JOANNE LAWS INTERVJUAR DAPHNE WRIGHT INFÖR HENNES SEPARATUTSTÄLLNING PÅ ASHMOLEAN MUSEUM.
Joanne Laws: Vi båda studerade vid Sligo RTC (numera Atlantic Technological University). Jag studerade konst i slutet av 90-talet, under en inspirerande period för kvinnliga irländska skulptörer. Fanns det en känsla av optimism vid den här tiden, eller uppstod momentum mot alla odds?
Daphne Wright: Tja, alla lämnade på 80-talet – lågkonjunkturen var brutal. Jag lämnade Irland 1989. På 90-talet minns jag bara att jag gick från stipendium till stipendium och residens till residens för att upprätthålla min praktik. Jag var fellow i Cheltenham, Henry Moore-fellow i Manchester och tillbringade ett år på British School i Rome. Under min utbildning i Sligo i början av 80-talet pekades vi ständigt ut riktigt starka kvinnliga skulptörer; jag lärde mig hela tiden genom samtal och prat. Lärarkåren i Sligo vid den tiden inkluderade Seán Larkin, Seán McSweeney, Fred Conlon, Con Lynch, Nuala Maloney, Ruairí Ó Cuív, Seán O'Reilly och John O'Leary. Det fanns också Robert Stewart och Peter Charney – han var australiensare och hade en helt annan synvinkel. Jag studerade skulptur och keramik, men vi var en så liten årskurs att vi alla var vänliga mot varandra.
JL: Nu när du är tillbaka i Dublin, har du en studio?
DW: Jag har gjort om två rum i mitt hus till ett utrymme, och det är där jag normalt arbetar. Jag är väldigt tacksam för det eftersom det är så dyrt att hyra en ateljé. Det är så jag har varit tvungen att göra det, ända sedan jag fick barn; det har blivit en speciell typ av process, och jag älskar rutinen. När jag tillverkar en stor skulptur hyr jag tillfälligt verkstaden hos en möbelsnickare i nordvästra Irland.
JL: Hur ser din dagliga studiorutin ut?
DW: Jag brukade lägga ner mycket tid på att testa, utforska och tillverka saker. Jag testar inte bara materialen; jag läser, forskar och matar min hjärna samtidigt. När jag väl börjar förstå vad jag gör, då tillverkar jag – vilket ofta är den trevligaste delen. Ibland arbetade jag mig fram till ett riktigt stort verk, vilket inte bara handlar om att tillverka, utan också om att samla in pengar för att finansiera det.
JL: Dina två söners figurer i naturlig storlek har tidigare förekommit i dina verk. Tillverkades de genom gjutningsprocesser?
DW: När pojkarna var mindre gjorde jag Köksbord (2014) i handmålad Jesmonite, vilket innebar att var och en av dem gjöts separat i mindre bitar. Detta var medan de precis hade börjat växa upp från barndomen och gått in i tonåren. Över tio år senare har jag fått enighet om att gjuta dem igen, nu när de är på gränsen till vuxen ålder, till ett nytt verk som heter Söner och soffa (2025) som kommer att ställas ut för första gången i sommar.
Figurerna är kompletta avgjutningar och ihåliga. De tillverkades med den gammaldags livsgjutningstekniken, och det är verkligen viktigt. Det är inte datorgenererat eller 3D-utskrivet; det är en mycket arbetsintensiv, traditionell process. Det är också ett ganska omfattande åtagande för personen som gjuts, eftersom kroppen är helt inkapslad, om än vid olika tidpunkter. Man använder gipset för att ta en form av kroppen, som om man fångar ett ögonblick i tiden.
När avgjutningarna sätts ihop till en komplett skulptur målas allting i en dämpad färg – en som har essensen av minne. Det är inte riktig färg utan hur man kan minnas färg. Figurerna sätts sedan ihop till en installation eller skulptural scen. Det är det jag brottas med just nu, eftersom jag ibland har fler element än jag behöver. Det kan vara en smärtsam process att redigera ner till just det som är nödvändigt och vad som fungerar.
JL: Det hemliga verkar vara ett återkommande motiv i dina skulpturala arrangemang, som inkluderar figurer, personliga föremål, växter och hushållsapparater. Varför är det så?
