PHỎNG VẤN LUẬT JOANNE ALISON PILKINGTON VỀ CÁC PHƯƠNG PHÁP VÀ ẢNH HƯỞNG TÌM HIỂU VỀ CƠ THỂ CÔNG VIỆC HIỆN NAY CỦA CÔ ẤY.
JL: Các bức tranh của bạn dường như kết hợp các cách tiếp cận trừu tượng, sơ đồ và tượng hình. Bạn có ý thức mình có óc thẩm mỹ đặc biệt khi bắt tay vào vẽ tranh không?
AP: Phương pháp tiếp cận thẩm mỹ hoặc phong cách hội họa của tôi đã phát triển rất nhiều trong khoảng mười năm qua, đặc biệt là kể từ khi bắt đầu làm bằng Tiến sĩ thực hành tại NCAD, tôi bắt đầu vào năm 2009 và hoàn thành vào năm 2015. Trong thời gian này, tôi đã có một khoảng thời gian khá chủ ý từ bức tranh trừu tượng cử chỉ. Tôi nghĩ rằng tôi cảm thấy cần phải giải phóng bản thân khỏi một phong cách hội họa cụ thể. Thật trớ trêu khi bức tranh trừu tượng theo cử chỉ - được coi là một cách xử lý sơn tự do và trực quan - lại trở nên hạn chế và ngột ngạt đối với tôi. Bằng cách thực hiện những thay đổi có chủ ý này, tôi cảm thấy mình có thể khám phá phương tiện hội họa như một quá trình nghiên cứu tích cực có thể có một loạt các kết quả có thể xảy ra. Tôi muốn tập trung nhiều hơn vào những câu chuyện cá nhân và khám phá cách tôi có thể thể hiện những câu chuyện này thông qua phương tiện hội họa. Tôi cũng muốn khám phá những khả năng tượng hình trong tác phẩm. Đây là lúc tôi bắt đầu khám phá nghệ thuật cắt dán và maquettes như những lời thúc đẩy sáng tạo cho các bức tranh. Tác phẩm của một số nghệ sĩ, những người đã mở đường cho những cách tiếp cận hội họa trôi chảy hơn, đã có ảnh hưởng rất lớn đối với tôi về mặt này. Những người này bao gồm nghệ sĩ người Đức, Martin Kippenberger (1953–1997), và nhiều nghệ sĩ đương đại hơn như họa sĩ trừu tượng ở New York, Charline Von Heyl, và họa sĩ người Mỹ, Amy Sillman.
JL: Bạn có thể trình bày ngắn gọn về cuộc điều tra tiến sĩ của mình và nghiên cứu này có thể đã thay đổi cách tiếp cận hội họa của bạn như thế nào không?
AP: Như bất kỳ ai đã theo học tiến sĩ sẽ nói với bạn, nghiên cứu tiến sĩ là một hành trình phức tạp và dài hạn. Đối với tôi, có rất nhiều khám phá về 'lý do tại sao' hơn là 'cách thức' của hội họa - một quá trình phản ánh bao gồm việc khám phá nghiêm ngặt mức độ liên quan hoặc tính hợp lệ của phương tiện như một phương pháp nghiên cứu. Có những cách khác liên quan đến nghiên cứu mà bây giờ tôi muốn khám phá thêm, chẳng hạn như đóng khung quá trình sáng tạo như một không gian cấp tiến cho cơ quan nghệ thuật - một thứ liên quan đến lĩnh vực công việc mới của tôi.
JL: Có lẽ bạn có thể phác thảo một số phương pháp nghiên cứu của mình?
AP: Công việc của tôi có xu hướng bắt đầu với các bản phác thảo, bản vẽ và nghiên cứu màu nước. Tôi ghi chép, suy nghĩ và ý tưởng trong nhật ký của mình. Tôi thích tự do vẽ trong sách phác thảo và nhật ký, và tôi có xu hướng có hai hoặc ba bức tranh khi di chuyển cùng một lúc. Tôi cố gắng tạo mối liên hệ giữa những gì tôi đang nghĩ và viết trong nhật ký và những hình ảnh xuất hiện trong sổ tay. Cuối cùng, các bức tranh là một phần mở rộng của quá trình điều tra này - một cách tiếp cận giúp tôi giữ được sự lỏng lẻo trong các bức tranh của mình. Thay vì tạo các bản sao trực tiếp của họa sĩ và ảnh ghép của tôi, tôi sử dụng chúng làm tài liệu tham khảo có thể được chuyển đổi thông qua quá trình vẽ tranh.
JL: Bạn có thể phác thảo một số ảnh hưởng lịch sử nghệ thuật của bạn?
