Phòng trưng bày Kevin Kavanagh, Dublin, 1 tháng 1 - 2017 tháng XNUMX năm XNUMX
Hãy liên hệ với Tôi bắt đầu bằng cách thú nhận điều gì đó: trong suốt hai năm qua, tôi đã phỏng vấn Diana Copperwhite hai lần trên máy quay. Trong những cuộc trò chuyện đó, chúng tôi hầu như không chạm vào người theo chủ nghĩa hình thức 'cái gì vậy?' những bức tranh của cô ấy với nỗ lực tránh những đoạn hội thoại lầy lội. Các cuộc trò chuyện được quay phim tập trung nhiều hơn vào vấn đề chung chung 'tại sao?' của hội họa và họa sĩ, bản chất và sự nuôi dưỡng của tất cả; tranh như một động từ hơn là một danh từ.
Khi tôi được yêu cầu viết một bài đánh giá về buổi biểu diễn cá nhân của Copperwhite, 'Crooked Orbit', tại Phòng trưng bày Kevin Kavanagh - nghĩa là đối đầu với 'chuyện gì vậy?' tiếp tục đi - Tôi xoay người và quay lại trước khi nhận lời. Điều tôi phát hiện ra là biết 'tại sao?' có thể tô màu cho tầm nhìn của bạn. Nhưng trước khi chúng ta đến đó, đầu tiên là một mô tả. (Lưu ý: Tôi sẽ không mô tả vòng vo bắt buộc về từng bức tranh trong phòng trưng bày bởi vì khi bạn mô tả một trong những bức tranh của Copperwhite, bạn sẽ mô tả tất cả chúng. Nghe có vẻ khắc nghiệt - một bài phê bình quá sớm trước khi thay quần áo - nhưng đây là trường hợp cho hầu hết các bài thuyết trình đơn lẻ của hội họa nghiêng về phía trừu tượng. Bức tranh như thế này đánh bại sự miêu tả).
Bao gồm khoảng 10 bức tranh, có quy mô từ kích thước trung bình đến khá lớn (theo quy mô hội họa Ireland), ấn tượng ban đầu về tác phẩm mới của Copperwhite là có rất ít sự thay đổi trong ứng dụng, tông màu, hình thức và bố cục từ bức tranh này đến bức tranh tiếp theo. Giống như cách một người khiếm thính với các sắc thái của 'nhạc buồn mắt' có thể nói: "Tất cả đều giống tôi!" Nhưng một sự ví von về âm nhạc như vậy không hề lãng phí ở đây.
Giống như nhạc jazz lấy cảm hứng từ Mondrian Nhạc kịch Boogie Woogie (1943) hay việc Kandinsky sử dụng 'sáng tác', 'ấn tượng' và 'ngẫu hứng' để đặt tên cho các bức tranh của mình, Copperwhite cũng kết hợp trữ tình với những tính từ âm nhạc như 'bất hòa' và 'hòa hợp' khi mô tả những căng thẳng và tương phản vốn có trong tranh của cô. Nhưng âm nhạc là âm nhạc và hội họa là hội họa, và khi chúng ta thảo luận về sự bất hòa và hòa hợp theo nghĩa trái nghĩa, hội họa không nằm trong danh sách không khoan nhượng như âm nhạc. Thanh ghi trực quan là chủ quan hơn, trong khi tiếng ồn ... chỉ là tiếng ồn.
Tôi nhận thấy ngay ở Kevin Kavanagh rằng không có dấu hiệu nào về những bức chân dung sơn phết đặc trưng của Copperwhite - những gương mặt đặc sắc của cô ấy mà tôi đã hướng tới trong các buổi biểu diễn solo trước đây như một điểm neo ổn định hình ảnh. Cảm giác 'bị cuốn vào' bởi sự vắng mặt của họ thúc đẩy tôi tìm kiếm một số chủ thể định hướng khác ẩn dưới lớp vỏ chăn béo bở của sự trừu tượng điều chỉnh của Copperwhite. Nhưng mọi thứ ở đây đều mất đi sự gợi ý, giống như những nhân vật ma quái nằm trên giường sau coital. Tất cả mọi thứ là ibid. Vì vậy, tôi kêu gọi một số lịch sử tham khảo để định hướng cho bản thân. Nếu quỹ đạo thẳng, nó sẽ rất nhàm chán.
