MARTIN HERBERT INTERVJUAR RONNIE HUGHES OM HANS TURUTSTÄLLNING "STRANGE ATTRACTORS".
Martin Herbert: Vi kan kanske börja med en enkel fråga: Varför valde du titeln "Strange Attractors" för denna utställning?
Ronnie Hughes: Som vissa kanske vet är det en term från Chaos Theory. Jag har haft en lekmannas intresse för vetenskap och science fiction i flera år. Attraktorer är determinanter inom ett givet system som får det att ta en viss typ av form, medan en konstig lockare är en som har en fraktal dimension. Det är delvis en sekventiell eller matematisk relation som jag gillar att använda som en analog för vad som händer i målningarna. I åratal var kaos något som folk inte förstod. Det var mystiskt, omätbart och fantastiskt på ett fruktansvärt sätt. Den naturliga entropin som bygger in i en svängande pendel ignorerades till stor del av Newtons fysik tills någon insåg att det finns ett mönster som går bakom saker. Den känslan av ett mönster som löper genom hela existensen är något som jag alltid har fascinerats av. Det är något som är centralt, inte bara för konst utan för alla grenar av mänsklig aktivitet: att försöka förstå det mystiska. Men så finns det också denna underförstådda ordlek, att jag ser själva målningarna som konstiga lockare eftersom de är ganska färgglada och optiskt intressanta, liksom att det finns en konstighet om varför de finns.
MH: Något som är relativt konsekvent är att du arbetar med geometri, men det är en mycket humaniserad geometri: dina rutnät är avstängda och saker som ser mycket vanliga ut att börja med har denna humaniserade kvalitet. Är det en självbiografisk impuls?
RH: Det kan vara. Jag hade ett mycket särskilt tidigt liv när det gäller var jag växte upp. Det är ingen tvekan om att det för alla som är kreativa alltid finns krafter som försöker uttrycka sig. Jag känner att även om jag gör abstrakta målningar är de mycket uttrycksfulla. När jag skapar en målning som jag tillfälligt känner är framgångsrik beror det vanligtvis på att det finns ett ögonblick av spänning i den. Jag är alltid medveten om uppkomsten av ett system som går sönder, eller av en känsla av entropi eller våld avstängd, och det är en återkommande anmärkning i mitt arbete.
MH: Varför cirklar, till exempel?
RH: Det finns ett antal saker av motivtyp som händer i mitt arbete, till exempel geometriska linjer, rutnät, trianglar, cirklar, sfärer och ibland ellipser. För att skapa en byrå i människors sinne måste du skapa en bildlig situation. Jag brukade tillverka dessa pastiller eller äggformade former, som jag tror kom från västra Irlands landskap. Jag ser cirklar som primära former som är mycket icke-referenta, men de börjar som ett slags pulspunkt. När du målar en viss färg är den där som en slags energi. Färg är en mycket viktig aspekt av mitt arbete och färg är alltid väldigt relationell; den existerar inte av sig själv. Vissa nyanser blir anteckningar som du inte kan hantera. Du måste göra saker mer subtila eller nyanserade, flytta dem i sidled eller göra dem levande på något sätt.
MH: Dina verk har känslan av diagram som inte förklarar någonting och som rivs ut som du ser ut. Det finns ganska mycket tvivel i dessa verk. Är detta personligt eller universellt?
RH: Jag föddes 1965 och det var en känsla av en futuristisk utopi i böckerna jag läste som barn. Jag brukade fantisera om Disneyland, där man kunde hitta svävtågståg, automatiserade robotar och så vidare. Jag var också en ivrig Star Trek fläkt. Jag njuter av diagram och grafiska mönster från 1960-talet, som manifesterar sig i arbetet, men är motviktiga. Jag skapar ofta strukturer och förväntningar men undergräver dem sedan. Jag målar något som ser ut som ett rutnät, då inser du att det inte alls är ett rutnät - det har slagits i sidled på något sätt. Jag tycker att måla, jämfört med många andra konstformer, är väldigt långsamt när det gäller hur det är gjort, men också när det gäller mottagning. Helst skulle du vilja stå framför en målning gång på gång och låta den utvecklas på olika sätt. Det är så jag gör målningar i hopp om att de kommer att utvecklas på det sättet, men accepterar att människor inte alltid har chansen att uppleva dem så.
MH: Hur startar du en ny målning?
RH: När jag var yngre började jag med en idé eller en avsikt, men det händer egentligen inte för mycket längre. Det är ganska slumpmässigt på vissa sätt. Jag jobbar vanligtvis med trä nu, och det kan finnas små fel på träet, så det räcker för att jag ska se om det finns ett mönster mellan skårorna. Jag markerar dem och drar linjer mellan dem eller separerar dem och så börjar det. I mina målningar kan det hända alla möjliga lager under den färdiga ytan. Jag arbetar på ett visst sätt som innebär att jag kan hälla färg över ytorna så att jag kan undertrycka saker helt. Jag fiskar alltid och väntar på att hitta något. Om det inte fungerar kan du ibland vända det i en annan riktning och hitta intresse någon annanstans.
