JOANNE LAWS PHỎNG VẤN EILIS O'CONNELL VỀ SỰ PHÁT TRIỂN TRONG HOẠT ĐỘNG CỦA MÌNH TRONG NĂM THẬP KỲ.
Joanne Laws: Có lẽ bạn có thể bắt đầu bằng việc phác thảo môi trường và mong muốn thực hành điêu khắc ở Ireland vào cuối những năm 70, khi bạn tốt nghiệp Trường Nghệ thuật và Thiết kế Crawford?
Eilis O'Connell: Ngày đó có niềm đam mê và mãnh liệt đối với điêu khắc. Tôi nhớ một chương trình có tên 'OASIS' (Triển lãm điêu khắc ngoài trời của Ailen) và các triển lãm hàng năm như Nghệ thuật sống và Nghệ sĩ độc lập. Lần đầu tiên tôi trưng bày tác phẩm của mình trong khuôn khổ Triển lãm Nghệ thuật Sống của Ireland vào năm 1972. Bạn có thể tin rằng tôi đã trơ tráo đến thế khi đưa tác phẩm của mình vào một cuộc triển lãm quốc gia khi tôi mới chỉ học năm thứ hai đại học nghệ thuật không? John Burke đã khuyến khích chúng tôi gửi tác phẩm và trải nghiệm đó thật tuyệt vời; nó mang lại cho tôi sự tự tin. Xung quanh có rất nhiều người tài năng nhưng đáng tiếc là nhiều người trong số họ đã di cư. Chẳng có gì để ở lại; nó rất khó khăn. Tôi biết các nghệ sĩ ngày nay phàn nàn về việc không có không gian, nhưng điều đó thực sự khủng khiếp vào những năm 70 và 80. Bạn vừa chấp nhận rằng mình phải làm việc trong một tòa nhà cũ kỹ, lạnh lẽo và bỏ hoang nào đó. Tài sản không có giá trị nên không được bảo trì, nhưng về mặt tích cực, bạn có thể thuê địa điểm khá rẻ. Rất nhiều người đã di cư trong thời kỳ suy thoái và không quay trở lại. Cuối cùng tôi đã di cư vào cuối những năm 80.
JL: Bạn là người đồng sáng lập Nhà máy Điêu khắc Quốc gia ở Cork. Việc này xảy ra như nào thế?
EC: Tôi đã làm việc với Vivienne Roche, Maud Cotter và Danny McCarthy để đảm bảo có được một xưởng điêu khắc cho các nhà điêu khắc ở thành phố Cork vào giữa đến cuối những năm 80. Tôi đã từng là thành viên của Hội đồng Nghệ thuật hai năm trước và đã thông báo cho họ về tình trạng thiếu không gian studio trong thành phố, điều này đã được ghi vào chính sách và kinh phí đã được phân bổ. Vì vậy, vấn đề chỉ là tìm một tòa nhà. Bến xe điện cũ trên đường Albert ở trung tâm thành phố rất lý tưởng nhưng phải mất một thời gian dài dự án mới được khởi công. Maud, Vivienne và Danny đảm nhận phần lớn công việc vì lúc đó tôi đang ở London.
Khoảng thời gian này, một trong những tác phẩm nghệ thuật công cộng của tôi, Vạn Lý Trường Thành Kinsale (1988), đã vấp phải phản ứng dữ dội từ công chúng, đó thực sự là một cơn ác mộng, vì vậy tôi quyết định rời Ireland. Tôi chuyển đến London một mình với hầu như không có gì. Sau đó, tôi nhận được suất cư trú tại PS1, vì vậy tôi đến New York, nơi tôi gặp một người phụ nữ từ Delfina Studios, người đang hỏi xem có ai muốn một studio miễn phí ở London không. Tôi đã đăng ký và được một studio miễn phí trong hai năm, đó là một may mắn lớn. Delfina rất tuyệt vời và thực sự hỗ trợ; trong hai năm đó, tôi có bốn buổi triển lãm mở, đó là một cách tuyệt vời để gặp gỡ mọi người.
