MED NYTT UPPDRAGT ARBETE FÖR EVA INTERNATIONELLT 2018 PÅ HORIZONEN SITT MATT PACKER NÄR MED JOHN RAINEY FÖR ATT FÖRESKRIVA TRANSPORTEN FÖR HANS SKULPTURPRAKSIS.
Matt Packer: Kan du beskriva hur din bakgrund i keramikmediet fortsätter att informera ditt arbete?
John Rainey: Produktion och imitation är aspekter av den keramiska disciplinen som fortsätter att vara särskilt viktiga i mitt arbete. Men min nyfikenhet på hur saker görs och min tvång att fysiskt producera saker föregår min träning i keramik. För mig känns processer och färdigheter mycket möjliga. Jag har ett behov av att ständigt undersöka och förbättra denna tekniska kapacitet, vilket är det som driver mig framåt. Mitt intresse för material har alltid varit stort, men jag ser min erfarenhet av keramik som en bra förankringspunkt som jag kan avvika från och återvända till. På ett liknande sätt som hur människor beskriver processen att lära mig språk, tror jag att min förståelse för detta material gör det möjligt för mig att enkelt anta nya material.
Det är mycket svårt att ta bort keramik från vikten av dess sociala, kulturella och industriella historia. Denna rikedom av sammanhang resulterar i ett materiellt språk som människor i allmänhet är mycket bekanta med. Jag tycker om att använda keramins illusoriska potential för att destabilisera denna förtrogenhet. Att få arbetet att se ut som om det var ett annat material, möjligen marmor, skapar en känsla av materiell förvirring och osäkerhet som jag tycker är användbar. Mitt arbete med 3D-utskrift - antingen för att skapa slutliga resultat eller som en del av min keramiska process - har lagt till detta spel med materialassociationer och förväntningar.
MP: Ja, upplevelsen av ditt arbete är ofta av obestämdhet. Ofta är det svårt att säga om vi tittar på ett konstgjort material eller ett som har en naturlig grund; en yta som är handgjord eller digitalt gjord. Det är en fråga om fysikalitet som verkar sträcka sig från din produktionsprocess till mötet med betraktaren. Hur mycket hänsyn tar du till tittarna?
JR: Effekten på tittarna är något som jag fortfarande håller på med. Ju fler svar jag får och ju mer jag försöker rationalisera dem, desto mer blir min information om effekten informerad. Det finns en tendens att arbetet framkallar en känsla av störningar, som, när de tas till det yttersta, kan upplevas av vissa som avsky. Jag tror att det här härstammar från mina bredare intressen för att undergräva tradition, förvirring och det kusliga (Freuds "unheimlich" - upplevelsen av konstighet i det bekanta). Men för mig är det viktigt att tittarnas reaktioner tenderar mer mot oro.
Den obestämdhet du nämner är avsiktlig, kanske som en slags konditioneringsfunktion som sätter tonen för tittarnas möten med konstverket. Upplevelsen av digital kultur och kommunikation är något som påverkar mig. Dessa territorier är fortfarande relativt okaprerade och fulla av gråa områden, otydlig och felaktig framställning. Jag vill att en känsla av detta ska kommunicera genom mina skulpturer, så jag packar verkets form och innehåll med motstridiga teman - skönhet och fulhet, attraktion och avstötning, tradition och progression. Medan min behandling av material syftar till att ifrågasätta de etablerade övertygelserna om den materiella världen, finns det också en kvalitet i själva formerna som, även om de är något referens, försöker motstå klassificering.
MP: Tvärs över din skulpturella praxis, det finns porträttbyster som är sammansatta med små händer; det är vad som verkar vara människohår från ögonen. Kroppens karaktär i ditt arbete verkar väldigt flytande, inte bara i teknisk bemärkelse utan också i figurativ mening, vilket ökar oroen. Hur ser du på ditt förhållande till idéerna om den avbildade kroppen och de konsthistoriska traditionerna för figurativ skulptur?
JR: Jag fokuserar ofta på delar av kroppen som inte anses vara ”kärnan”. Dessa icke-kärndelar - som hår, ögon och händer - är några av de mest uttrycksfulla och har uppenbara kopplingar till identitet och identifiering. Händer visas regelbundet i mitt arbete eftersom de tenderar att vara vår viktigaste kontaktpunkt när vi gränsar till maskiner. De intresserar mig också som kroppsdelar som avbildas i historiska skulpturer som ofta inte överlever tidens gång. Hår, i den konsthistoriska skulpturella traditionen, var vanligtvis kort, höljd eller bunden. Jag har alltid antagit att detta berodde på att längre hår skulle vara benägna att skada, men i allmänhet kan frisyrer verkligen vara ett tecken på ett tids- och samhälleliga sammanhang.
