AOIBHEANN GREENAN NÓI VỚI ANDREW KEARNEY VỀ SỰ TIẾN HÓA CÔNG VIỆC CỦA MÌNH.
Aoibheann Greenan: Một trong những điều đầu tiên khiến tôi ấn tượng về công việc của bạn là việc bạn sử dụng các công nghệ động học. Mối quan tâm của bạn về động học bắt đầu từ khi nào?
Andrew Kearney: Là một sinh viên MA Sculpture tại Chelsea College of Art and Design, London, vào năm 1991, tôi đã có một không gian studio rộng lớn, kết hợp với việc gặp gỡ các sinh viên quốc tế khác, giảng dạy các nghệ sĩ và kỹ thuật viên tuyệt vời. Việc có thể sử dụng các hội thảo chuyên dụng đã mở rộng cách tiếp cận của tôi với công việc mà tôi đang phát triển. Cho đến lúc đó, hầu hết công việc của tôi đều dựa vào những bức tường. Nhưng từ thời điểm này, nó có thể trở nên gắn bó hơn với toàn bộ không gian mà nó sinh sống. Đối với tôi, khám phá chuyển động là cách thể hiện sự tự do mới mẻ này. Anh trai tôi, Erik, cũng đang sống ở London vào thời điểm này. Anh ấy là một kỹ sư điện tử. Sự gần gũi này cho phép chúng tôi thảo luận về các công nghệ mới và để tôi khám phá những phẩm chất biểu đạt của chúng trong thực tế của mình.
AG: Nhìn lại một trong những tác phẩm đầu tiên của anh – Untitled (1992) tại Serpentine Gallery, London – nhiều mối quan tâm xuyên suốt sự nghiệp của anh đã hiện hữu, đặc biệt là chủ đề giám sát. Anh có thể mô tả suy nghĩ của mình đằng sau tác phẩm đó không?
AK: Ở Ireland, vào thời kỳ "Xung đột", chúng tôi lớn lên trong nhận thức về sự giám sát và kiểm soát di chuyển. Khi vượt biên từ miền nam sang miền bắc, bạn sẽ bắt gặp những cấu trúc bê tông và thép mạ kẽm lớn tạo thành một ranh giới. Sau này, khi là một người nhập cư Ireland ở London, tôi đã trực tiếp trải nghiệm sự dè dặt của mọi người và nhận thức được sự hiện diện của các camera đang theo dõi; vào thời điểm đó, nỗi sợ hãi về các vụ đánh bom của IRA ở khu tài chính rất cao. Cấu trúc giống như lâu đài của tác phẩm Untitled (1992) phản ánh những trải nghiệm trước đó về những gì bạn được phép hoặc không được phép tiếp cận, và trải nghiệm cá nhân của tôi với tư cách là một người đồng tính nam trong một môi trường xa lạ. Lớp vỏ của lâu đài được làm từ cùng loại vật liệu thép mạ kẽm lượn sóng quen thuộc, nhưng lần này được lắp ráp mà không để lộ bất kỳ mối nối bên ngoài nào, hoàn toàn không thể xuyên thủng. Các bức tường được gắn trên các đường ray thép hình tròn, để cấu trúc có thể xoay ngẫu nhiên, chặn hoặc mở không gian mà khách tham quan có thể sử dụng. Khi quyền kiểm soát chuyển từ người xem sang chính tác phẩm nghệ thuật, mọi người có thể ngước nhìn cấu trúc màu hồng mơ hồ bên trong tường thành nhưng không thể hiểu được mục đích của nó.
AG: Các tác phẩm của anh thường tích hợp các cảm biến khai thác các quá trình phi vật chất như âm thanh hoặc chuyển động. Ví dụ, trong trường hợp tác phẩm Silence (2001/10), anh đã đặt một micro bên ngoài Phòng trưng bày Thành phố Limerick, chuyển đổi tiếng ồn đường phố thành một tác phẩm ánh sáng và âm thanh bên trong một quả cầu bơm hơi trong phòng trưng bày. Ý định đằng sau những cử chỉ chuyển đổi này là gì?
AK: Những hiện tượng hàng ngày được bản địa hóa này đã trở thành một cách để giới thiệu những nhịp điệu không thể đoán trước trong quá trình làm nghệ thuật của tôi. Nguồn cấp dữ liệu âm thanh trực tiếp, kết hợp với mức độ lux, được sử dụng để ghi điểm và giới thiệu tổng hợp mới trong một không gian nhất định, làm cho không gian quen thuộc trở nên xa lạ. Cùng một tập hợp các đối tượng trong các địa điểm khác nhau có thể thay đổi khi giới thiệu các nhịp điệu địa phương và mới. Các thành phần vật chất và phi vật chất, được phát triển song song với nhau, đã trở thành một phần cơ bản trong phương pháp luận của tôi.