Sau đó, tôi bắt đầu nộp đơn xin các dự án nghệ thuật công cộng ở Anh. Điều kỳ lạ là tác phẩm ở Kinsale lại trở thành cứu cánh và mở ra nhiều cơ hội cho tôi; các cơ hội cứ thế đến tới tấp. Tôi đã thắng một cuộc thi do Cardiff Bay Arts Trust tổ chức, với tác phẩm Secret Station (1992), một tác phẩm điêu khắc bằng đồng hun và thép mạ kẽm. Tôi cũng thực hiện một tác phẩm khác ở Milton Keynes, The Space Between (1992), bằng đồng và sợi quang học, và một tác phẩm khác cho London Docklands Development Corporation. Tôi liên tục thắng các cuộc thi và nghĩ rằng điều đó sẽ không bao giờ kết thúc. Sau một thời gian, các cuộc thi nghệ thuật công cộng trở nên rất phổ biến ở Anh, với ngân sách khổng lồ, và những người như Anthony Gormley tham gia. Đó thực sự là những thời điểm thú vị.
JL: Nhân tiện nhắc đến Gormley, tác phẩm Điêu khắc cho Tường thành Derry (1987) của ông cũng gây ra phản ứng mạnh mẽ từ công chúng. Tôi nghĩ có lúc nó bị phủ đầy graffiti và thậm chí còn bị đổ nhựa nóng chảy lên nữa?
EC: Đúng vậy, một trong những nhân vật có chiếc lốp xe đang cháy quấn quanh cổ. Gormley đã có một câu nói hay về điều đó; ông nói rằng tác phẩm điêu khắc là “sự thanh tẩy cho thành phố” - thứ để mọi người trút hết sự tức giận lên tác phẩm. Nó được làm bằng gang nên có thể chịu được sự lạm dụng. Theo một cách nào đó, nó là một tác phẩm hoàn hảo cho thời gian và không gian đó.
JL: Hoạt động thực hành của bạn bao gồm hai yếu tố: tác phẩm nghệ thuật công cộng thường có kích thước khổng lồ; và các đồ vật điêu khắc bạn tạo ra ở quy mô nội địa hơn. Bạn tiếp cận sự căng thẳng này như thế nào?
EC: Tôi làm mọi thứ nhỏ lại, thậm chí là để chuẩn bị cho thứ gì đó lớn hơn, để trước tiên tôi có thể giải quyết mọi vấn đề ở quy mô nhỏ. Nếu bạn tạo một phiên bản nhỏ của một thứ gì đó, thì đó chỉ là vấn đề mở rộng quy mô và kỹ thuật, điều mà tôi làm khá theo bản năng. Tôi muốn luôn luôn làm những việc lớn, nhưng cách duy nhất để tài trợ cho việc đó là thông qua hoa hồng. Bối cảnh của một tác phẩm điêu khắc được đặt ở đâu và như thế nào là rất quan trọng; nó phải được phép tạo ra bầu không khí riêng của nó.
JL: Những thay đổi đáng kể về quy mô cũng được thấy trong cuộc triển lãm khảo sát của bạn tại VISUAL Carlow, trong đó bao gồm một khoản hoa hồng mới khổng lồ cho Phòng trưng bày Chính. Với chiều dài hơn 21 mét, đây có thể là tác phẩm điêu khắc lớn nhất tôi từng gặp trong một phòng trưng bày ở Ireland. Bạn có thể cho chúng tôi biết điều gì về công việc này?