Nói một cách tổng thể, tranh của Copperwhite làm tăng thêm khả năng vẽ và vẽ của Âu Mỹ thời hậu chiến. Tuy nhiên, trong cách xử lý của cô, chủ nghĩa hiện sinh, chủ nghĩa biểu hiện và chủ nghĩa tượng hình của nạn đói thời hậu chiến, giả sử các nghệ sĩ như Alberto Giacometti và Edward Hopper, đã trở nên béo ngậy và rực rỡ. Các nhân vật của Copperwhite không tập thể một mình trong một quán ăn ở Manhattan uống cà phê à la Hopper's ban đêm (1942), hoặc đào sâu vào một ổ của nhân loại bất di bất dịch theo cách thức của Giacometti. Nghĩa bóng của Copperwhite chống lại những mảng sơn giống như một chiếc bánh kẹp bằng đốt ngón tay ép vào một món đồ chơi có màn hình ghim.
Họa sĩ người Romania, Virtuoso, Adrian Ghenie, được coi là một người đồng trang lứa đương thời, nhưng trong khi Copperwhite là người sai về chi tiết tượng hình và là người khai thác các phán đoán trực quan, Ghenie cung cấp thêm một chút cơ bắp và xương cho chúng ta thưởng thức. Các công trình kiến trúc của Copperwhite thu mình lại dưới làn sóng xám đầy màu sắc; quang phổ hình ống và những chùm đèn neon của cô ấy bị bao trùm trong một chướng ngại vật màu xám của sự do dự và không chắc chắn, trông giống như Chính trị Mới.
Mặc dù có đủ những tên lửa đẩy quả quýt nguyên tử và ban đêm neon xanh để đắm mình trong Kevin Kavanagh, đôi khi tôi nghĩ rằng có quá nhiều cơ hội và trực giác cũng như không đủ độ chính xác và khả năng kiểm soát trong cách tiếp cận của Copperwhite (đó là lý do tại sao tôi tin rằng những bức chân dung được sơn đầy sắc sảo của nghệ sĩ là một yếu tố cần thiết trong phần trình bày một mình tác phẩm của cô ấy ).
Tiêu đề của triển lãm buộc phải chụp hai mặt đất bên dưới và bầu trời bên trên - vị trí của chúng ta ở giữa. Và rồi mơ mộng: Tôi lại là một đứa trẻ, lơ lửng trong sự ngạc nhiên phía trên hệ hành tinh được minh họa đầy màu sắc trong một số bách khoa toàn thư có mùi hôi của yore, và tưởng tượng nó trông như thế nào bên ngoài Vết Đỏ Lớn trên Sao Mộc. Nhưng những bức tranh của Copperwhite - mặc dù vẫn mang trong mình cảm giác kỳ thú sâu sắc - gần với sàn hơn, gần nhà hơn, gần với bản thân hơn.
Trên phim, Copperwhite đã mô tả một kỷ niệm đầu tiên mà cô ấy đang tìm kiếm một bó bút đánh dấu và cha cô ấy đã ngăn cản cách tiếp cận của cô ấy. Sau đó, cô ấy mô tả những gì cô ấy cảm nhận là một môi trường màu xám ngột ngạt, trái ngược với độ sáng vượt quá tầm với của các điểm đánh dấu. Nhìn quen không?
James Merrigan là một nghệ sĩ và nhà phê bình nghệ thuật có trụ sở tại Thành phố Waterford. Bộ phim Tất cả hoặc Không gì của anh ấy cũng được đề cập trong số báo này của VAN.
Hình ảnh: Diana Copperwhite, Quẹo quỹ đạo, 2017, sơn dầu trên vải, 56 x 71 cm.
