PÁDRAIG SPILLANE-INTERVJUER TRE VISUELLA KONSTNÄRAR FUNGERAR FOTOGRAFI.
Pádraig Spillane: Var och en av er upprätthåller vad som kan beskrivas som en "hybrid" -praxis, som engagerar sig i både analoga och digitala fotografiska tekniker, samtidigt som man trycker på parametrarna för bildskapande och visning. Kanske kan du presentera några av dina arbetsmetoder?
Roseanne Lynch: Jag bor tillfälligt i Leipzig och gör nytt arbete med Bauhaus Foundation, Dessau. Ursprungligen var detta nya arbete ett svar på Bauhaus-skolbyggnaden (designad av Walter Gropius och byggd 1926), liksom forskningsarkivet för byggnader och material. Arbetet har dock utvecklats. Nu tar jag min praxis till principerna i Bauhaus-skolans grundkurs, som betonade att jag började på nytt och experimenterade med material. För detta är mitt huvudmedium fotogramet. Jag placerar föremål på ljuskänsligt papper i mörkrummet och skiner ljus på dem för att skapa spår, snarare än fotografier av föremålen. Geometriska former och material associerade med Bauhaus-arkitekturen och fotograferingsmediet är mitt ämne. Jag vill förstå grammatiken i material.
Darn Thorn: För mig betyder idén om hybridpraxis att använda specifika medier, som ett sätt att utfärda en provokation eller framkalla svar hos betraktaren. Mitt arbete handlar ofta om historiskt ämne: idéer om utopi och effekterna av kulturellt trauma. Genom att kombinera traditionella och samtida processer i min praxis skapas tvetydighet där bilden varken är "gammal" eller "ny" utan något mindre klassificerbar - kanske till och med något mutant. Av den anledningen ändras också valet av media jag använder för varje projekt.
Róisín White: Jag beskriver min praxis som främst linsbaserad, med hjälp av arkiverad och hittad fotografi i kombination med collage och skulpturtekniker. Fotografi är utgångspunkten - vare sig det är bilder jag har skapat eller bilder jag har hittat i tidningar, online-auktioner eller i livssituationer. Varje omständighet att hitta gnistor något annat i arbetet. Jag är aldrig nöjd när det är "bara ett fotografi". Jag använder collage för att ändra och intensifiera bilden. Jag reproducerar bilder på olika papper och material för att se hur de reagerar på dessa ytor. Jag letar efter stöd som ger en intressant kant, en gång sliten. Jag gillar att skriva ut multiplar, riva upp dem, flytta och fixa dem. Detta intima och taktila engagemang med bildens väsentlighet är avgörande för min arbetsprocess. Jag försöker utöka min övning till skulptur genom att fotografera med 3D-objekt, utan att det bara är en bild på ett objekt.
PS: Utökad fotografisk praxis belyser hur bilder agerar - hur de skapas och konsumeras; hur de kan ändras genom nätverk för spridning, lagring och åtkomst; samtidigt som man tar itu med de kraftstrukturer som korsar sig via bilder. Genom att ta en prestationsbaserad roll kan bilder överskrida kategorier eller göra dem permeabla. Hur närmar man sig bildskapande inom dessa porösa gränser?
RL: Min praxis förbinder olika territorier i mediet. Även om jag arbetar främst i mörkrummet är jag inte puritanisk när det gäller analog fotografering. Jag skannar mina negativ och fotogram för att göra större digitala utskrifter än min kropp fysiskt tillåter. Jag använder alla strategier som arbetet behöver. Mitt intresse är att lämna frågor olösta, samtidigt som jag tillåter aktivt utbyte mellan arbete och betraktare. Av denna anledning har jag skrivit ut på aluminium och använt reflekterande ytor i installationer, som refererar betraktarens blick och uppmärksammar bildstrukturen på oväntade sätt. Fototrycket som skulpturellt objekt är en annan expansion jag jobbar med. I mörkrummet applicerar jag standardvikten på en arkitektonisk ritning på ett ark fotopapper. Jag vikar ut papperet och tänder det med en fackla. Det som produceras är en representation av sig själv. Det är ett bevis på sin egen skapande situation, inget annat.
