JOANNE LAGAR INTERVJUER NICK MILLER OM HANS MÅLNINGSÖVNING OCH HANS AKTUELLA UTSTÄLLNING I LONDON.
Joanne Laws: Termen "Encounter Painting" är vanligtvis förknippad med ditt arbete. Jag antar att detta relaterar till saker som händer i ditt dagliga liv och hur du svarar på dem?
Nick Miller: Inte riktigt, det är mer formellt än så. Redan 1988, fortfarande i slutet av tjugoårsåldern, hade jag ett slags eureka-ögonblick om vad konst kunde vara för mig när jag var bosatt i Dublin Zoo. Jag började rita från livet igen, inför djurens annorlunda i fångenskap. Det handlade om att möta och hålla inne energi genom att rita. Det sammanföll med min läsning av Martin Bubers extraordinära bok, Jag och du 1. Detta hjälpte till att inrama mitt intresse för att försöka hålla det liv jag mötte i den materiella konstformen. Sedan dess utvecklades min övning långsamt till att sätta upp de förutsättningar som var nödvändiga (i studion eller utanför) för att möta saker - en person, ett landskap eller ett objekt - i en praktikmiljö där det också finns den bästa möjligheten att göra en målning .
JL: Jag minns ett slags östligt inflytande som manifesterades i ditt arbete i mitten av 90-talet. Var det genom ditt engagemang med Tai Chi?
NM: Ja. Det följde direkt från att börja definiera den känslan av "övning" men var ett parallellt inlärningssystem. På 90-talet hade jag turen att studera i Amerika med en vän till Alan Watts, Chungliang Al Huang.2 En aspekt av hans undervisning var mycket visuell och använde kalligrafi som förkroppsligad fysisk rörelse. Det gav mig en väg in i den världen av att integrera östlig tanke i en västerländsk rotad konstutövning. Du kanske kommer ihåg från min undervisning i livsrummet då, att jag brukade få folk att göra fysiska rörelser och andningsarbete, att försöka vakna. Att måla från livet är en mycket bokstavlig "sinne-kropp" -aktivitet - absorberar information utifrån, bearbetar internt och släpps ut i färgmaterialet. Taoistisk tanke erbjuder en icke-linjär, sfärisk typ av tillvägagångssätt, där resultatet nästan är en lycklig "kvar" från ditt engagemang för att öva.
JL: I ditt engagemang med måleriets arketyper - landskap, porträtt och stilleben - brottas du med mediet för att göra detta territorium till ditt eget?
NM: Ja, det antar jag att jag är. Vi vill alla komma in i konst och förhoppningsvis hitta något autentiskt. Mycket av tiden - och jag vet, eftersom jag har undervisat på konsthögskolan - tenderar utbildning att stryka ut "orättvisa" så att konstnärer kan uppträda i en professionell "konstvärld". Jag tappades aldrig ut, så jag använde min "oriktighet" för att göra arbete. Jag kan bara säga att jag är en gammaldags "livs" målare och lämna det där, men det skulle inte vara helt sant. På vissa sätt är jag inte så intresserad av konst. Jag är intresserad - från nödvändighet av "levnadskonsten" - med problemen att vara målare. I motsats till mig själv har jag faktiskt en bestående kärlek till alla genrer i västerländsk konsthistoria. Det är att finna en bekräftelse i verk av mycket olika konstnärer, i målningar som för mig är portaler över tiden - förvar av innesluten energi - som helt absorberar och laddar mig.
JL: Dina sittare är ofta andra artister och vänner, som Alice Maher eller Janet Mullarney, varav några sedan dess tyvärr har gått bort - inklusive Barrie Cooke, Anthony Cronin Seán McSweeney och John McGahern. När det händer, tycker du att deras porträtt nästan tar en arkiveringsfunktion? Handlar detta arbete om eftertiden?
NM: Inte riktigt eller inte först. Jag började med att måla min familj och mina vänner - ingen med ett offentligt liv. Porträtt är min första kärlek, och jag återgår ständigt till det som roten till allt mitt arbete. Det mest spännande mötet är en människa till en annan och i min egen personliga bana gillar jag att hålla på något av de människor jag har träffat. När jag blev rotad i Irland och det relativt tillgängliga konstnärliga samfundet här är det jag gillar att ta hänsyn till de konstnärer, författare eller någon som slutar sitta för mig. I själva verket känner jag mig mest verklig när jag målar - det är det bästa av mig - ansluter till dem. När människor dör, som vi alla, antar jag att målningarna kan bli en historisk rekord, men det kan jag inte ha som mål - det kommer i vägen. Jag är inte arkivist.
JL: Där 'Vessels: Nature Morte' speglar den fullständiga betydelsekollaps som händer när någon dör, verkar din senaste serie, 'Rootless', överskrida individuell förlust för att fokusera mer på det kollektiva och det politiska. Kan du diskutera utvecklingen av det här nya arbetet?
