Як і багато інших мистецьких організацій, співробітники VAI довго обговорювали, як провести нашу подію Get Together – щорічний форум для візуальних художників Ірландії, який було скасовано у 2020 році через пандемію COVID-19. Детально обговорювалися переваги та недоліки фізичних та віртуальних заходів; однак, оскільки не можна було виключити можливість подальшого блокування та скасування восени 2021 року, було вирішено продовжити триденну онлайн-захід, організовану через цифрову конференц-платформу Balloon.
Цей онлайн-формат мав додаткову перевагу, дозволяючи дописувачам з усього світу, включно з доповідачами в Америці, Європі та Великобританії, які інакше могли б не взяти участь. Здебільшого платформа була зручною для користувачів, пропонуючи формат, схожий на фестиваль, з розмовами на різних «сценах». Інші функції дозволяли вести прямий обмін повідомленнями, відеочати один на один або спеціальні групові дискусії – це сприймалося як найближчий віртуальний еквівалент походу з кимось на каву.
Формати Staple Get Together – такі як Artists Speak, Speed Curating, панельні дискусії та спеціалізовані клініки – всі були розміщені віртуально, і хоча учасники сумували за спонтанністю зустрічей у реальному житті, тим не менш, здавалося, що всі насолоджувалися подіями.
Художники говорять
Триденну подію офіційно розпочав Кевін Рафтер, голова Мистецької ради, вранці у вівторок, 5 жовтня. Atoosa Pour Hosseini розпочала першу сесію Artists Speak, пропонуючи яскраве уявлення про її практику рухомих зображень з акцентом на темах зміщення та відчуження. Атуза розповів про нещодавні виставки та придбав валізу з 50 барабанами фільму Super 8 (що містить кадри комах, птахів і рослин), які художник витратив шість місяців на оцифрування для подальшого використання.
Відповідаючи на основну тему Get Together 2021, Енді МакГаррі пояснив, як його практика підтримується завдяки значущій співпраці, зокрема проекту влітку 2020 року з Ларом О'Тулом. «CATCH / The First Fathom» включав серію інсталяцій на пляжі з намальованими полотнами, встановленими на палицях, щоб нагадувати прапори. Енді обговорив свою причетність до DIY та панк-сцени на північному сході Англії, а також свій постійний інтерес до «музики з соціальним совістю», яка має коріння в народній музиці, піснях протесту та масовій активності.
Каоімхе Кілфезер розмірковував про дихотомію скульптурної практики як корисності чи орнаменту. Вона також обговорила практичні питання, такі як зберігання та необхідність час від часу демонтувати та перепрофілювати твори мистецтва, як частину її матеріального процесу. У подібному ключі Кетрін Нельсон розглянула, як художники можуть підтримувати більш стійкі практики, відмовляючись відтворювати культуру надмірного споживання та кидаючи виклик моделі глобально спритного художника, тоді як художниця зі скла Елке Вестен додала, що художники повинні пам’ятати про використання екологічно чистих. матеріалів і процесів.
Шанель Уолш обговорила нещодавні зміни в їхній малярській практиці, а також постійну участь у самоорганізованих виставках, спрямованих на демонстрацію робіт жінок-художниць. Ірландський художник Джона Кінг із Нью-Йорка розглядав екологію тіла в контексті зміни клімату, штучного інтелекту та антропоцену. Практика Йони гносеологічно підкріплена «Верхньою сценою» – концепцією, яка пропонує цифрові медіа як «еволюційний висновок» каменів, мінералів і глибокого часу. інтерактивна інсталяція Йони, Усі мої друзі в хмарі (2017 – продовжується) назавжди зберігає в цифровому вигляді моменти близькості – особливо зворушливий жест для тих, чиї близькі люди вже пішли з життя.
Дублінський в’єтнамський художник Дук Ван Фам розглядає сюжети своїх портретів, зокрема вагітну подругу, бездомного двоюрідного брата та свого тестя, який одужує від раку, як співучасників процесу малювання. його розширені композиції, що включають багатошарові та політичні коментарі. Мартін Марлі розмірковував про свою довгу та різноманітну кар’єру в мистецтві як дизайнера, ремісника та педагога. Хоча його досвід в дизайні меблів навчив його традиційним навичкам, завдяки своїй роботі в кераміці та скульптурі він відчув тактильні та інтуїтивні якості матеріалів.
