EMMA DWAN O'REILLY RAPPORTERAR OM 'VÄRDET FÖR KRITIK' SYMPOSIUM, SOM ÄR FÖR PLATS PÅ LEWIS GLUCKMAN GALLERI, CORK, DEN 26 FEBRUARI 2016[I]
I Irland har praxis med konstkritik fortsatt att utvecklas i ett föränderligt landskap. Även om saker och ting förblir oroliga när det gäller att etablera publikationer och säkra finansiering, finns det en livlig energi kring att skriva om konst i Irland de senaste åren. Nya publikationer, författare och redaktörer har dykt upp med nya initiativ och idéer, och det har ökat intresse för att utveckla nya utrymmen, publiceringsplattformar och publik, och att odla alternativa metoder för att skriva om konst.
Symposiet "Kritikens värde" undersökte konstkritikens och kritikens roll när det gäller att bestämma både det historiska och ekonomiska värdet av konsten. Kritikerns roll i det förändrade landskapet för konstkritik och publicering undersöktes också, med särskilt fokus på hur författare, redaktörer, kuratorer och programföretag närmar sig och utvärderar sina ämnen och påverkar allmänhetens förståelse och uppskattning av konst.
Keynote
Redaktör för Art Monthly, Patricia Bickers, tacklade definitionen av kritik och talade om de historiska, tidsmässiga jurisdiktioner som skiljer konstkritik och konsthistoria. Hon avfärdade idén att konstkritik existerar bara för att ge en tjänst till konsthistorien: "Konsthistoria och kritik är en del av ett kontinuum, oskiljaktigt och lika stort som i alla bra förhållanden men de tvingas alltför ofta ifrån varandra."
Bickers tog också upp frågan om klass och hierarki mellan historia, konsthistoria och konstkritik och förklarade att ingången till konsthistoria i akademin delade konsthistoria och konstkritik, och följaktligen kallades den förra som en disciplin, och sistnämnda som en praxis, en kategorisering som "slog handel, marknaden". Hon hävdade att denna kategorisering baserades på den antagna opartiskheten av stipendium, en uppfattning som inte längre är relevant, eftersom all kommentar till konst har potential att användas av marknaden.
Bickers diskuterade hur skrivande har hjälpt till att forma förståelse och uppskattning av konst, och hur teori har ytterligare informerat konst och kritik och bidragit till utvecklingen av båda. Hon avslutade med att konstatera att kritik har varit föremål för mycket analys och att dess villkor ständigt utvecklas som svar på förändringar i konst och samhälle: ”Ny konst skapar nya former av skrivning, som i sin tur informerar konsten och vår förståelse för den och dess plats i våra liv."
Panel One - Legitimacy of Criticism (ordförande av Lucy Dawe-Lane)
Sarah Kelleher inledde sessionen "Legitimacy of Criticism", med hänvisning till konstkritik som "alltmer en orolig skrivgenre". Hon hänvisade till de många händelser där kritikens oro, dess hållbarhet, inflytande, stringens och relevans har diskuterats och inkluderade James Elkins förslag att kritik produceras massivt och ignoreras massivt.
Kelleher ifrågasatte relevansen av kritik i online-eran och hävdade att mycket av ångest inom kritik härrör från dess brist på inflytande och auktoritet samt kritikens osäkra ställning. Hon betonade vikten av bedömning och accepterade att auktoritet och inflytande kanske inte längre gäller på samma sätt och ser detta som en möjlighet för kritiker att utvärdera sin egen roll mer noggrant. "Även om påverkan av kritik kan avta och skrivkvaliteten varierar", säger hon, "kritikern upptar fortfarande denna roll som ambassadör, advokat, analytiker och värderare och en bidragsgivare till det första utkastet till konsthistoria".
Att ta konst "personligen" var kärnan i Cristín Leachs bidrag till symposiet. Hon betonade vikten av att "vara i ögonblicket med konsten". Medan hon insåg att kritikern har många roller betonade hon att deras huvudroll är att ta konsten personligen. Hon betonade att "det enda som är värt att skriva är det som bara du kan skriva" och förklarar att detta påverkar varför vissa författare blir våra favoriter, att deras distinkta stil härrör från att ta konsten personligt, vilket kommer till läsaren i deras unika svar. Leach föreslog att medan författare bär en professionell mask, kan tankar och känslor från sina personliga liv materialiseras i deras skrivande på ett osynligt sätt och prata med läsaren på en personlig nivå.
Leach hävdade att färdigheten att förmedla denna personliga koppling eller reaktion är att göra det utan att använda den första personen eller ens den andra eller tredje personen. "" Jag "måste vara osynlig, men alltid närvarande och alltid ta det personligt." Senare diskuterades emellertid om specifika omständigheter för en viss show kunde motivera tillfällig användning av första personens pronomen.
Caoimhín MacGiolla Leith erkände svårigheten att kategorisera det nuvarande tillståndet eller framtidsutsikterna inom konstkritikområdet och föreslog att kritik och kritiker inte hade en roll utan många. Han anser att publiken är central för att skriva på konst och talade om skillnaden mellan att skriva om verk som var okänt och arbete som redan har granskats många gånger.
Han föreslog att kritik skulle kunna falla i olika kategorier och citerade Elkins sju kategorier. Med tanke på att även om detta system för klassificering fortfarande är användbart, kände han att det "lätt kunde uppdateras, utökas eller utvidgas för att tillgodose de nyligen framväxande eller återupplivande formerna av konstskrivande som kopplar ifrån beskrivning, analys, utvärdering och kontextualisering till förmån för mer roman och excentriska adresslägen ”. Typer av skrivning som (här refererar till Gertrude Stein), "samexisterar med konstverket på ett parallellt plan, snarare än bara tjänar det".