NM: Min sista stilleben-serie, 'Vessels: Nature Morte', hade en djupt personlig energisk kärna från ett långt samarbetsprojekt i North West Hospice och parallella bortgångar från mina egna föräldrar. För mig var de motsatsen till "meningens kollaps". De handlade om att hålla de sista ögonblicken i livet och meningen innan det gick. Efter det arbetet var jag lite förlorad i studion, ville ha dialog, men kunde inte hitta de människor eller konversationer jag behövde ha. Liksom många av oss försökte jag bearbeta denna galna värld som vi alla måste leva med - den politiska kaos som vi verkar generera på planeten, den klimatiska kaoset, det migrerande lidandet - allt detta vi står inför . Under en ganska intensiv period 2017-2018 började jag bearbeta den bristen på dialog på mitt eget sätt, i de stora skalorna som blev 'Rootless' målningarna. De fick ett eget liv och hävdade att det var angeläget med naturen. Jag utforskade störningar och möjligheterna till integration i mer komplexa kompositioner, varav några visade jag på Oliver Sears Gallery i Dublin förra året, men visas för närvarande mer fullständigt på Art Space Gallery i London.
JL: Jag minns också dina "Truckscapes" med stor tillgivenhet. Vid vilken tidpunkt bestämde du dig för att inkludera dörröppningens "betraktningsanordning" i dessa kompositioner?
NM: De första åren i mobilstudion kunde jag inte hitta ett sätt att måla. Jag var riktigt hög och njöt av den galna friheten att vara i landskapet, mötte landsbygden där jag bodde, men det fanns ett missnöje i mig - de såg bara ut som "bilder" som inte behövde existera. Jag hade skrapat av färg, rättat till saker och det började pricka runt lastbilens dörrkarm. Och sedan 2001, medan jag arbetade med en målning av ett Whitethorn-träd i grannens fält, omarbetade jag radikalt målningen för att inkludera lastbilens interiör och den färgsprutade dörröppningen med utsikt över trädet, som ett stående porträtt.3 Min upplevelse definierades av skyddet av lastbilen som en studio, kultur med en relativt smal dörröppning till den oändliga världen av komplexitet utanför - som en sköldpadda i mitt skal. Jag insåg att detta inte var landskap utan "Truckscapes". Jag började anpassa min praxis att göra dem i samband med lastbilsvyen, och så blev de något riktigt för mig, som målningar av mark, träd eller vad som helst.
JL: Många känner igen din dämpade och organiska färgpalett som speciell för ditt arbete. Kommer det från att bo i västra Irland?
NM: I grund och botten ja ... Det är tyst på ett anpassningsbart sätt, börjar med en mycket bred palett (i motsats till alla råd jag någonsin skulle ge någon). Du försöker samla något till, men färgen kommer från naturen. Det är något att göra med ljuset här. Min studio är ett lager med smutsigt, naturligt taklampa. Jag försöker hålla livet - inte fira det utan hålla det i nuet - genom en slags alkemi. Genom träning arbetar jag i en intensiv och överraskande snabb takt som passar mitt temperament. Jag har lärt mig att relatera det till fokus i sport.
JL: Dricker du Lucozade Sport medan du målar ?!
NM: Jag försöker minska sockerintaget! Efter att ha tagit tennis som en första idrott någonsin på 48 år efter ett liv av tristhet, nu tar det över. Efter tio års spelning har jag tävlat för Connacht på Inter-Provincials, och på den nivån tappar jag mest med bestämd stil. Den koncentration som behövs liknar målning - en ihållande uppmärksamhet, men på en gul boll. Nu simmar jag också varje morgon i havet - underlättar naturen genom kallt vatten. Jag har blivit missbrukare. Min partner Noreen beskriver det som min dagliga elchockbehandling, vilket inte är långt ifrån sanningen. Det återställer sinne och kropp tills jag återvänder till mitt normala zombiliknande jag i slutet av dagen och hämtar Netflix eller Brexit. Min show i London slutar den 10 mars. Sedan jag föddes där och efter 29 år äntligen blev irländsk medborgare verkar det för mig sjukligt symboliskt att min show slutar på Brexit-dagen.
Nick Miller är en artist baserad i County Sligo. Hans utställning "Rootless" fortsätter på Art Space Gallery, London, till den 29 mars.
nickmiller.ie
artspacegallery.co.uk
Anmärkningar
1 Martin Buber, Jag och du, publicerades först på tyska 1923.
2 Se: Alan Watts och Chungliang Al Huang, Tao: Vattendragets sätt (Pantheon: 1975).
3 Whitethorn, lastbilsvy (2000-01), olja på linne. Samling av Irish Museum of Modern Art.
Funktionsbild:
Janet Mullarney satt för Nick Miller i sin studio 2017; fotografi med tillstånd av konstnären
