Phòng trưng bày Taylor, Dublin
11 tháng 5 - 2 tháng 6 2018
Martin Gale's realist những bức tranh sơn dầu, được giới thiệu trong triển lãm cá nhân gần đây của anh ấy 'Bloodlines' tại Phòng trưng bày Taylor, gợi nhớ đến tác phẩm của những bậc thầy của thể loại Chủ nghĩa Hiện thực Mỹ, bao gồm Andrew Wyeth và Edward Hopper. Trong khi Wyeth thể hiện vẻ đẹp lộng lẫy của vùng nông thôn Mỹ và Hopper miêu tả những cư dân thành thị cô đơn trong các căn hộ và thực khách Mỹ, các bức tranh của Gale lại mang nét đặc trưng riêng của người Ireland - dẫn đến những hình dung khác lạ về 'miền tây hoang dã' của chính chúng ta (mặc dù có thể là Kildare, nơi nghệ sĩ sống). Sự thanh tao của Minus Wyeth và nhân đôi sự cô lập đáng ngại của Hopper, Gale vẽ những cảnh có màu kỹ thuật gợi nhớ đến Quiet Man, trừ đi sự hài hước, gợi ý rằng Ireland, tại một số thời điểm, có lẽ No Country for Old Men.2
Sinh năm 1949, Gale là thành viên của cả Aosdána và Học viện Hoàng gia Hibernian, và đã triển lãm tại Phòng trưng bày Taylor từ năm 1981, trong khi tác phẩm của ông nằm trong nhiều bộ sưu tập lớn của công chúng trên toàn quốc. Xem xét sự nghiệp của Gale cho đến nay, các bức tranh về mặt hình thức là hoàn hảo; người ta không thể mắc lỗi khi áp dụng các loại dầu của mình. Tuy nhiên, nghệ thuật thực sự nằm trong khung hình của Gale - phần sau của đầu và cơ thể của một người đàn ông đang đi đâu đó nhanh chóng, áo khoác bay tung tóe, in Bước ngắn, hoặc tiền cảnh của một con thỏ trong Chim ưng, khi một vận động viên chạy bộ từ xa đi qua - điều này tạo ra các góc kỳ lạ và điểm nhìn không đẹp mắt. Không giống như bức tranh đẹp như mơ của Wyeth, Christina's World (1948), đã truyền cảm hứng cho bộ phim Ngày của Trời 2, Bầu trời của Gale có nhiều mây hơn và không có sương mù, với chủ yếu là màu xanh lá cây và màu xám, do thời tiết Ireland. Giống như các bức tranh của Hopper, không phải con người của Gale hoặc phong cách của họ hoang tàn hoặc u ám, mà là bối cảnh nơi họ được đặt và không gian bao quanh họ.
Những người đàn ông sống ở các khu vực này chủ yếu là một mình, đến hoặc đi từ phía người xem trên những con đường và làn đường có nhiều vũng nước, đang hành trình để làm điều gì đó hoặc đã làm điều gì đó - chúng tôi còn lại để suy đoán về điều gì. Sự tạm thời vật lý của những nhân vật chính này thăm dò ở thời điểm tồn tại lớn hơn của tất cả chúng ta. Một vài ví dụ nổi bật về những người phụ nữ đơn độc - Cô gái mới, được trưng bày riêng lẻ trong một hội trường trên lầu, và kịp thời về mặt chính trị Cuộc hẹn - chứa đầy sự mơ hồ, giống với loạt ảnh dàn dựng của Cindy Sherman, 'Untitled Film Stills' (1977–80).