Сінеад Бреннан — художниця зі скла, яка нещодавно розробила серію скульптур зі зброєю, вставленою в косметику — як компактне дзеркало з вбудованим ножем — як метафори для зрівняння чоловічих і жіночих сил. Вона обговорила, як різання, зміна форми та травлення знайденого скла запропонували більш екологічно та фінансово стійкий спосіб роботи.
Елейн Харрінгтон — художниця-кераміка, яка цікавиться історією виготовлення та предметів. Незважаючи на широку підготовку в галузі кераміки, фотографії та гравюри, художниця відчувала розрив зі своїми матеріалами і хотіла мати більш безпосередню участь, від джерела до продукту. Резиденції в різних країнах показали, як матеріали вбудовуються в ландшафт, практику та громаду. Тепер вона хоче робити менше реальних об’єктів і почала досліджувати інтервенції перформансу та ленд-арт.
Панельні дискусії
Модератором серіалу «Ремесло, що розбивається крізь стіни галерей візуального мистецтва» була Луїза Аллен (директор Академії креативного майбутнього), а лондонський художник-кераміст Аарон Енджелл розмовляв із нью-йоркською художницею зі скла Ембер Коуен, яка налаштувала о 6:30 (східний стандартний час).
Вишукані скляні роботи Amber включають різні техніки виготовлення, в тому числі 600-річну венеціанську традицію склодув, зокрема флеймворк. Amber поєднує антикварні предмети з переробленим склом з нині неіснуючих американських скляних фабрик. Досить часто люди надсилають реліквії або зламані прикраси, щоб Амбер вставляла їх у свої фантастичні діорами та гротоподібні збори. Художник нещодавно співпрацював у фільмі з Джоном Гальяно і представлений Heller Gallery, спеціальною комерційною галереєю для скла в Нью-Йорку.
Аарон описує свою лондонську студію Troy Town Art Pottery як «радикальну та психоделічну майстерню», де він прийняв понад 80 художників-резидентів, одночасно продаючи горщики для фінансування програми резиденції. У 2017 році Аарон керував виставкою в Тейт Сент-Айвз «Та безперервна річ: художники та керамічна студія, 1920 – сьогодні», за участю художників з британського керамічного андеграунду 1970-х і 80-х років – неоцинкованої спільноти, яка вважається неактуальною, як у кераміці. та гуртки сучасного мистецтва. Цю форму практики часто відносять до категорії «високе ремесло» або «кераміка в розширеному світі». Аарон зазначив, що кераміка входить і виходить з моди на художніх ярмарках, додавши: «Колекція мистецтва, по суті, є спекулятивною формою відмивання грошей!»
Підтримуйте практику та працюйте з амбіціями
Повторюючи цю думку, художниця Ліндсі Сіерс прокоментувала, що інвестиції в мистецтво сприймаються як спосіб безпечного зберігання грошей, під час її переконливої бесіди з Хелен Фібі (керівник кураторської програми Йоркширського парку скульптур). Ліндсей протиставив мільйони, витрачені на нинішнє захоплення NFT, із сучасною реальністю бідності художників і «вразливістю художника в професійній ієрархії». У рамках своєї кампанії, яка вимагає від галерей зобов’язань щодо справедливої оплати художникам, Ліндсі процитувала лист, написаний у 1972 році художником Холлісом Фремптоном до Дональда Річі, куратора кіно в MoMA, який сказав, що персональна виставка Фремптона в музеї буде « все для любові та честі, і гроші не включені взагалі». У своїй відповіді Фремптон перераховує вартість створення твору мистецтва – від покупки фільму до огляду музею – щоб підкреслити відсутність у нього винагороди, незважаючи на те, що він приносить дохід іншим у світі мистецтва. Як зазначила Ліндсей, існує не лише один синхронізований світ мистецтва, а кілька економік; Купівля мистецтва не є елітним підприємством, і ми повинні заохочувати ширші підходи до перерозподілу багатства.
Робота Ліндсі є експериментальною, захоплюючою та адаптованою до сайту, коливається між документальними, оповідними та художніми. Її твори втілюють «динамічне розгортання у відповідь на місце розташування», водночас пройняті інтенсивністю подорожі, подорожей та багатьма збігами, які трапляються на цьому шляху. Вона майже не може побачити роботу, поки її не встановлять у галереї, де вона збирається на короткий проміжок часу, перш ніж повернутися до уяви художника.