Användningen av äkta hår och glasögon i mitt arbete flyttar bort det från kroppens homogenisering till ett enda material, vilket indikerar konsthistoriska traditioner. Edgar Degas Liten dansare i åldern fjorton (1881) är en viktig skulptur för mig. I sina första presentationer hade Degas avvikit för långt från nutida materialsmak (med vax, äkta hår och tyg) och konstnärerna mottogs inte särskilt bra. Dessa material är ofta mer associerade med vaxarbete, diorama, animatronik och folkkonst. För mig fördjupar det spänningen mellan verklighet och konst, på ett sätt som sedan dess har använts av skulptörer som Hans Bellmer, liksom Ed och Nancy Kienholz för att uttrycka social oro.
MP: Ditt arbete visas för närvarande i grupputställningen, 'Dissolving Histories', på Golden Thread, Belfast (30 november 2017 - 20 januari 2018) och du kommer också att producera nytt arbete för EVA 2018. Kanske kan du diskutera dina planer för det här nya arbetet?
JR: Jag tror att den mest uppenbara utvecklingen i båda dessa presentationer är förändringen i skala och ambition, när det gäller produktion. För 'Dissolving Histories' skapade jag ett nytt verk som heter varianter, som har en serie skulpturala variationer av en gemensam statyform, upphöjd över ögonhöjd på en stor träkonstruktion. Strukturen har en central trappa som leder till en betraktningsplattform, där betraktaren omges av serien av skulpturer och kan undersöka variationen mellan formerna i en mer intim närhet. Arbetet utmanar målet med repetition som är centralt för de slipgjutningsprocesser som ofta används i mitt arbete och skapar en serie utan sekvens eller formella hierarkier som värderar singularitet och avvikelse från en konstant. När jag tänker på betraktarens upplevelse av en grupp skulpturer, känner jag på vissa sätt att jag påverkades av Barbara Hepworths niodelade bronsserie, Familjen av människan (1970). Men där Hepworths intresse var i förhållandet mellan människan och naturen, varianter fokuserar på förhållandet mellan människa och tillverkning.
För EVA 2018 producerar jag en intervention på en arkitektonisk fasad. Projektet hänvisar till XNUMX-talets landskapsarkitekturstradition att imitera grekiska och romerska ruiner inom rika gods och lantgårdar. I denna tradition sågs ruinens symbolik för en fallen världsordning inom ramen för XNUMX-talets aristokratiska privilegium. Ruinen blev en dårskap och en markör för smak, sofistikering och civilisationens utveckling. Projektet kommer att utforska dessa idéer och deras samtida status.
MP: Har du några långsiktiga planer för framtida arbete?
JR: Jag kommer att tillbringa de första sex månaderna 2018 i Italien på att göra Arts Council i Nordirlands gemenskap vid British School i Rom. Jag tror, med denna inställnings relevans för mitt nuvarande arbete, kommer denna period att vara mycket inflytelserik på det som följer. Jag har redan en känsla av att den senaste utvecklingen i mitt arbete - som användningen av silikon, gummi och stål - kommer att bli allt viktigare. Ett annat utvecklande fokus i mina större presentationer under de senaste åren har varit utformningen av betraktarens möte, där behandlingen av utrymmet och användningen av skräddarsydda utställningsmöbler har lett till en integration av skulpturen och dess utställning. Jag ser detta tillvägagångssätt öka i framtida utställningar. En av mina favoritaktiviteter är att utveckla solopresentationer, eftersom de tillåter mig att skapa dessa inkapslade miljöer för sammankopplade verk. Jag känner att de har varit katalysatorn för flera stora framsteg i mitt arbete hittills, så jag hoppas att de närmaste åren ger fler möjligheter av den typen.
John Rainey är en skulptör baserad i Belfast.
Matt Packer är direktör / VD för EVA International - Irlands biennal för samtida konst.
Bild poäng:
John Rainey, Love in the Time of Artifice # 3, 2013; bild av Matthew Booth Photography.
John Rainey, Det projicerade självets teater, 2013; fotografi av Philip Sayer, med tillstånd av Marsden Woo Gallery, London.
John Rainey, varianter (detalj) 2017; bild med tillstånd Golden Thread Gallery, Belfast.