DT: Jag tror att det är just denna kapacitet - det här andra livet som utökad övning skapar för bilden - som intresserar mig. En maktstruktur som kan begränsa bildens ansvarsområde är den institutionella kategoriseringen av fotografering och vad som utgör utökad praxis. Det finns till exempel utmärkta institutioner och publikationer här på Irland som fokuserar på fotografi, men som inte har utrymme för rörligt bild- eller installationsinnehåll. Utökad övning kan undvika parametrarna för den konventionella fotoserien. Det fungerar inte alltid i fotobokformatet och måste i många fall mötas som en installation.
RW: Jag drar nytta av dessa permeabla gränser. Men jag fruktar fortfarande den frågan: "så vilken typ av fotografering gör du?" Min praxis är så varierad att det kan vara svårt att förklara som en '' lift pitch ''. Det är sällan ett enda bildverk. När jag arbetar med projekt kommer en central forskningspelare att informera produktionen av alla konstverk. Jag kan arbeta med skulpturer i några veckor och sedan gå tillbaka till bilder och se hur de kan korsbestämma. Denna processbaserade inställning till bildskapande är befriande och produktiv. Medan det mesta av arbetet i studion aldrig ser ljuset från galleriet, eller till och med min webbplats, tycker jag om att kunna dela ögonblicksbilder av min process på Instagram. Detta har gjort det möjligt för mig att testa bitar och dela skott bakom kulisserna med människor från hela världen. På samma sätt får jag inblick i deras arbete. Medan många saker jag delar slutar visas, finns det versioner av arbete som bara överlever på Instagram. Jag använder plattformen som en offentlig anteckningsbok som är öppen för kritik. Jag tycker att det är ett användbart sätt att hålla mina kamrater i loop med min praxis.
PS: Bilder (och våra relationer till dem) är intrasslade i ett komplext utbud av konkurrerande och påverkande influenser. Kan du diskutera hur ditt arbete tar form och manifesterar sig?
RL: Mina verk ger tittarna insikt i min nyfikenhet vad gäller fotografiska processer. Mitt intresse för fotogram är att de bara betraktar sig själva som en yta, objekt och material. Ett nytt tillvägagångssätt för mitt fotogramarbete är att rita geometriska former med grafit på ytan av exponerat och bearbetat halvmatt fotopapper. Sedan applicerar jag en våt pensel och ändrar grafitytan och trycket igen. Det reflekterar ljus på olika sätt, beroende på synvinkeln. Precis som mina tidigare arbeten tryckta direkt på aluminium beror vad en tittare ser på var de är placerade i förhållande till verket.
DT: I teatern kan en regissör fatta beslutet att använda en konventionell scen, där handlingen sker bakom en prosceniumbåge som fungerar som en ram för dramat. I denna situation är publiken en passiv observatör. I fotografiet är parallellen fotoboken eller den inramade bilden. Som visningsformat kan båda fungera bra, främst för att de överensstämmer med vår idé om vad ett fotografi är. Men vad händer om arbetet kräver att vi aktiverar publiken och föreslår att de har en annan fysisk interaktion? Vad händer om vi betraktar den fotografiska bilden i ett tredimensionellt utrymme? Jag tror att detta har påverkat mig att använda okonventionella medier - tapeter, kommersiellt tillverkade vinylbannrar, 3D-glasetsning och så vidare - som ett sätt att ifrågasätta våra antaganden om vad en fotografisk bild kan vara.
RW: Jag har nyligen arbetat med tanken på hur en bild kan byggas. Jag designar och konstruerar skulpturer med avsikt att fotografera dem så att fotografierna fungerar som motiv eller scenuppsättningar. Jag är intresserad av hur detta kan skapa surrealistiska och kusliga bilder. Medan tittaren bara kan se ett "fotografi", är det som sker med bildskapandet så mycket mer. Kanske är det det fysiska arbete som krävs för att skapa en bild som är givande; eller att veta att ett fotografi består av mer än vad som syns.
PS: Fotografier är en del av våra vardagliga utbyten och interaktioner, produceras ofta och vanligt på enheter som nästan är en del av oss. Hur ser du din praxis agera mitt i detta överflöd av demokratisk bildskapande?