AP: Các tham khảo về hội họa từ các giai đoạn lịch sử nghệ thuật khác nhau thường xuyên xuất hiện trong tác phẩm của tôi. Đôi khi những liên tưởng này được tạo ra một cách vô thức, và chỉ đến giai đoạn sau, tôi mới có thể nhận ra tầm quan trọng của chúng. Tuy nhiên, có một số đề cập rõ ràng và lặp đi lặp lại về các bức tranh riêng lẻ mà tôi luôn thấy hấp dẫn, tò mò hoặc kỳ lạ, cả về cách tiếp cận của nghệ sĩ đối với sáng tác hoặc về nội dung tự sự của tác phẩm. Một bức tranh của Pietro Longhi, có tiêu đề Tê giác Clara (1751), đã quan tâm đến tôi trong một thời gian. Tôi đã thực hiện một số bức tranh thể hiện niềm say mê của tôi với sự kỳ lạ của nó và mối bận tâm của tôi với việc giải thích ý nghĩa của nó. Đây là điều mà tôi đã khám phá ra trong quá trình nghiên cứu Tiến sĩ của mình. Magritte là một tấm nền quan trọng khác đối với tác phẩm của tôi, dựa trên sự khám phá cả đời của người nghệ sĩ về bức tranh như một thứ gì đó 'vốn đã bí ẩn'. Oeuvre của Magritte kết xuất các vật thể hàng ngày trong những khung cảnh kỳ lạ, không quen thuộc hoặc kỳ lạ và đây là điều thường xuyên truyền cảm hứng cho tôi. Tôi cũng yêu thích những bức tranh từ đầu thế kỷ XVII thời kỳ Baroque, bao gồm tác phẩm của Rembrandt, Velasquez, Rubens và Poussin. Tôi cố gắng tái hiện một chút kịch tính của họ trong các bức tranh của mình, thông qua việc sử dụng các nguồn sáng mạnh, thử nghiệm với tỷ lệ và thông qua gợi ý của các câu chuyện tiềm ẩn.
JL: Phần lớn công việc của bạn thể hiện mối quan tâm đến độ sâu trường ảnh. Bạn có thể thảo luận về các bức tranh của bạn về trompe l'oeil và xử lý bề mặt của bạn?
AP: Tôi nghĩ điều này xuất phát từ mối bận tâm của tôi với các chi tiết cụ thể của phương tiện hội họa. Những câu hỏi như vậy bao gồm việc khám phá cách thức đưa ánh sáng vào thường tạo ra bóng và vùng sáng. Tôi cũng quan tâm đến cách tỷ lệ và bố cục có thể tạo ra sức căng thị giác trong một bức tranh hoặc trên toàn bộ tác phẩm. Đây là những yếu tố chính thức hơn của bố cục, nhưng tôi cố gắng xem xét chúng song song với những câu chuyện mà tôi đang phát triển trong các bức tranh. Tạo maquettes giấy và ảnh ghép bằng cách sử dụng 'màu phẳng' đã thách thức tôi xem xét các loại cọ vẽ và độ phủ sơn tạo ra ấn tượng về 'độ phẳng'. Cắt qua tờ giấy và gấp lại để lộ ra một lớp màu khác bên dưới có tác dụng ở mức độ trang trọng, đồng thời mang ý nghĩa biểu tượng liên quan đến cái tôi - để che giấu và bộc lộ những phần của cái tôi. Đó là tôi đang cố gắng định hình cho những suy nghĩ này. Phần lớn cuộc khám phá này bắt đầu với maquettes và suy nghĩ về khía cạnh ba chiều của một vật thể trong không gian. Vạt, lỗ, xúc tu và bóng xuất hiện bên trong các vật thể điêu khắc này dần dần phát triển và được biến đổi thông qua hội họa.
JL: Trong triển lãm cá nhân hiện tại của bạn, 'How We Roam', có cảm giác rằng các nhân vật trong tranh của bạn đang bắt đầu cuộc hành trình tò mò hoặc suy đoán. Đây có phải là một phép ẩn dụ cho quá trình sáng tạo?
AP: Đúng là như vậy. Có tài liệu tham khảo về chân dung cổ điển, tranh phong cảnh và sự thăng hoa trong lịch sử nghệ thuật. Nhiều bức tranh của tôi mô tả các nhân vật trong vùng hoang dã, có thể là đang chinh phục địa hình, hoặc đã lên đến đỉnh núi, như trong tranh Người lang thang. Đối với tôi, ý tưởng về một nhân vật đi lang thang trong vùng hoang dã chắc chắn là một phép ẩn dụ cho quá trình sáng tạo, có thể đẩy một nghệ sĩ ra khỏi vùng an toàn của họ. Nó có thể khiến chúng ta cảm thấy dễ bị tổn thương, khi chúng ta thử nghiệm những điều mới, nhưng cuối cùng thì quá trình này sẽ phần thưởng và khơi dậy tinh thần con người. Mô-típ đơn giản này được phát triển trên loạt tranh mới này, tôi hy vọng sẽ khiến người xem đặt câu hỏi về tác phẩm và tò mò.
Alison Pilkington là một nghệ sĩ sống và làm việc tại Dublin. 'How We Roam' hiện đang chiếu tại The Dock, Carrick-on-Shannon cho đến ngày 2 tháng 2018 và sau đó sẽ được trình chiếu tại Ashford Gallery, RHA vào tháng XNUMX năm XNUMX.
alisonpilkington.com
Hình ảnh tín dụng:
Xem bản phác thảo sổ tay của Alison Pilkington
Alison Pilkington, Người lang thang, 2017, dầu trên vải
Alison Pilkington, Thiên nhiên, 2017, dầu trên vải