MH: Har du en konsekvent process?
Saken med processen är att du inte kan bestämma dig för att göra en specifik målning, för du kan inte ens föreställa dig det i det skedet - det har inte tidigare funnits på något sätt, inte ens som en idé. Jag har en målningsvägg i min ateljé och jag arbetar på flera målningar samtidigt. Vad som ser ut som ett slumpmässigt gäng färger, kommer jag ofta att röra mig i flera månader och försöka få vissa nyanser som visas i en balanserad sekvens. Målning handlar mycket om material. Det viktigaste för mig att måla är den haptiska upplevelsen och beröringskvaliteten hos någon som gör något. Jag känner väldigt mycket att en målning är ett handgjort föremål. Det skiljer sig väldigt mycket från att se en reproduktion av en bild på en skärm. Jag är intresserad av lek när jag målar. Det finns inte riktigt enorma belöningar från att vara konstnär mycket tid, men en av de största belöningarna är när du kan vara involverad i ditt eget arbete - det är en fantastisk och viktig aspekt: att spendera tid på att göra det du tycker om.
MH: Den klassiska frågan: hur vet du när en målning är klar?
RH: Mycket få målningar är säkra för alltid. Om de kommer tillbaka till studion kan de ofta ändras. Dessa dagar slutar jag vanligtvis arbeta med en målning i sex månader innan jag släpper ut den från studion. Om jag är i studion och känner att jag gör något vanligt så försöker jag slå det i sidled, förstöra det eller lägga till något, för att försöka ge mig en annan uppsättning hinder att arbeta med. Problemet är att efter en viss tid kan du inte låta bli att göra saker som ser ut som ditt arbete, oavsett hur hårt du försöker undvika det! Men det är en paradox som de flesta artister har att göra med.
MH: Du bor på Sligo på landsbygden, men färgerna i dina senaste målningar är mycket syntetiska och nästan medvetet konstgjorda. När och hur kom detta element in i ditt arbete?
RH: När jag flyttade till Sligo först kom alla dessa former, former och färger från landskapet in i mitt arbete. Jag kände inte riktigt igen det för tillfället, men jag kan se det mycket tydligt nu. Under de senaste åtta åren har arbetet bara blivit mer artificiellt när det gäller färger och färgförhållanden. När jag bytte från att arbeta med oljefärger till att använda akryl, var mitt huvudfokus ett tag att få dem att se ut som de var oljemålningar, vilket jag insåg en dag var ganska löjligt. Jag är intresserad av denna idé om plasticitet och att använda ett plastmedium, så vid ett tillfälle bestämde jag mig för att vara lite modigare med färgen jag skulle använda.
MH: Är du intresserad av att erkänna kända paradigmer i abstrakt målning?
RH: Ibland gör du saker och de ser ut som andras arbete. Detta är ofta problematiskt inom abstrakt målning. Ibland lägger du upp saker och sedan undergräver dem, och andra gånger gör du det helt omedvetet. Ibland ser du andras arbete skrika åt dig; det är en fråga om du kan hantera det och du måste bara göra valet individuellt.
MH: Har jag rätt när jag sa att de senaste verken i showen alla är teckningar?
RH: Jag kan vanligtvis inte arbeta med två saker samtidigt. Om jag målar målar jag. Jag har jobbat ganska intensivt länge, så jag tog en paus och bestämde mig för att rita lite. Ritning är intressant eftersom du genererar saker på ett annat sätt. Ritningarna i denna show är småskaliga och gjordes ganska snabbt. Några av ritningarna kan ha tagit upp till en vecka att göra, vilket är ingenting jämfört med de fem år det kan ta för att förverkliga vissa målningar. För mig är teckning och målning separata, men teckning är implicit i målning ändå. Det är väldigt svårt att komma bort från idén att rita.
Martin Herbert är en författare och kritiker som bor i Berlin. Han är biträdande redaktör för ArtReview och regelbundet bidragsgivare till Artforum, Frieze och Art Monthly. Ronnie Hughes är en internationellt känd irländsk konstnär som bor i County Sligo där han är föreläsare i konst vid Sligo Institute of Technology.
Anmärkningar
Denna intervju är en redigerad version av en offentlig konversation som ägde rum mellan Ronnie Hughes och Martin Herbert den 15 april 2017 på The Model, Sligo. 'Strange Attractors' cureras och turneras av The Model i samarbete med Limerick City Gallery of Art och Royal Hibernian Academy, Dublin. Projektet har stöttats genom konstrådets schema för turné och spridning av arbete. Utställningen presenterades tidigare på The Model (16 april - 22 juni) och Limerick City Gallery of Art (29 juni - 27 augusti) och kommer att visas på RHA, Dublin från 7 september till 22 oktober 2017.
Bilder som används: Ronnie Hughes, Tuffing, 2016, akrylpolymer på duk, 119 x 112 cm. Ronnie Hughes, 'Strange Attractors' installationsvy, The Model, Sligo (vänster till höger): Utrymmet mellan, Detonera, Propus I-III.