EC: Tôi đã có một kế hoạch hoàn toàn khác cho triển lãm đó, nhưng Benjamin Stafford (Giám tuyển Nghệ thuật Thị giác tại VISUAL) đã nhìn thấy một tác phẩm trong vườn của tôi, Capsule for Destinies Unknown , mà tôi đã làm cho một triển lãm điêu khắc đương đại ở Anh có tên là 'ARK' vào năm 2017. Tôi nghĩ về con thuyền như một biểu tượng của nơi trú ẩn vào thời điểm mà rất nhiều người tị nạn đang vượt biển Địa Trung Hải và không may chết đuối. Tác phẩm gốc không đối xứng và được bắt vít vào bê tông bên ngoài, vì vậy tôi đã nảy ra ý tưởng làm một phiên bản thứ hai đối xứng để tạo sự cân bằng. Capsule for Destinies Unknown – series two (2024), được chia thành ba phần. Nó chiếm trọn không gian chính trong VISUAL một cách hoàn hảo; chiều rộng của không gian rất lớn, vì vậy việc xử lý nó theo đường chéo rất thú vị. Người xem phải đi vòng quanh tác phẩm và buộc phải thực sự nhìn vào nó.
JL: Bạn bán tác phẩm của mình bằng cách nào?
EC: Tôi biểu diễn với một phòng trưng bày ở London và với Solomon Fine Art ở Dublin, vì vậy họ gần như thôi thúc tôi tiếp tục. Và sau đó tôi có khu vườn điêu khắc của mình - một mẫu đất bao quanh xưởng vẽ của tôi tại The Creamery ở Cork. Lần đầu tiên tôi có được nó là một khu rừng bê tông và tôi đã dành rất nhiều thời gian để thiết kế lại cảnh quan, trồng cây và san bằng các khu vực. Tất cả đều là những ngọn đồi và tôi đã học được rất nhiều điều từ việc đặt các tác phẩm điêu khắc, di chuyển chúng xung quanh, xem tác động của phần này đến phần khác, v.v. Mọi người hẹn nhau đến thăm, còn tôi thì có những ngày mở xưởng, và đó là cách tôi bán được những món hàng lớn.
JL: Nghe có vẻ rất tự làm.
EC: Ồ, đó là đồ DIY thôi. Cách duy nhất để tồn tại với tư cách là một nhà điêu khắc là tự mình làm mọi việc. Sẽ không có ai đến và làm điều đó cho bạn; phải mất rất nhiều công sức để bảo trì các tác phẩm điêu khắc và giữ cho chúng trông nguyên sơ. Đôi khi tôi bị choáng ngợp bởi studio của mình với đúng 50 năm tác phẩm được lưu trữ trong đó. Tôi giữ những thứ mà tôi coi trọng, nhưng đôi khi tôi cũng có những thứ cần thanh lý. Tôi vẫn còn một container 40ft chứa đầy đồ từ buổi trình diễn Douglas Hyde của tôi vào những năm 80. Chúng là những tác phẩm tôi đã dành hàng tháng trời để làm và thật khó để biết phải làm gì với chúng.
JL: Hiện tại bạn đang làm gì?
EC: Tôi đang viết một tác phẩm cho Công viên Wilton ở Dublin, một tác phẩm nhằm bày tỏ lòng kính trọng đối với nhà văn tiên phong người Ireland, Mary Lavin, người đã viết cho tờ The New Yorker và các ấn phẩm khác. Trong thế giới của các nhà văn nam, cô ấy thực sự đã đi trước thời đại. Tôi quyết định đúc một mảnh hình sinh học bằng thép không gỉ được đánh bóng như gương, đây là một quá trình thực sự khó khăn. Rất ít nghệ sĩ sử dụng phương tiện này nên tôi chỉ muốn xem liệu mình có thể làm được hay không. Chúng tôi đã thực hiện một thử nghiệm và cho đến nay, nó thật tuyệt vời. Tôi đang làm nó ở Tây Ban Nha và Hy Lạp. Tôi đã từng làm rất nhiều công việc được ủy quyền ở Anh với các công ty chế tạo và xưởng đúc tốt nhưng với Brexit, điều này giờ đây là không thể.
