ALISON PILKINGTON TITAR PÅ AKTUELLA PRAKTIKER I IRLANDS ABSTRAKT MÅLNING.
”Vi är alla för närvarande, mycket mer splittrade, mindre bemyndigade och säkert mycket mindre kopplade till effekterna av vår värld än vi borde vara. Det är av den anledningen att jag är djupt involverad i strukturen i ett medium som kan universalisera så mycket förlorad intimitet. ” 1
Ocuco-landskapet begreppet "abstrakt målning" är historiskt och med tiden verkar parametrarna för genren ha kollapsat. Man kan argumentera för att det kan vara en något överflödig förfrågan att skriva om abstrakt målning som om det vore en genre som har någon betydande ställning inom samtida konst. Uttrycket i sig har debatterats och ifrågasatts genom XNUMX-talets konsthistoria, med den traditionella innebörden av abstraktion som förändras avsevärt. Att säga att "abstrakt målning lever och har det bra" i nuvarande irländska målningspraxis verkar också vara ett föråldrat sätt att sammanfatta vad målare gör med sitt material och medium. Som beskrivs av Briony Fer i hennes bok, På abstrakt konst: "Som en etikett är abstrakt konst å ena sidan alltför allomfattande: den täcker en mångfald av konst och olika historiska rörelser som egentligen inte har något gemensamt utom en vägran att figurera objekt."2
När man spårar släktet till irländsk konst från 1970-talet genom abstraktionens linser är det uppenbart att formalism har varit ett centralt konstnärligt intresse. Manine Jellet, Patrick Scott och nyligen Sean Scully och Richard Gorman erbjuder bra exempel. ROSC-utställningsserien hade också ett betydande inflytande på abstrakt målning i Irland på 1980- och 1950-talet. Samtidigt som den verkar ha rötter i den formella abstraktionen i slutet av XNUMX-talet fortsätter praxis av den sena William McKeown att anta en rad positioner i modern målning och använda element av installation, abstraktion och figuration. McKeowns arbete inbjuder betraktaren att överväga gränser, både fysiska och icke-fysiska. Implicit i hans arbete var konstnärens uppmärksamhet på apparaten för målningsmediet. McKeown föreslog att materialstöd är en del av tittarnas engagemang med hans målningar och uttalade att "Jag vill ha känslan av att oljan finns i linnet snarare än på ytan".3
Inom den nuvarande generationen irländska målare har formell abstraktion fortfarande en plats, men den blandas med andra idéer - bortom ren form och färg - som kommer från olika områden som filosofi, matematisk teori, vetenskap och musik. Ett sådant tvärvetenskapligt inflytande är uppenbart i arbetet hos många samtida irländska abstraktmålare som Ronnie Hughes, Helen Blake och Mark Joyce. Dessa artister har anammat ett slags "mjuk formalism", där personliga intressen sammanfaller med formella bekymmer kring komposition, färg och mönster. Helen Blakes målningar fokuserar på hur färg och textur bokstavligen kan väva ett mönster och dra betraktaren in i målningen. Den handgjorda kvaliteten på Blakes målningar lämnar utrymme för både olycka och design. Mönsterskapande och struktur är också tydliga i Ronnie Hughes arbete, liksom hans oro för mänskliga och vetenskapliga system. Mark Joyces målningar gör bland annat kopplingar mellan musik och färgteori och testar hur färg interagerar med komposition och form.
Korsningen av formella problem med den fysiska handlingen av märkning kan observeras ytterligare i målningarna av Diana Copperwhite och Damien Flood. Även om deras arbete inte kunde betraktas som rent abstrakt, "stöder det den mänskliga handens position", för att omformulera den amerikanska målaren John Laskers beskrivningar av sitt eget arbete.4 För kopparvit och översvämning verkar penselns gest när den rör sig över ytan och de chanselement som dyker upp genom denna åtgärd avgörande. Dessutom pekar deras arbete på den avtagande betydelsen av en tydlig uppdelning mellan abstrakt och figurativ målning. Idén att 'figuration' och 'abstraktion' innehar motstridiga positioner inom målningen verkar vara föråldrad. Det verkar som att den samtida målaren inte längre är begränsad, varken av abstraktionens formella oro eller av den berättande konsekvensen av figurativ målning.
