig när du tänker på publiken här?
AW: När jag blir inbjuden att visa mina verk i nya sammanhang försöker jag alltid föreställa mig vilka befintliga samtal jag ger mig in i, men också vilken kunskap som kan saknas för min publik. Jag tar inte min publiks kunskap eller instinkter för givna och försöker ge dem ledtrådar till mitt tänkande. Det här är första gången jag har kunnat arbeta med en curator för att utveckla en så komplett tidslinje för mitt arbete. Några av dessa detaljer är intensivt personliga, som mina föräldrars resonemang att återvända till Karibien för att uppfostra sina barns familj. Andra detaljer avslöjar de historiska, sociala och kulturella frågor jag dras till i mitt arbete. Jag undrar om publiken här kommer att vara intresserad av den sammanlänkade koloniala historien mellan Karibien och Irland.
RG: Kan du dela med dig av dina erfarenheter av att arbeta med 'Fiskarkvinna, fiskarkvinna'?
AW: Det har varit en ära att lära känna Camilles två barn, Tim och Natasha, som har delat sina tider och personliga berättelser med mig. Det var särskilt speciellt att besöka hennes studio i Achill med dig och Natasha och skåla för henne med en liten whisky. Sedan jag återvände till min studio i Glasgow har jag fortsatt att tänka på Camille och hennes energiska arbete, som har puttat mig framåt som en del av en ny generation. Men en av de mest speciella stunderna, under förberedelserna inför den här utställningen, var att arbeta med Camilles son, Tim Morris (och hans assistent Gem) i hans gjuteri, på Summoning Spirit – Experiments in Alchemy . Det var något så magiskt med processen. Vi pratade om så många saker, från bronsfigurer från Benin till minnen av Camille, till kärlek och sorg – allt finns närvarande i dessa bronsskulpturer. Den här tillverkningsprocessen blev lite av en återfödelse för min praktik, att prova något helt annat, samtidigt som jag betonade närvaron av kärlek, vänskap och arbete i detta gemensamma arbete. Jag är för alltid förändrad. Tack.
Alberta Whittle är en barbadisk-skotsk tvärvetenskaplig konstnär baserad i Glasgow.
albertawhittlestudio.com
Rachael Gilbourne är intendent för 'Fisherwoman, Fisherwoman' och biträdande intendent: Utställningar – Projekt och partnerskap på IMMA, där 'Fisherwoman, Fisherwoman' fortsätter till och med den 13 september.
Imma.ie
