JOANNE LAWS PHỎNG VẤN ELIZABETH MAGILL VỀ VIỆC THỰC HÀNH SƠN CỦA CÔ ẤY.
Joanne Laws: Bạn có thể mô tả khung cảnh studio và thói quen vẽ tranh của mình không?
Elizabeth Magill: Studio của tôi nằm trong khu phức hợp với các nghệ sĩ khác do tổ chức ACME ở Đông London điều hành. Đó là một khối lập phương màu trắng rộng 700 foot vuông với ánh sáng chiếu vào từ phía nam và nhìn vào Mill Row, con đường một chiều hẹp được bao phủ bởi khối nhà bốn tầng bằng gạch nâu và bê tông xám của các căn hộ hội đồng, được xây dựng vào những năm 1970. Tôi đã ở đây lâu rồi nên đã quen với khung cảnh này. Tôi thích sự can thiệp thị giác ở mức độ thấp của nó. Tôi cũng có một không gian làm việc nhỏ hơn trên bờ biển Antrim, nhưng khi đến đó, tôi dường như chỉ ngắm nhìn khung cảnh tuyệt đẹp nhìn ra biển. Thói quen của tôi không liên tục vì tôi thường chạy loanh quanh để làm việc khác. Trước đây, tôi đã có nhiều khoảng thời gian ở studio cô đọng hơn, khi tôi làm việc ít nhất sáu ngày một tuần, đôi khi làm việc cả ngày lẫn đêm, nhưng đây không còn là tôi nữa.
JL: Tôi đã đọc ở đâu đó rằng bạn không nhất thiết phải coi mình là một họa sĩ phong cảnh nhưng sự cam kết trọn đời với phong cảnh vẫn thể hiện rõ trong tác phẩm của bạn. Bạn có xu hướng vẽ những cảnh quan quốc gia nào, nếu có?
EM: Tôi quan tâm đến thể loại phong cảnh như một cách để khám phá ngôn ngữ nghệ thuật, khả năng hội họa và những ý tưởng xung quanh tiểu sử cá nhân. Đối với tôi, nó dường như mang đến một không gian để cố gắng suy nghĩ về bức tranh toàn cảnh hơn và ý nghĩa của việc trở thành một phần của thế giới này. Phong cảnh đi vào tác phẩm của tôi chủ yếu đến từ các đặc điểm địa lý xung quanh Glens of Antrim nơi tôi lớn lên. Điều này dường như đã cung cấp cho tôi một loại phông nền trực quan nào đó. Góc đặc biệt này của Ireland có phong cảnh khá đẹp nhưng lịch sử ở đó thường có vẻ mâu thuẫn hoặc xung đột với vẻ đẹp tự nhiên này. John Berger vĩ đại quá cố, trong ấn phẩm cuối cùng của mình, Phong cảnh: John Berger về nghệ thuật, đã viết: “Đôi khi một phong cảnh dường như không phải là bối cảnh cho cuộc sống của cư dân nó mà là một bức màn đằng sau đó diễn ra những cuộc đấu tranh, thành tựu và tai nạn của họ… những địa danh không chỉ mang tính địa lý mà còn mang tính tiểu sử và cá nhân”.
JL: Những khía cạnh nào của tiêu chuẩn vẽ tranh phong cảnh truyền thống khiến bạn quan tâm nhất?
EM: Có rất nhiều nghệ sĩ mà tôi ngưỡng mộ, đặc biệt thuộc thể loại tranh phong cảnh 'truyền thống' hơn này. Để kể tên một vài người, tôi có thể kể đến Van Gogh, Cezanne, Turner, Courbet, Munch, Balka, Constable, Whistler, Corot và nhiều nghệ sĩ Nga thế kỷ 19, đặc biệt là Levitan. Tôi cũng rất thích những bức tranh phong cảnh của Kurt Schwitters, khi ông sống ở vùng nông thôn Na Uy sau khi chạy trốn khỏi Đức Quốc xã. Những nghệ sĩ đương đại mà tôi thích có những bức tranh cũng thể hiện phong cảnh bao gồm Per Kirkeby, Gerhard Richter, Ed Ruscha, Richard Long, Peter Doig và Chris Ofili, có lẽ là những tác phẩm đầu tiên của Keifer, Mamma Andersson và Neo Rauch. Nhưng tôi cũng quan tâm đến các nhiếp ảnh gia, đặc biệt là Annelies Strba, Thomas Struth và một số người thời Victoria như Henry Peach Robinson, Oscar Gustave Rejlander và Clementina Hawarden.
JL: Văn học, đặc biệt là văn học Ireland, là một loại hình nghệ thuật đã phải vật lộn với sự phức tạp của cảnh quan theo thời gian. Điều này có ảnh hưởng gì đến công việc của bạn không?