Серед багатьох інших захоплюючих моментів обговорення митець зазначив, що сприйняття реальності у всіх різне, посилаючись на термін «галюцинаторне реальне», щоб описати, як ми постійно реконструюємо спогади за допомогою «несправної системи спогадів», додавши, що пам’ять – це просто «набір непорозумінь, яких ми тримаємося». Приклади включають огляд старих щоденників, щоб переоцінити правду, як вона була написана в той час, або повторний перегляд фільму, побаченого 20 років тому, і чітке спостереження за конструкціями через призму пережитого досвіду, що приносить інше прочитання.
Під час карантину Ліндсі підрахувала свою роботу, «невдачі, хаос і виснаження», а також уразливість, яку вона відчуває як єдиний творець і жінка в просторі скульптурного виготовлення, де домінують чоловіки. Вона почала бачити, наскільки нав’язливим може бути створення мистецтва; як художники поділяють світ особливим чином і не зупиняються. Художник говорив про підвищення свідомості, необхідного для визнання переваги людини як згубної сили на планеті, а також про ключові, але не широко зрозумілі концепції квантової теорії та метафізичної заплутаності, які пояснюють, як наші тіла поділяють частинки із землею та океаном.
Практика та антропоцен
Ще одна цікава розмова відбулася між Якобом Фенгером, членом-засновником датської групи художників Superflex, та Крісом Кларком, старшим куратором The Glucksman. Протягом трьох десятиліть Superflex використовував соціально заангажовану модель колективної практики, щоб кинути виклик застарілому образу художника-одинака, який діє на периферії суспільства. Superflex має на меті переосмислити людей як «центр світу», заявляючи, що «інколи найкращі ідеї можуть прийти від риби».
Постійний акцент на воді представлений у Затоплений Макдональдс (2009), який візуалізує апокаліптичне майбутнє зміни клімату через занурення глобальної мережі швидкого харчування. так само, Занурення в (2019) (на замовлення Desert X для Coachella Valley) — це інсталяційний і функціональний кінотеатр, який згодом стане інфраструктурою для морського життя на тлі підвищення рівня моря та підводного майбутнього, прискореного зміною клімату.
Міжвидова збірка (2021) — це серія скульптур, сконфігурованих як місце збору та встановлених у Центральному парку, Нью-Йорк, щоб підкреслити екологічні потрясіння та винятковість людини. «Міжвидовий контракт» був вирізаний в одній скульптурі, заохочуючи до стану «людського неробства», щоб виправити скорочення біорізноманіття та дозволити іншим видам процвітати.
Наразі Superflex розробляє плани відновлення кам’яного рифу вздовж узбережжя Данії, виснаженого за минуле століття завдяки видобутку каменю з морського дна. Враховуючи, що морські істоти залежать від твердих поверхонь, художники хочуть побудувати місто зі скульптурною інфраструктурою, щоб заохочувати різноманітність.
Бути частиною чогось
У своїй основній доповіді «Бути частиною чогось» Крістіан Янковскі обговорив низку попередніх проектів, у т.ч. Полювання (1992), на якому художник – героїчно озброєний луком і стрілами – «полював» у супермаркеті за товарами першої необхідності. Поділяючи подібне відчуття абсурду, Катання Ісуса (2011) задокументували акторів, які проходили прослуховування на роль Ісуса через кастингове агентство в Римі та використовували формат реального телебачення. Суддівська група священиків Ватикану мала завдання вибрати «обраного».
Крістіан виступав із Музею мистецтв у Бонні за кілька годин до показу свого нового фільму, Соціальна пластична хірургія (2021) на замовлення музею для святкування 100-річчя Йозефа Бойса. У фільмі представлені інтерв’ю колекціонерів Бойса про життя з творами мистецтва понад 40 років, а серія фотографій зображує хірургів (з сусідньої клініки пластичної хірургії Youth Fountain Clinic), які відтворюють знамениті пози Бойса або називають операції на його честь. Як відзначив учасник Get Together, ця робота виглядає особливо доречною, враховуючи, що сам Бойс був великим самопіарником, який створив шари міфологізації навколо власної легенди.
Джоан Лоус є редактором видання Visual Artists' News Sheets.
