JOANNE LAWS INTERVJUER EILIS O'CONNELL OM UTVECKLINGEN AV HENNES PRAKTIK UNDER FEM DECENNIEN.
Joanne Laws: Du kanske kan börja med att beskriva miljön och aptiten för skulpturutövning i Irland i slutet av 70-talet, när du tog examen från Crawford School of Art and Design?
Eilis O'Connell: Det fanns en passion och intensitet för skulptur på den tiden. Jag minns en show som heter "OASIS" (Open Air Show of Irish Sculpture) och årliga utställningar som Living Art och Independent Artists. Jag ställde ut mitt verk för första gången som en del av The Irish Exhibition of Living Art 1972. Kan ni tro att jag var så fräck att jag satte mitt verk i en nationell utställning när jag bara gick andra året på konsthögskolan? Vi uppmuntrades av John Burke att lämna in arbete och den erfarenheten var lysande; det gav mig självförtroende. Det fanns många duktiga människor runt omkring men tyvärr emigrerade många av dem. Det fanns inget att stanna för; det var väldigt tufft. Jag vet att artister klagar nuförtiden över att de inte har plats, men det var helt fruktansvärt på 70- och 80-talen. Du accepterade precis att du var tvungen att arbeta i någon gammal, iskall, övergiven byggnad. Fastigheten hade inget värde så den sköttes inte, men på plussidan kunde man hyra platser ganska billigt. Många människor emigrerade under lågkonjunkturen och kom inte tillbaka. Jag emigrerade så småningom i slutet av 80-talet.
JL: Du var en av grundarna av National Sculpture Factory i Cork. Hur kom detta till?
EC: Jag arbetade med Vivienne Roche, Maud Cotter och Danny McCarthy på att säkra en studio för skulptörer i Cork city i mitten till slutet av 80-talet. Jag var medlem i Kulturrådet i två år tidigare och gjorde dem uppmärksamma på bristen på ateljéutrymmen i staden, som skrevs in i policyn och anslag tilldelades. Så det var bara att hitta en byggnad. Den gamla spårvagnsdepån på Albert Road i centrum var idealisk, men det tog lång tid att få igång projektet. Maud, Vivienne och Danny gjorde det mesta av jobbet, eftersom jag vid den tiden var baserad i London.
Vid den här tiden kom det en offentlig motreaktion till ett av mina offentliga konstverk, Kinsales mur (1988), vilket bara var en mardröm, så jag bestämde mig för att lämna Irland. Jag flyttade till London själv med i princip ingenting. Sedan fick jag PS1-residency, så jag åkte till New York, där jag träffade en kvinna från Delfina Studios, som frågade om någon ville ha en gratis studio i London. Jag sökte och fick en gratis studio i två år vilket var ett lyckokast. Delfina var lysande och verkligen stöttande; under de två åren hade jag fyra öppna ateljéer, vilket var ett bra sätt att träffa människor.
Jag började sedan söka offentliga konstuppdrag i Storbritannien. Konstigt nog blev Kinsale-biten min frälsande nåd och öppnade dörrar för mig; möjligheterna bara flödade. Jag vann en tävling för Cardiff Bay Arts Trust, Hemlig station (1992), en skulptur i patinerad brons och galvaniserat stål. Jag gjorde en till i Milton Keynes, Utrymmet mellan (1992), i brons och fiberoptik, och en annan för London Docklands Development Corporation. Jag var på en rulle av vinnande tävlingar och trodde att det aldrig skulle ta slut. Efter ett tag blev offentliga konsttävlingar en stor sak i England, med enorma budgetar, och folk som Anthony Gormley gick för dem. Det var riktigt spännande tider.
JL: På tal om Gormley, hans skulptur för Derry Walls (1987) fick också en mycket stark offentlig reaktion. Jag tror att den var täckt av graffiti och till och med hade gjuten plast hälld över den i ett skede?
EC: Ja, en av figurerna hade brinnande däck runt halsen. Gormley hade en bra linje om det; han sa att skulpturen var "katarsis för staden" - något för människor att ventilera all sin ilska på verket. Den är gjord av gjutjärn, så den tål missbruket. På ett sätt är det en perfekt pjäs för den tid och rum.
JL: Din praktik involverar dubbla strängar: offentliga konstverk som ofta är stora i storlek; och de skulpturala föremålen du gör i mer inhemsk skala. Hur närmar du dig denna spänning?
EC: Jag gör allt litet, även som förberedelse för något större, så jag kan lösa alla problem i liten skala först. Om man gör en liten version av något är det bara att skala upp det och konstruera, vilket jag gör ganska instinktivt. Jag skulle föredra att bara jobba med stora saker hela tiden, men det enda sättet att finansiera det är genom provisioner. Kontexten för var och hur en skulptur placeras är så viktig; den måste få skapa sin egen atmosfär.
JL: Dramatiska variationer i skala sågs också i din undersökningsutställning på VISUAL Carlow, som inkluderade ett stort nytt uppdrag för Main Gallery. Med en längd på över 21 meter är det möjligen den största skulptur jag någonsin har stött på i ett galleri i Irland. Vad kan du berätta om detta arbete?
