JENNIFER TROUTON VÀ SIAN COSTELLO THẢO LUẬN VỀ CÁCH TIẾP CẬN VỚI HỘI HỌA VÀ CÁC TRIỂN LÃM CỦA HỌ TẠI NHÀ ORMSTON.
Jennifer Trouton: Thực hành hội họa của tôi được truyền cảm hứng từ mối quan tâm của tôi về sự mất giá trị của các nghệ sĩ nữ trong lịch sử và các thể loại mà họ, do không được tiếp cận, buộc phải chấp nhận. Nhiều năm trước, tôi đã đọc một câu trích dẫn của thành viên sáng lập Viện Hàn lâm Nghệ thuật Hoàng gia, Ngài Joshua Reynolds: “Hãy để đàn ông bận rộn với tất cả những gì liên quan đến nghệ thuật vĩ đại… hãy để phụ nữ bận rộn với… việc vẽ hoa.”1 Điều này thúc đẩy tôi đến với các họa sĩ nữ như Vanessa Bell, Angelica Kauffman và Rachel Ruysch. Đến lượt mình, điều này dẫn đến việc tôi tạo ra các bức tranh tĩnh vật đương đại được mã hóa, kể lại lịch sử về những trải nghiệm sống của phụ nữ thông qua các vật thể và không gian chứng kiến cuộc sống của họ. Tôi tin rằng các hoạt động của chúng tôi có mối quan tâm về nữ quyền ở cốt lõi, nhưng nơi tôi khám phá không gian và vật thể, bạn khám phá hình thức phụ nữ, định hình lại vai trò của nó trong lịch sử nghệ thuật.
Sian Costello: Tôi thích cách bạn sử dụng tĩnh vật phản ánh đồng thời cả sự vắng mặt và sự hiện diện thường trực của phụ nữ trong suốt lịch sử nghệ thuật và xã hội đương đại. Tôi thường sử dụng các bức tranh từ thời kỳ Baroque và Rococo làm tài liệu tham khảo và bị cuốn hút bởi vai trò của người mẫu của nghệ sĩ như một cộng tác viên không được công nhận rộng rãi trong việc tạo ra những tác phẩm nghệ thuật được ca ngợi và có ảnh hưởng này. Tôi coi đây là sự mở rộng của sự tầm thường hóa rộng hơn của lao động nữ. Trong các bức tranh của mình, tôi sử dụng chính cơ thể mình làm người mẫu để đánh giá lại công việc vật lý liên quan đến việc duy trì tư thế và đảo ngược động lực quyền lực đã được thiết lập giữa nghệ sĩ, người mẫu và người xem.
JT: Tôi dành nhiều tháng, thậm chí nhiều năm, để nghiên cứu và phát triển hình ảnh của mình trước khi tiếp cận một bức tranh. Đối với tôi, bắt đầu vẽ giống như một bước cuối cùng, vì hầu hết các quyết định đã được đưa ra. Nhưng khi nhìn vào tác phẩm của bạn, tôi cảm thấy thực sự tràn đầy năng lượng và sự vui tươi, điều này khiến tôi nghĩ rằng hành động vẽ tranh thực tế gần hơn nhiều với sự khởi đầu của quá trình sáng tạo của bạn. Những nét cọ của bạn gợi ý một cách tiếp cận trực quan hơn.
SC: Tôi luôn cố gắng vẽ từ trong ruột. Tôi thường không chắc bức tranh sẽ trông như thế nào khi hoàn thành, nhưng thay vào đó, tôi thích quá trình tìm ra cách phản ứng với mỗi dấu vết mới được tạo ra. Tôi xây dựng các bức tranh của mình theo từng lớp, từ một bức vẽ phấn màu trên vải thô, cho đến lớp sơn lót, và sau đó sơn dầu phải được đặt một cách chiến lược trên các khu vực được sơn lót nhiều hơn. Đó là cách tôi giữ được động lực vẽ tranh trong suốt mọi giai đoạn thực hiện, nhưng nó cũng có thể dẫn đến rất nhiều sự thất vọng và mất thời gian. Đôi khi tôi ước mình có một quy trình đáng tin cậy hơn, nhưng thành thật mà nói, tôi nghĩ mình sẽ bắt đầu thoát khỏi nó ngay khi tôi đã thiết lập được nó!
JT: Tiêu đề là thứ mà cả hai chúng tôi đều đồng ý là quan trọng trong việc trình bày tác phẩm của mình. Tôi thấy những tác phẩm không có tiêu đề gây khó chịu và thậm chí là thất vọng. Đối với tôi, tiêu đề là biển báo đầu tiên khi đọc một hình ảnh. Tôi nghĩ về các bức tranh của mình như bản đồ và tiêu đề là manh mối cần giải mã. Tôi dành nhiều thời gian để cân nhắc chúng. Đôi khi chúng xuất hiện ở phần đầu, phần giữa hoặc phần cuối của quá trình, nhưng chúng không bao giờ vội vã hoặc là một suy nghĩ sau đó.