RL: Fotografi förstås mestadels som ett medium för att dokumentera den yttre världen. Men jag använder mediet självreflexivt för att uttrycka interna abstrakta känslor som kommer genom att skapa strategier - bräcklighet, osäkerhet och andra känslomässiga resonanser. Min praxis undersöker historisk diskurs och spårar fotografiets inverkan på vår tolkning av bilder och på våra upplevelser. Jag använder processen att göra fotogram för att ta isär fotografiprocessen i dess komponenter: ljus, tid, ljuskänslig yta och föremål. Jag ifrågasätter hur vi uppfattar vad vi känner igen, när vi tittar på fotografiska ytor.
DT: Genom att använda pseudonymen, Darn Thorn, ifrågasätts tanken på författarskap i mitt arbete automatiskt. Det är ett skämt, gjort på min egen bekostnad, om begreppet "artist som singular geni". Teknik har gjort produktionen av högupplösta bilder enklare; vad som tidigare bara var möjligt med specialutrustning och yrkesutbildning är nu åtminstone teoretiskt tillgängligt för många. I vårt nuvarande ögonblick föredrar nyhetsmedia amatörfilmer framför fotoprisen. I detta sammanhang undrar jag vad en konventionell fotoserie har att säga? Självpublicerade fotoböcker är ett demokratiseringsfenomen. men det finns en tendens att de tillhörande fotofestivalerna och publikationerna lutar mot en redaktionell strategi. De främjar ofta en typ av fotografering som delar kontinuiteten i berättelsen som vi ser i fotojournalistik. Jag svarar lekfullt på dessa överväganden genom att göra verk som bara överlever en installation, eller som är för besvärliga för att lätt kunna säljas. Jag vill att publiken ska ifrågasätta vad som händer. I denna mening finns det ett performativt inslag i min praxis. Genom att göra storskaliga bilder av monumental arkitektur eller landskap föreslår jag något något absurt för betraktaren. Dessa verk har en känsla av drama och betydelse men är medvetet svåra att avkoda. De åberopar idéer om det sublima, delvis påkallade ironiskt: Hur kan något så stort och tydligen betydelsefullt vara så svårt att läsa?
RW: Min praxis bygger på trycksaker före internet, från en tid då bilder behövde vara ett objekt att existera. Jag använder det överflöd av tryckta bilder som finns från ett förflutet när vi brukade skriva ut våra foton för att dela - eller när vi köpte tidningar, tidningar och illustrerade uppslagsverk, för att se andra platser och saker från hela världen. Det som lockar mig att hitta bilder är tilltalandet av olika estetik, liksom locket från en tid då jag inte var närvarande - med dessa bilder blev ett förvar av betydelse. Med tillkomsten av kameratelefoner producerar vi nu kollektivt fler bilder per dag än vi brukade göra på ett år. Dessa digitala bilder är så ömtåliga. De finns på enheter som inte är byggda för att hålla mer än fem år. Jag undrar hur kommer vi att hitta bilder om tjugo eller femtio år?
Roseanne Lynch är för närvarande baserad i Leipzig och gör arbete för en grupputställning på Ballarat International Foto Biennale, Australien, och en solo-show på Centre Culturel Irlandais, Paris.
Darn Thorn arbetar med fotografering och installation. Nya utställningar inkluderar EVA International 2018 och '2116' på Glucksman Gallery (Cork) och Broad Art Museum (USA). Han undervisar vid CIT Crawford College of Art and Design.
Róisín White är en bildkonstnär baserad i Dublin. Hon arbetar i linsbaserade medier och hittade material med senaste utställningar på Museum of Contemporary Photography of Ireland och Finnish Museum of Photography.
Pádraig Spillane är konstnär, kurator och pedagog och undervisar vid CIT Crawford College of Art and Design. Han arbetar med fotografering, tilldelning och objektbaserade sammansättningar, med arbete med i en kommande gruppshow på The Complex, Dublin.
Utvald bild: Jävla Thorn, Uppdatering, 2018, fortfarande från 16 mm film, svartvitt; med tillstånd av konstnären.