EC: Jag hade en helt annan plan för den showen, men Benjamin Stafford (Visual Arts Curator på VISUAL) såg ett stycke i min trädgård, Kapsel för öden okända, som jag hade gjort för en samtida skulpturutställning i England som heter 'ARK' 2017. Jag tänkte på arken som en symbol för tillflykt i en tid när så många flyktingar korsade Medelhavet och tragiskt drunknade. Den ursprungliga biten är asymmetrisk och är fastskruvad i betong utanför, så jag kom på en idé att göra en andra version som skulle vara symmetrisk, för att balansera. Capsule for Destinies Unknown – serie två (2024), delas upp i tre delar. Den höll perfekt i huvudutrymmet i VISUAL; utrymmets bredd är stor, så det var intressant att hantera det diagonalt. Betraktaren var tvungen att gå runt stycket och tvingades verkligen titta på det.
JL: Hur säljer du ditt arbete?
EC: Jag visar med ett galleri i London och med Solomon Fine Art i Dublin, så de håller mig igång. Och så har jag min skulpturträdgård – ett tunnland mark som omger min studio på The Creamery i Cork. Det var en betongdjungel när jag först skaffade den, och jag har ägnat mycket tid åt att göra om landskapet, plantera träd och jämna ut områden. Det är alla kullar och jag har lärt mig så mycket av att placera ut skulpturerna, flytta runt dem, se hur en del påverkar de andra osv. Folk bokar besök, och jag har öppna ateljédagar, och det är så jag säljer de stora bitarna.
JL: Det låter väldigt DIY.
EC: Åh, det är ren DIY. Det enda sättet att överleva som skulptör är genom att göra saker själv. Ingen kommer att komma och göra det åt dig; det är mycket arbete, att underhålla skulpturerna och se till att de ser orörda ut. Ibland blir jag överväldigad av min studio med bokstavligen 50 års arbete lagrat där inne. Jag behåller saker som jag värdesätter, men jag har röjningar då och då. Jag har fortfarande en 40ft container full med saker från min Douglas Hyde-show på 80-talet. Det är stycken jag ägnat månader åt att göra, och det är verkligen svårt att veta vad man ska göra med dem.
JL: Vad jobbar du med för tillfället?
EC: Jag gör ett stycke för Wilton Park i Dublin som är en hyllning till den banbrytande irländska författaren Mary Lavin, som skrev för The New Yorker och andra publikationer. I en värld av manliga författare var hon verkligen före sin tid. Jag bestämde mig för att gjuta en biomorf bit i spegelpolerat rostfritt stål, vilket är en riktigt svår process. Få artister använder det här mediet, så jag ville bara se om jag kunde göra det. Vi har gjort ett teststycke och än så länge är det lysande. Jag gör det i Spanien och Grekland. Jag brukade göra mycket av mitt uppdrag i Storbritannien med bra tillverkningsföretag och gjuterier, men med Brexit är detta nu omöjligt.
JL: Vilka tror du är utmaningarna för irländska skulptörer?
EC: Med ett ord, rymd. Det saknas utrymme för att visa samtidskonst i stor skala. Tillgång till prisvärda ateljéer och bostäder är enorma problem för konstnärer i Irland just nu, men kanske mer boende. Om man ser på den ljusa sidan, har den digitala världen gjort det möjligt att vara kreativ utan studio, men för en skulptör är det absolut nödvändigt att ha ett dedikerat utrymme för att bara röra, lära sig använda verktyg och utveckla färdigheter. Det haptiska elementet är avgörande; det är något väldigt tillfredsställande med att göra något för hand från grunden.
JL: Avslutningsvis, vad kan du berätta för oss om dina material och värderingar som tillverkare?
EC: I grund och botten älskar jag att göra saker. Jag har alltid ett 20-tal saker på gång. I en idealisk värld skulle jag vara i min studio och göra saker hela dagen, men det är inte realistiskt. Jag måste hantera mejl och samarbeten, vilket kan ta ifrån ens personliga kreativa tid. Jag gillar den sociala aspekten av att samarbeta – det håller mitt sinne öppet för nya möjligheter och processer.
Jag brukade göra allt själv i stål men om jag ska vara ärlig så är jag bortom det nu. Jag vill inte ägna varje dag åt att slipa metall; det är ett riktigt svårt sätt att göra saker på. Jag använder fortfarande stål ibland för armaturer och saker, men nu använder jag Jesmonite; det är ett mycket mångsidigt medium som du kan hälla eller använda som lera. Jag är väldigt nyfiken på nya material. Jag arbetade med harts i evigheter och så småningom bestämde jag mig för att jag hatar det; harts ser vackert ut men det är giftigt som fan. Grejen med skulptur är att oavsett vilka material du använder – trä, sten, betong, gips – är dammet farligt. Jag byter material för att jag gillar att lära mig nya saker. Det sista jag vill göra är att upprepa mig själv.
Jag är fascinerad av materialens struktur och livslängd. Bra material är hållbart och det fina med metall är att det har ett värde, så det återvinns. Några av mina små bitar blir översatta till sten och det har varit en annan inlärningskurva. Saker som jag gör i metall kan inte göras i sten bara för att sten inte har någon draghållfasthet, så det är svårt att trotsa gravitationen. Jag har lärt mig att respektera dess vikt samtidigt som jag försöker få bort så mycket material som möjligt från blocket. Sten och brons är så tåliga. När den begravs i 3000 år kommer brons att bli ännu vackrare, med en patina som är något etsad. Jag älskar det faktum att en metall- eller stenskulptur kommer att överleva mig.
Eilis O'Connell är en artist baserad mellan Cork och Kerry. 'In the Roundness of Being' presenterades på VISUAL Carlow från 17 februari till 12 maj 2024.
eilisoconnell.com