EM: Với sở thích chụp ảnh và in ấn cũng như việc sử dụng nhiều phương tiện khác nhau, tôi cố gắng tạo ra cảm giác lai tạp trong tác phẩm của mình, vì vậy nó không thể dễ dàng gói gọn trong một diễn ngôn. Các nhà văn Ireland theo chủ nghĩa hiện đại thực nghiệm Beckett và Joyce đã ảnh hưởng rất lớn đến suy nghĩ của tôi bằng tài năng đáng kinh ngạc của họ trong việc nắm bắt cấu trúc câu chuyện của họ trong khi dường như ném chúng lên không trung. Tôi cố gắng noi theo sự tự tin về ngôn ngữ, pha trộn với sự coi thường lành mạnh và tình yêu đối với phương tiện truyền thông. Những cuốn sách khác đã làm phong phú thêm tư duy của tôi, đặc biệt là liên quan đến phong cảnh, có thể được mô tả là những cuốn sách nửa lang thang hoặc những quan sát mang tính báo chí.
Tôi đã vượt qua Minch của Louis MacNeice là một cuốn sách du lịch được ông thực hiện vào mùa xuân và mùa hè năm 1937 khi đến thăm Quần đảo phía Tây của Scotland. Hóa ra đó là một kiểu trò đùa bất kính. Tuy nhiên, trái ngược với những khó khăn về thể chất và tinh thần mà MacNeice gặp phải, ông kết thúc cuốn sách của mình bằng một bài thơ vô cùng cảm động, Trên những hòn đảo đó, biến sự khắc nghiệt mà anh trải qua thành một bức chân dung sâu sắc về một dân tộc và nền văn hóa gần như đã biến mất của họ ở rìa nước. của Simon Schama Phong cảnh và Trí nhớ, Roger Deakin's Wildwood: Hành trình xuyên rừng và Những chiếc nhẫn của sao Thổ của WG Sebald cũng liên quan đến du lịch, cả về địa lý và tâm trí. Tôi cũng rất thích Joseph Conrad Trái tim của bóng tối, Truman Capotes Trong máu lạnh, JM Coetzee's Trong lòng đất nước, Flannery O'Connor's, Khôn ngoan Blood và của Adam Nicholson, Phòng biển. Tôi thích cách những nhà văn này tạo ra cảm giác mạnh mẽ về địa điểm, đưa người đọc vào một thế giới khác một cách đầy gợi cảm nhưng chắc chắn.
JL: Đối với tôi, những bức tranh phong cảnh của bạn thường có những yếu tố đáng kinh ngạc, không tự nhiên hoặc thậm chí siêu nhiên: một ánh sáng đáng ngại, một vụ nổ ngụ ý hoặc các thành phần lạc lối như một cái cây có màu tổng hợp. Có cảm giác rằng bạn đang cố gắng phá hoại hoặc phá vỡ sự yên tĩnh (và gánh nặng lịch sử) của khung cảnh đồng quê không?
EM: Những yếu tố đáng kinh ngạc hoặc siêu nhiên mà bạn nhắc đến có thể chỉ là dấu hiệu của tính khí. Tôi không chắc. Tôi đoán là tôi bị thu hút bởi các yếu tố tương phản và những thời điểm quan trọng trong ngày, như bình minh hay hoàng hôn, nơi người ta có thể dễ dàng chuyển sang thời điểm khác; bóng tối đe dọa tiêu thụ ánh sáng hoặc ngược lại. Đối với tôi, điều này tạo ra một số loại xung đột thị giác hoặc khả năng xảy ra các sự kiện. Đối với tôi, dường như khi màn đêm buông xuống, bầu trời thường có thể rất sáng, tương phản hoàn toàn với bóng tối của mặt đất. Đối với tôi, việc đưa tác phẩm của mình đến một nơi hoàn toàn phù hợp với cách tôi cảm nhận, suy nghĩ và giải thích thế giới luôn là một cuộc đấu tranh thực sự. Tôi cố gắng tạo ra một bộ gõ gồm nhiều yếu tố khác nhau cùng tồn tại. Tôi thích tác phẩm đã hoàn thành bằng cách nào đó có vẻ mở rộng khả năng, nhưng cũng có giới hạn.
JL: Một số bức tranh gần đây của anh có chất lượng gần giống như tranh batique, với bề mặt giống như sáp bị nứt, trong khi các tác phẩm khác sử dụng quy trình in ấn. Là một họa sĩ, bạn tiếp cận bề mặt như thế nào?