DW: Tja, det finns ett par saker som gör det här komplicerat. För det första går man på museer och upptäcker att det finns väldigt få kvinnliga konstnärer representerade i samlingarna. Det är något riktigt intressant med avgjutningarna och tidsfånget som monumentaliserar det hemliga, samtidigt som moderskapet och det feminina placeras i museets hjärta. Dessutom undrar jag ofta varför det finns vissa föremål i våra museer som är tysta eller tysta. De blir stillastående, antar jag, och deras känsla av att vara ett konstverk försvinner faktiskt. För mig är det en central fråga. När ett konstverk har en egen närvaro och en egen själ, då blir de andra sakerna bara rekvisita.
Förutom Söner och Soffa kommer det att finnas andra föremål i utställningen, inklusive Stilleben i kylskåp (2021) – ett öppet kylskåp tillverkat av obränd lera, innehållande de vanliga sakerna på hyllorna, såsom en kyckling, redo för ugnen. Ovanpå kylskåpet står en stor vas med tulpaner som håller på att förmultna. Så på många sätt är det ett modernt stilleben som väcker frågor i centrum för vardagslivet: vem fyller kylskåpet, vem tömmer kylskåpet och vem lagar vi mat åt?
JL: En separatutställning med dina verk kommer att presenteras på Ashmolean Museum i Oxford i sommar. Den kommer att visa nya verk, utvecklade som svar på skulpturer i Ashmolean Cast Gallery. Vad kan du berätta om den här utställningen?
DW: Utställningstiteln, 'Deep Rooted Things', är hämtad från en rad i Yeats dikt, Stadsgalleriet återbesökt (1939): ”Mina barn kan här hitta djupt rotade saker.” Ashmolean Cast Gallery är ganska fantastiskt. Det innehåller antika grekiska och romerska avgjutningar som är nästan kompletta. Det finns en fascinerande samling idrottare som verkligen fortfarande har egenskaperna hos unga män. Jag tog barnen till Ashmolean ofta när de var små, så på sätt och vis är det en del av deras uppväxt och lärande. Ens fascination, som mamma och som konstnär, att titta på föremål, genomsyrar dem i sin tur med fascination.
Utställningen är också ett svar på Hugh Lane Gallerys samling och tittar specifikt på stillebenmålningstraditionen. Samlingen innehåller blommålningar av några av de allra första irländska kvinnorna som gick på universitet eller konsthögskola, många av dem studerade i Storbritannien eller Frankrike. Deras blommålningar är mycket vackra och stillsamt radikala. Det finns också några mycket gripande porträtt, inklusive ett vackert porträtt av WB Yeats som pojke som läser en bok, målat av hans far, John Butler Yeats, omkring 1886.
Dessa konstverk kommer att reproduceras i en medföljande publikation, tillsammans med texter av Emily LaBarge och från Ashmolean Museums direktör Alexander Sturgis och Hugh Lane Gallerys direktör Barbara Dawson. Utställningen handlar om att kombinera dessa institutioner och titta på skillnaderna i deras samlingar: den ena är en antikvitetssamling i världsklass; medan den andra är en mer modern nationell samling som innehåller samtida verk. De använder olika språk, men för mig är allt museologi, genomsyrad av det inhemska.
JL: Det verkar finnas det återkommande temat med unga män, porträtterat genom tiderna?
DW: Det är sant – unga män vid en avgörande punkt i sina liv, vare sig det är de unga idrottarna i Ashmolean-samlingen eller mina egna söner på gränsen till vuxenlivet. Man kan hävda att det fanns liknande påtryckningar för unga män i både klassisk och samtida era. Mycket av denna undertext är inte verbal; men vi vet det instinktivt. Jag tror att det till stor del är där mitt arbete finns – vid den här typen av tröskelvärden som är universellt förstådda.
'Ashmolean Now, Daphne Wright: Deep-Rooted Things' kommer att presenteras på Ashmolean Museum i Oxford från 13 juni 2025 till 8 februari 2026. Skapandet av nya verk för denna utställning har fått stöd av ett Visual Art Project Award från The Arts Council of Ireland.
ashmolean.org