Các tác phẩm là hiện thực, chắc chắn, nhưng theo một cách kịch. Những khoảnh khắc hàng ngày - chờ đợi, đi bộ, có thể do dự - được nâng lên, leo thang qua các cảnh của Gale. Do thiếu sự lựa chọn chủ quan, tất cả chúng ta đều coi mình là anh hùng hoặc phản anh hùng trong thực tại của chính mình. Những bức tranh của Gale phản ánh trạng thái nội tâm này, ánh đèn sân khấu mà đôi khi chúng ta tưởng tượng mình được chiếu sáng hoặc bị giam cầm. Kỹ thuật chiếu sáng chắc chắn là một trong những kỹ năng của Gale. Ở trong Sáng hơn sau, một trong những khu vực nhỏ hơn, không có dân cư, ánh sáng chiếu vào đường chân trời trong khi con đường phía trước đi chệch hướng, gợi ý nhiều điều hơn là mặt trời lặn - có lẽ là cuối con đường hoàn toàn.
Chúng tôi gặp phải một trở ngại khi nói đến động vật. Thông cáo báo chí của phòng trưng bày nhấn mạnh sự tập trung vào các loài chim và động vật, đặc biệt nhất là ngựa, với ngụ ý chính xác về sự hiện diện của loài ngựa trong lịch sử gia đình của nghệ sĩ. Mặc dù rõ ràng là liên kết tiền đề của cuộc triển lãm, tôi thấy những bức tranh động vật này có phần nào đó được đánh bóng vào. Chúng không hoạt động ở cùng mức độ sắc thái và phức tạp như những bức tranh có nhiều người khác. Cùng với các đối tượng là con người, sự hiện diện của một con vật hoặc con chim trong một bức tranh vẽ có vẻ như là vật tổ hoặc vĩnh cửu. Cùng với việc tạo tiền cảnh thành công nói trên của bầy thỏ trong Chim ưng, một tác phẩm lớn hơn có tiêu đề Một cho nỗi buồn (trong đó có hình ảnh một người đàn ông đối mặt với một con chim ác là báo trước) nói lên sự vĩnh cửu của tự nhiên, đồng thời làm nổi bật tính phù du của chính chúng ta.
Các tác phẩm tốt nhất của nghệ sĩ có một góc cạnh; một bố cục đặc biệt hoặc đặc biệt, ám chỉ đến một cái gì đó - hoặc, lạnh thấu xương, không có gì - ở đường chân trời. Chúng tôi đọc các chủ đề con người của Gale như tràn ngập những cảnh quan đầy lo lắng. Tuy nhiên, khi được miêu tả một mình, các loài động vật của ông thường thiếu chiều sâu đạt được trong các tác phẩm khác, nơi mà sự hiện diện của con người có thể gợi ra một loại sự hữu hạn. Theo quan điểm của tôi, năm công trình nghiên cứu màu nước của Gale kém thành công nhất - góc cạnh đầy ấn tượng của nghệ sĩ bị giảm xuống theo đúng nghĩa đen - và nhìn chung có quá nhiều bức tranh được trưng bày - XNUMX tác phẩm trải dài trên bốn phòng, sảnh, cầu thang và bến đỗ. Những thứ vỡ ra từ đàn thực sự khá đáng ngạc nhiên, cho thấy rằng những con đường nông thôn ngoằn ngoèo của chúng ta có lẽ không giống mục đích như chúng ta tưởng.
Lily Cahill là đồng biên tập của Tạp chí Critical Bastards có trụ sở tại Dublin.
Chú ý
1 No Country for Old Men, Joel và Ethan Coen, 2007, dựa trên cuốn tiểu thuyết năm 2005 của Cormac McCarthy, lấy tựa đề từ bài thơ WB Yeats, Đi thuyền đến Byzantium (1928).
2 Ngày của thiên đường, Terence Malick, 1978.
Tín dụng hình ảnh
Martin Gale, Chim ưng, dầu trên vải, 105 x 120 cm; hình ảnh lịch sự của nghệ sĩ và Phòng trưng bày Taylor
Martin Gale, Weekender, 2017, sơn dầu trên vải, 105 x 120 cm; hình ảnh lịch sự của nghệ sĩ và Phòng trưng bày Taylor