SC: Tôi đã sử dụng tiêu đề như một cách để báo hiệu một cái gì đó trừu tượng trong hình ảnh của tôi. Tôi thích sử dụng âm thanh của các từ như một nét cọ khác, một lớp thu hút lưỡi của người xem và kích hoạt một ký ức, đưa họ đến một nơi nào đó khác ngoài trước bức tranh của tôi. Sẽ tốt hơn nếu hiệu ứng đó là hài hước; ví dụ, loạt tranh năm 2023 của tôi, 'Le Gubbeen', dựa trên bức tranh cuối thời kỳ Rococo của Jean-Honoré Fragonard, Gimblette (1770). Có điều gì đó rất buồn cười và khiếm nhã về phô mai.
JT: Bạn cảm thấy thế nào về vai trò của cái đẹp trong tác phẩm của mình? Tôi thường gọi tác phẩm của mình là đẹp về mặt thẩm mỹ, nhưng hiếm khi đẹp. Tôi đấu tranh với cái đẹp vì nó thường gắn liền với sự nữ tính và do đó không được coi là mối quan tâm nghệ thuật nghiêm túc. Việc gọi một thứ gì đó là đẹp có khả năng làm giảm sức mạnh của nó và hạ thấp nó xuống thành một nghề thủ công trang trí, mà người theo chủ nghĩa nữ quyền trong tôi ghét cay ghét đắng. Tôi cố tình tạo ra những bức tranh tĩnh vật hấp dẫn và sử dụng bảng màu gợi lên cảm giác hoài niệm. Điều này là để thu hút khán giả của tôi trước khi yêu cầu họ cũng xem xét những thực tế khó chịu chứa đựng bên trong. Sức mạnh nằm trong vẻ đẹp.
SC: Chủ đề mà tôi xử lý liên quan trực tiếp đến việc theo đuổi cái đẹp trong lịch sử nghệ thuật tượng hình. Tôi quan tâm đến việc ai được hưởng lợi từ việc xây dựng cái đẹp, và điều gì xảy ra khi xã hội phản đối những gì mà nó từng coi là "gu thẩm mỹ tốt". Tôi đặc biệt hài lòng với một bức tranh khi tôi cảm thấy nó đang chênh vênh trên bờ vực của một cái gì đó đẹp đẽ và một cái gì đó ghê tởm, giống như lớp bóng trên mái tóc bóng mượt, khi nhìn kỹ hơn, có vẻ nhờn và không được gội.
JT: Là một nghệ sĩ ở độ tuổi 50, tôi nhận thức sâu sắc rằng nền giáo dục và sự nghiệp ban đầu của tôi khác biệt về mặt điện tử so với bạn. Tôi không bị gánh nặng bởi sự phong phú của thông tin, hình ảnh và cơ hội mà internet siêu nhanh ngày nay mang lại. Và tôi không chắc liệu mình có tìm thấy phong cách hay giọng nói riêng trong bối cảnh của tất cả những tiếng ồn bên ngoài đó không. Là một nghệ sĩ Gen Z, internet và phương tiện truyền thông xã hội đã tác động như thế nào đến hoạt động của bạn, theo hướng tốt hay xấu?
SC: Tôi tốt nghiệp vào đầu đại dịch và cảm thấy đặc biệt dễ bị tổn thương trước áp lực phải làm hài lòng khán giả và xây dựng thương hiệu nhất quán ngay từ đầu. Mặc dù vậy, mạng xã hội đã rất tốt với tôi và mở ra những cơ hội mà tôi không bao giờ có thể tiếp cận nếu không có những mối quan hệ lớn trong giới nghệ thuật ở các thành phố lớn. Mọi thứ giờ đây có vẻ dân chủ hơn, nhưng tôi biết rằng việc duy trì kết nối với các cộng đồng ngoài đời thực là rất quan trọng. Tôi nghĩ rằng đó là chìa khóa để duy trì bất kỳ sự trường tồn nào trong nghệ thuật sau khi tốt nghiệp đại học.
Jennifer Trouton là một nghệ sĩ có trụ sở tại Queen Street Studios ở Belfast. Triển lãm sắp tới của cô, 'In Plain Sight', sẽ diễn ra tại The RHA từ ngày 5 tháng 5 đến ngày 2024 tháng XNUMX năm XNUMX.
jennifertrouton.com
Sian Costello là một nghệ sĩ làm việc tại James Street Artists' Studios ở Limerick. Triển lãm cá nhân gần đây của cô, 'Hot Child', được trình bày tại Ormston House từ ngày 26 tháng 31 đến ngày 2024 tháng XNUMX năm XNUMX.
@siancostelloart
1 Norman Bryson, Nhìn vào những điều bị bỏ qua: Bốn bài luận về tranh tĩnh vật (Luân Đôn: Sách Reaktion, 1990)