Panel två - Vem är kritik för? (Ordförande av Fergal Gaynor)
Declan Long öppnade den här panelen genom att ange sitt eget personliga beroende av kritik och redogöra för de stilistiska egenskaper som lockar honom till vissa kritiker och det lärande som kan uppnås genom att läsa kritik.
Han diskuterade hur det i specialpublikationer finns förväntningar, "inte bara om delat ordförråd utan om delad entusiasm, delat ansvar, kollektiva kulturella preferenser". Han föreslog att författarna skulle kunna vara deras första publik: "Det kan också vara för mig när jag skriver det ... Jag skriver något jag tror jag vill läsa". Long gick längre mot att svara på frågan om som kritik är för, frågar vem kritik förespråkar på uppdrag av, snarare vem det är emot. Han drog slutsatsen att ”kritik är emot det redan beslutade, det dogmatiska”.
Rebecca O'Dwyer styrde sig bort från "publiken" som svar på frågan "vem är kritik för?" Hon skalade bort lager av frågan och argumenterade för att "vem" är centrerad på antagandet att värdet av kritik bara bestäms av dess "användning". Hon avfärdade värdet av kritik som utvärderades genom ”användning” och ”läsning” och förklarade att dessa härstammar från professionaliseringen av fältet och tron att det skulle ”göra något”.
O'Dwyer betonade värdet av både läsning och skrivande för att få en större förståelse för konst och övervägde hur kritik kunde vara för kritikern. Hon kom till slutsatsen att handlingen att skriva kritik till stor del är för henne, som författare, samtidigt som den är "för ingen och samtidigt för alla".
Brian Fay ansåg också tanken att skriva är en kreativ process för författaren. Han svarade på frågan om som med "vem som behöver det", föreslår att publiken för konstkritik är heterogen, och flyttade frågan till att identifiera vem dessa människor kan vara och varför de vill ha det.
Genom att identifiera praktiserande konstnärer som en grupp som konsekvent och aktivt engagerade sig i kritik och ofta informerade konstproduktionen presenterade han en modell av tre etapper, från produktion till utställning, till det sista steget där verken åberopar ett svar. Han hävdade att den här modellen inte tog hänsyn till att etapp tre kunde informera steg ett, med hänvisning till det som en "vriden cylinderkrets", med kritik, tolkning och utvärdering "inbäddad, sammanflätad i produktionsakten".
Fay diskuterade också granskningen av färdigt arbete och betonade hur konstnärer kräver motstånd och förespråkade värdet av kritik som dialog snarare än bara som validering.
Panel tre - Framtidens kritik (Ordförande av Chris Clarke)
Öppnar den tredje och sista panelen, Clíodhna Ní Anluain övervägde hur radio och tv ofta ses som kortvarig och noterade frånvaron av någon hänvisning till antingen i symposiets tidigare förfaranden. Hon betonade vikten av berättelse på radio och tv och kraften som en sändningsdiskussion kan ha för att förändra uppfattningarna hos både bidragsgivarna och publiken. Hon betraktade det betydande historiska arvet från det talade arkivet som RTE har byggt genom sina intervjuer och inspelningar.
Centralt för Gemma Tiptons bidrag var tanken att konst korsar världar. Hon förespråkade på uppdrag av att skriva som förde konst och konstnärers idéer till andra discipliner och konversationer. Samtidigt som hon erkände raderna inom discipliner och de många sammanhang där skrivning kan sitta, var och en med olika mandat och målgrupper, uppmuntrade hon att separera idén om specialisten och den universella publiken.
Tipton betonade vikten av inkludering i både språk och diskurs när framtiden förde fler tvärvetenskapliga sätt att tänka och skapa. Medan hon förstod att specialismer har sina egna språk, föreslog hon att teknisk jargong kan användas för att dölja dåligt skrivande, vilket utgör ett stort hot mot konstkritik.
Tipton anser att framtidens kritik är ljus och förespråkade att "fortsätta att driva på spetskompetens på specialistens sida, för att skära igenom bullret och bli av med osäkerheten, komma ihåg idén om nöje".
Nathan Hugh O'Donnell beskrev kritik som ett utbyte, medling mellan konst och någon form av allmänhet. Framtiden för konstkritik, hävdade han, ligger hos tidskrifter och uppgav att tidskrifter (inklusive de online) är viktiga på grund av det sätt på vilket de konstruerar publik och har dykt upp historiskt i varje ögonblick när publiken har expanderat. Han hävdade att allmänheten är heterogen, att det inte finns någon definitiv allmänhet: "De flesta människor korsar discipliner och specialismer."
Symposiet "Värdet av kritik" bygger på arvet från liknande händelser som har försökt bestämma syftet med konstkritik när det går sönder och utvecklas i en tid då traditionella definitioner, funktioner och tillvägagångssätt har mindre valuta. Symposiet hade en mer optimistisk känsla för andra pulskontrollsessioner om ämnet. Tack och lov styrde bidragsgivarna bort från den välövade diskussionen om den eviga krisen och mot samtal om inkludering och värdet av kritik, vilket ger en känsla av en ljus framtid, med utrymme för fler röster, publik och skrift.
Emma Dwan O'Reilly är en författare och forskare baserad i Tipperary.
[I] Twitter-förhandlingar på # VOC16
Bild: Keynote av Patricia Bickers; bild med tillstånd av Glucksman Gallery.