EM: Bề mặt của tác phẩm là thứ có thể thu hút sự chú ý về mặt thị giác và có lẽ là ý nghĩa. Kết cấu là một phần được tích hợp đầy đủ của bức tranh nhưng bản thân nó lại là một thứ riêng biệt. Nó đạt được thông qua việc tích tụ sơn dầu pha loãng và đánh dấu, thường trong nhiều tháng, đôi khi nhiều năm, cho đến khi tôi đạt được cảm giác về địa điểm hoặc thứ gì đó gần như tin cậy để tiếp tục làm việc. Canvas không bao giờ có cảm giác hoàn chỉnh cho đến khi chất lượng bề mặt này tự nó trở thành một thực thể trực quan. Với những tác phẩm gần đây, tôi đã tạo ra một loại bề mặt khác bằng cách sử dụng phương pháp in lụa trên canvas đã sơn. Với phần giới thiệu này, tôi đã tìm ra những cách trực tiếp để kết hợp các bức ảnh của mình vào vùng sơn. Điều này lần lượt thiết lập một cuộc đối thoại giữa hội họa và hình ảnh nhiếp ảnh hoặc làm mờ đi ranh giới giữa hai thể loại.
JL: Kiến trúc và hình tượng hiếm khi được khắc họa trong phong cảnh của anh. Đây có phải là sự tập trung có chủ ý vào sự rộng lớn đầy cảm hứng của thiên nhiên vượt ra ngoài phạm vi nhân văn hơn?
EM: Mặc dù tác phẩm của tôi được cho là không có người ở nhưng các hình tượng và tòa nhà vẫn thường xuyên xuất hiện. Tôi cố gắng làm việc với những yếu tố này theo cách mà chúng không trở thành một tính năng quá nổi trội. Tôi nhận thấy rằng nếu một cấu trúc hoặc hình dáng nhân tạo là trọng tâm chú ý chính thì tác phẩm tổng thể có thể bị tổn hại, với cảnh quan trở thành thứ yếu hoặc làm nền cho một số câu chuyện ngụ ý. Tuy nhiên, cách đây vài năm, tôi đã đến thăm tòa nhà studio mà Henry Moore đã xây dựng ở làng Many Hadham, ở Hertfordshire, Anh, nơi được người dân địa phương gọi là 'Hogsland'. Tôi thấy studio giống như trung tâm nơi tư duy và nghệ thuật có thể hình thành trong nội bộ. Có lẽ trong đầu người nghệ sĩ luôn có một 'studio' suy nghĩ. Năm 2016 tôi hoàn thành bức tranh mang tên Hogsland, đặt cấu trúc tòa nhà studio của Moore ở trung tâm bức vẽ của tôi giống như một trung tâm của các ý tưởng. Dòng suy nghĩ này cũng có ảnh hưởng nhất định đến tiêu đề của triển lãm lưu diễn sắp tới của tôi là 'Headland'. Mũi đất là một địa danh địa lý (thường được nhìn từ xa), đối với tôi, nó cũng đại diện cho các quá trình tinh thần diễn ra trong tâm trí mỗi người.
Elizabeth Magill sinh ra ở Canada, lớn lên ở Bắc Ireland và sống ở London. Cô được đại diện bởi Anthony Wilkinson, London và Phòng trưng bày Kerlin, Dublin.
Triển lãm cá nhân của Magill, 'Headland', do Phòng trưng bày Nghệ thuật Thành phố Limerick (LCGA) phụ trách và lưu diễn với sự hợp tác của RHA, Dublin và Bảo tàng Ulster, Belfast. Dự án đã được hỗ trợ thông qua Chương trình Lưu diễn và Phổ biến Tác phẩm của Hội đồng Nghệ thuật. Triển lãm sẽ ra mắt tại LCGA vào ngày 8 tháng 2017 năm 18, với phần giới thiệu của Tiến sĩ Barbara Dawson, Giám đốc Phòng trưng bày Hugh Lane, Dublin. Triển lãm sau đó sẽ được trưng bày tại RHA từ ngày 2018 tháng 2018 năm 9 và Bảo tàng Ulster từ tháng 12 năm XNUMX trở đi. Nghệ sĩ sẽ trò chuyện với Stephen Snoddy vào lúc XNUMX giờ trưa thứ Bảy ngày XNUMX tháng XNUMX tại LCGA.
Hình ảnh được sử dụng: Elizabeth Magill, Đầu nguồn, 2016–17, tranh sơn dầu và lụa trên canvas; hình ảnh lịch sự của Hugo Glendinning và nghệ sĩ. Elizabeth Magill, Dọc theo, 2016–17; hình ảnh lịch sự của Phòng trưng bày Wilkinson và nghệ sĩ.