JL: Bạn nghĩ thách thức đối với các nhà điêu khắc Ireland là gì?
EC: Nói một cách ngắn gọn, không gian. Thiếu không gian để trình diễn nghệ thuật đương đại trên quy mô lớn. Việc tiếp cận các studio và nhà ở giá cả phải chăng hiện đang là những vấn đề lớn đối với các nghệ sĩ ở Ireland, nhưng có lẽ nhà ở còn hơn thế nữa. Nhìn về mặt tích cực, thế giới kỹ thuật số đã giúp bạn có thể sáng tạo mà không cần studio nhưng đối với một nhà điêu khắc thì bắt buộc phải có một không gian dành riêng để loay hoay, học cách sử dụng công cụ và phát triển kỹ năng. Yếu tố xúc giác đó rất quan trọng; có điều gì đó rất thỏa mãn khi làm một thứ gì đó bằng tay từ đầu.
JL: Để kết luận, bạn có thể cho chúng tôi biết điều gì về chất liệu và giá trị của bạn với tư cách là một nhà sản xuất?
EC: Về cơ bản thì tôi chỉ thích làm ra mọi thứ. Tôi luôn có khoảng 20 thứ khi di chuyển. Trong một thế giới lý tưởng, tôi sẽ ở trong studio của mình suốt ngày để làm mọi thứ, nhưng điều đó không thực tế. Tôi phải xử lý email và cộng tác, những việc có thể lấy đi thời gian sáng tạo của cá nhân. Tôi thích khía cạnh xã hội của việc cộng tác - nó giúp tôi luôn cởi mở với những khả năng và quy trình mới.
Tôi đã từng tự mình làm mọi thứ bằng thép nhưng thành thật mà nói, bây giờ tôi đã làm được nhiều hơn thế. Tôi không muốn dành hàng ngày để mài kim loại; đó là một cách thực sự khó khăn để tạo ra mọi thứ. Thỉnh thoảng tôi vẫn sử dụng thép cho phần ứng và các thứ, nhưng bây giờ tôi sử dụng Jesmonite; nó là một chất liệu rất linh hoạt mà bạn có thể đổ hoặc sử dụng như đất sét. Tôi rất tò mò về các vật liệu mới. Tôi đã làm việc với nhựa thông trong nhiều năm và cuối cùng quyết định rằng tôi ghét nó; nhựa nhìn đẹp nhưng độc quá. Vấn đề về điêu khắc là bất kể bạn sử dụng vật liệu gì - gỗ, đá, bê tông, thạch cao - bụi đều nguy hiểm. Tôi chuyển đổi tài liệu vì tôi thích học những điều mới. Điều cuối cùng tôi muốn làm là lặp lại chính mình.
Tôi bị mê hoặc bởi cấu trúc và tuổi thọ của vật liệu. Vật liệu tốt thì bền vững và điều tuyệt vời ở kim loại là nó có giá trị nên có thể tái chế. Một số tác phẩm nhỏ của tôi được dịch thành đá và đó là một đường cong học tập khác. Những thứ tôi làm bằng kim loại không thể làm bằng đá đơn giản vì đá không có độ bền kéo nên khó có thể thách thức được trọng lực. Tôi đã học được cách tôn trọng trọng lượng của nó trong khi cố gắng loại bỏ càng nhiều vật liệu càng tốt khỏi khối. Đá và đồng rất kiên cường. Khi bị chôn vùi trong 3000 năm, đồ đồng sẽ còn đẹp hơn nữa với lớp gỉ được khắc nhẹ. Tôi thích việc một tác phẩm điêu khắc bằng kim loại hoặc đá sẽ tồn tại lâu hơn tôi.
Eilis O'Connell là một nghệ sĩ sống giữa Cork và Kerry. 'In the Roundness of Being' được trình bày tại VISUAL Carlow từ ngày 17 tháng 12 đến ngày 2024 tháng XNUMX năm XNUMX.
eilisoconnell.com