AG: Tôi nhận thấy rằng các giá đỡ kết cấu thường được giấu trong công việc của bạn. Các hình thức lơ lửng dường như được thả nổi, tạo cho chúng một sự hiện diện tự chủ. Nó khiến tôi nghĩ về cách mà các công nghệ mới ngày càng che giấu phương tiện, để tạo ra cảm giác tức thì cao hơn. Đây có phải là một cái gì đó thông báo cho công việc của bạn?
AK: Vâng, tôi rất ý thức về vai trò của khán giả, hay đúng hơn là cách tôi nhìn nhận vai trò của họ, như những tình nguyện viên bất đắc dĩ trong một sự kiện âm thanh, ánh sáng rực rỡ. Ví dụ, với tác phẩm Skylum (2012) ở Toronto, không có bất kỳ giá đỡ nào có thể nhìn thấy. Tất cả những gì bạn có thể thấy là một cấu trúc bơm hơi hình elip cao 16 mét trong không gian. Bản nhạc của tác phẩm sử dụng 100 mẫu âm thanh; âm nhạc, ngôn ngữ nói, bài hát và tiếng động vật phản ứng với chuyển động của khán giả, điều này kích hoạt chuỗi âm thanh và ánh sáng luôn thay đổi. Tác phẩm sắp đặt trở thành một phương tiện và hoạt động bên dưới là một phần không thể thiếu của tác phẩm nghệ thuật. Tuy nhiên, tác phẩm che giấu cách thức đạt được điều này, làm tăng thêm sự mơ hồ giữa cái tôi và cái khác; giữa nghệ sĩ và công chúng.
AG: Những vật liệu thổi phồng này có tính năng nổi bật trong công việc của bạn, cùng với các chất tổng hợp khác, chẳng hạn như PVC, nhôm và cao su. Điều gì về những tài liệu này mà bạn bị thu hút?
AK: Tôi đã trải qua các giai đoạn với vật liệu. Tôi đã tạo ra các vật liệu thổi phồng phát sáng với các nguồn sáng bên trong; bạc có thể thổi phồng, phản ánh môi trường xung quanh luôn thay đổi của nó; bây giờ tôi đã bắt đầu tạo ra những quả cầu màu đen không phản chiếu, hoàn toàn là màng hấp thụ ánh sáng. Chúng có ý nghĩa tương tự như bóng bay thời tiết, đài lắng nghe, chủ nghĩa tôn sùng vật chất và màu đen của không gian bên ngoài. Người đàn ông hạ cánh trên mặt trăng, những ý tưởng mới về hiện đại, sự thể hiện và ảnh hưởng của khoa học viễn tưởng đối với hàng ngày của chúng ta luôn khiến tôi tò mò; cảm giác về sự khác biệt đó, hành trình vượt ra ngoài, ra khỏi chính mình hoặc từ nơi này đến nơi khác. Khi lớn lên, thực phẩm tổng hợp và vải được coi là một nhận thức tích cực về tương lai mới mà chúng ta đang bước vào. Ngày nay, những vật liệu nhân tạo này ám chỉ các quy trình công nghiệp, nghiên cứu và chức năng chống lại đặc tính lịch sử của không gian mà tác phẩm của tôi thường được thể hiện. Đối với tôi, nghệ thuật tạo ra một vật thể luôn hòa nhập với không gian kiến trúc mà nó sinh sống, tạo ra nhiều phương tiện và các quy trình. Vật liệu có bản chất và lịch sử vốn có của chúng. Trong trường hợp của tôi, đó là hành động tạo ra, tương tác vật lý với vật liệu, trong trường hợp của tôi là kết hợp các công nghệ mới với các quy trình làm việc truyền thống cũ hơn, được khám phá để tiết lộ những câu chuyện mới trong tác phẩm và vị trí của nó.
AG: Bạn có thể nói về mối quan hệ giữa địa điểm và ký ức trong công việc của bạn?
AK: Không gian luôn là một phần quan trọng trong quá trình luyện tập của tôi, là nơi khởi đầu mới! Ngay từ đầu trong sự nghiệp của tôi, các tòa nhà đã trở thành một phần phức tạp của quá trình chế tạo đó. Điều này dẫn đến những ý tưởng xung quanh công việc đang sống trong một môi trường, phát triển các mối quan hệ bên trong những nơi đó và lịch sử của họ. Các tác phẩm sắp đặt của tôi được phát triển trong bối cảnh quy mô, danh tính, giới tính, lịch sử địa phương, vị trí và quy trình của vật liệu.