En mer tydlig form av dekonstruktion i målningen är uppenbar i praktiken hos irländska konstnärer Helen O'Leary och Fergus Feehily. Genom att utvidga definitionen av vad som gör något till en "målning" är en suddighet av gränserna mellan "objekt" och "bild" central för deras arbete. Sådana "bricolage" -metoder kan spåras tillbaka till montageverk av Kurt Schwitters och andra Dada-konstnärer.5 Helen O'Leary är uppmärksam på mediet i mediet och undersöker uttryckligen hur målningar byggs och de material som är involverade i deras framställning. Hon förklarade nyligen att hennes nya verk "gräver in i min egen historia som målare och rotar i ruinerna och misslyckandena i min egen studio för både ämne och råmaterial." O'Leary demonterar ofta "träkonstruktioner från tidigare målningar - sträckare, paneler och ramar", och skär dem till "rudimentära handbyggda träplattor, limmade och lappade ihop" vilket gör "deras historia att häftas, stänk med bitar av färg och häftas igen till linne tydligt tydligt. ”6 Till skillnad från återvinning av äldre målningar monterar Fergus Feehily verk från hittade föremål och material. Som beskrivs av Martin Herbert i sin recension av Feehily's utställning 2011 på Modern Art, London: “Deliberation vs. accident; hård mot mjuk; fixitet kontra impermanens ... Det finns många vägar till målaren. ”7
Bland de nyligen irländska konstkandidaterna tycks abstraktion och figuration vara mindre framträdande än engagemang med den virtuella världen. Förståelsen och navigeringen av virtuella plattformar för konsttillverkning och hur dessa kan relatera till målning växer fram. Sådana förfrågningar är uppenbara i nya konstnärers arbete som Jane Rainey, Kian Benson Bailes och Bassam Al-Sabbah, vars imaginära landskap hänvisar till den digitala världen, bestående av gliches, skärmsläckare och programvarubilder. Det slår mig att sådant arbete inte kunde ha gjorts innan internet. Men det är inte bara estetiken i digitala bilder som har påverkat den senaste målningen; effekterna av digitala verktyg på konstruktionen av målning har också blivit allt tydligare. En nyligen utställning på The Hole Gallery, New York, med titeln "Post Analog Painting II" undersökte hur "digitala verktyg har påverkat vårt sätt att tänka" och undersökte hur "logiken i Photoshop eller pixelstrukturen formar en målares inställning till färg, form, ljus eller struktur, även när de är borta från sina bärbara datorer. ”8
I början av XNUMX-talet föreslog den brittiska konsthistorikern Clive Bell form och färg som de två principerna för formell abstraktion, och sade att ”för att uppskatta ett konstverk behöver vi ingenting annat än en känsla av form och färg och kunskap om tredimensionellt utrymme ”.9 New York-baserade målaren Amy Sillman skrev öppet om spänningarna mellan representation och abstraktion och hävdade att ”den verkliga, liksom kroppen, är pinsamt: din hand är för fuktig, din fluga är öppen, det visar sig att det finns något på näsborren. , någon slår ut något som jag inte skulle veta, din före detta partner dyker upp med sin nya älskare (och ditt arbete är okult). Men du sitter fast där. Den spänningen är vad abstraktion delvis handlar om: ämnet inte längre helt kontrollerar handlingen, representationen skalade bort från verkligheten ”.10
För mig skapar dessa parade uttalanden ett spektrum av idéer som cirkulerar inom abstraktionens komplexa sfär. Å ena sidan uppmanar Bells beskrivning läsaren att föreställa sig svala och eleganta abstrakta former som är vagt bekanta och tröstande, medan Sillmans ord å andra sidan framkallar en slags fräck, smutsig abstraktion med bilder som är riskabla och estetiskt utmanande. Kanske finns det något mellan dessa två uttalanden som lyfter fram det som är så övertygande med abstrakt målning: det kommunicerar något som är så inneboende känt för oss, men som är nästan omöjligt att formulera helt.
Alison Pilkington är en konstnär som bor och arbetar i Dublin.
Anmärkningar
1. Jonathan Lasker intervju i Suzanne Hudson, Måla nu, Thames & Hudson, 2015.
2. Briony Fer, På abstrakt konst, New Haven och London: Yale University, 1997, s.5.
3. Corinna Lotz, "Acceptera oskärpa" i, William Mc Keown, IMMA-katalog, 2008. s. 61.
4. Jonathan Lasker intervju i Suzanne Hudson, Måla nu, Thames & Hudson, 2015.
5. Bricolage är en fransk term som ungefär översätts som "gör-det-själv". I ett konstsammanhang tillämpas det på konstnärer som använder ett varierat utbud av icke-traditionella konstmaterial. Bricolage-metoden blev populär i början av 1960-talet när resurserna var knappa, med många surrealistiska, dadaistiska och kubistiska verk med en bricolage karaktär. Det var dock inte förrän i början av XNUMX-talet, med bildandet av den italienska rörelsen Arte Povera, att bricolage fick en politisk aspekt. Arte Povera-konstnärer konstruerade skulpturer av skräp i ett försök att kringgå konstvärldens kommersialism, effektivt devalvera konstobjektet och hävda värdet av vanliga, vardagliga föremål och material.
6. Sharon Butler, "Idéer och influenser: Helen O'Leary", twocoatsofpaint.com. Oktober 2014.
7. Martin Herbert, 'Fergus Feehily', Fris, Oktober 2011.
8. Raymond Bulman, Post Analog målning II, utställningstext, The Hole Gallery, New York, 2017. theholenyc.com.
9. Clive Bell, Konst, London: Chatto och Windus, 1914, s.115.
10. Amy Sillman 'Shit Happens: Notes on Awkwardness', Fris, November 2015.
Bilder som används: William McKeown, Ofrälse, (2009 - 2011), olja på linne, 40.5 x 40.5 cm; Bild med tillstånd av William McKeown Foundation och Kerlin Gallery. Fergus Feehily, Land, 2008 (vänster); North Star, 2008; artighet, Misako och Rosen, Tokyo och Galerie Christian Lethert, Köln.