AG: Điều này liên quan rất nhiều đến dự án nghiên cứu mà anh đã thực hiện tại Đại học Middlesex, có tiêu đề " Không gian, Tòa nhà, Tạo nên " (2005–08), trong đó anh đề xuất một cách tiếp cận mang tính thể hiện hơn đối với lịch sử kiến trúc. Anh có thể mô tả động lực thúc đẩy nghiên cứu này và nó đã ảnh hưởng như thế nào đến công việc anh đã thực hiện kể từ đó?
AK: Những năm này đã dành để nghiên cứu các ý tưởng xung quanh bản chất của trường đại học và mục đích sử dụng của nó, phương pháp luận của kiến trúc sư và cách không gian được phát triển cho một xã hội học thuật luôn thay đổi. Điểm âm được sáng tác về vật liệu xây dựng được sử dụng trong việc xây dựng khuôn viên trường; lịch sử được ghi lại và sau đó được nói ngẫu nhiên qua loa ở các khu vực khác nhau của tòa nhà; Những hình ảnh lịch sử về việc xây dựng tòa nhà đã được tìm thấy trong thư viện và được in lại trên chụp đèn của vật liệu chịu lửa, hình ảnh và văn bản cho thấy sinh viên và các hoạt động thay đổi của tòa nhà qua nhiều thập kỷ. Là một phần của một tổ chức trong ba năm cho phép tôi có thời gian để phát triển các tương tác với nhân viên, sinh viên và tòa nhà, điều này làm phong phú thêm câu chuyện của tác phẩm bằng cách sắp xếp các thực tế hiện tại và lịch sử của nơi đó, ảnh hưởng và phản ánh kinh nghiệm của chúng tôi về những cùng không gian hàng ngày trong khuôn viên trường đại học.
AG: Có cảm giác rằng nghiên cứu của bạn đang thấm nhuần về mặt vật lý kết cấu của thực tế, theo một cách rất khác với các phương thức hiển thị tự giác hơn, điều gì đó có thể dẫn đến sự tách biệt. Bạn định vị biên giới công việc của mình ở đâu?
AK: Bắt đầu với dự án A Long, Thin Thread (1997/98) mà tôi thực hiện tại sân bay Heathrow, tôi bắt đầu quan tâm đến việc tạo ra những tác phẩm hòa quyện với kiến trúc của một địa điểm theo cách mà người xem không thể phân biệt được ranh giới giữa tác phẩm nghệ thuật và không gian. Yêu cầu của dự án này là tạo ra một không gian hành lang trong sân bay, và tôi đã đạt được điều đó bằng cách mang lại cho tác phẩm nghệ thuật một cảm giác về chức năng, giống như hầu hết các vật thể khác trong sân bay. Tôi đã tạo hình bề mặt tường lượn sóng hình elip của không gian đó và gắn sáu mươi quả cầu đen được tạo hình bằng phương pháp hút chân không, mỗi quả cầu chứa bộ đếm số được kết nối với hai chùm tia hồng ngoại ghi lại sự di chuyển của hành khách từ Ireland đến Anh trong suốt một năm. Trong các tác phẩm khác, ranh giới rõ ràng hơn, ví dụ như trong triển lãm gần đây của tôi tại The Dock, Carrick-on-Shannon, tôi đã sử dụng rèm công nghiệp bằng nhựa PVC để khán giả nhận thức được rằng họ đang đi từ ngưỡng cửa này sang ngưỡng cửa khác.
Andrew Kearney là một nghệ sĩ người Ireland sống tại London. Từ năm 2017 đến năm 2019, cài đặt nhiều mặt của anh ấy, Cơ chế, đã đi lưu diễn đến Centre Culturel Irlandais (Paris), The Dock (Carrick-on-Shannon) và Crawford Art Gallery (Cork).
andrewkearney.net
Các tác phẩm trình diễn, sắp đặt và hình ảnh chuyển động của Aoibheann Greenan kiểm tra khả năng thay đổi của các tài liệu văn hóa theo thời gian, thăm dò tiềm năng biến đổi của chúng trong hiện tại.
aoibheanngreenan.com
Ảnh minh họa: Andrew Kearney, Mechanism , 2019, hình ảnh trưng bày, Cork; ảnh chụp bởi Jed Niezgoda, được sự cho phép của nghệ sĩ.
