汤姆·克莱门特概述了他的绘画实践的演变以及他最近在巴黎 CCI 举办的展览。
我离开后 1987年上中学后，我学习了几年工程学。与此同时，我在克劳福德艺术设计学院（Crawford College of Art and Design）上夜校绘画课，已故的乔·艾伦（Jo Allen）给了我很大的鼓励。后来，我在克劳福德学院全日制学习，并于1995年获得美术学位。从那时起，我一直从事艺术创作，后来重返大学，并于2011年获得研究型硕士学位。
十年前，都柏林的所罗门美术馆（Solomon Fine Art）接纳我为艺术家之一。从那时起，我定期举办个展，最近一次是2024年XNUMX月的“朝圣者”（Pilgrim）。在所罗门美术馆展出对我的创作提供了巨大的支持，让我感觉到自己的作品有了商业的渠道。作为一名艺术家，我最初可能是为了自己创作，但重要的是，作品也要走向世界，接触到人们。
我最近在巴黎爱尔兰文化中心举办了名为“野性/野性状态”（1月13日至120月128日）的展览，展出了我过去几年创作的一系列画作。展览开幕式上还推出了一本由Gandon Editions出版的新书，随后在科克的Solomon Fine Art画廊和Lavit画廊也陆续发行。这本XNUMX页的精装专著记录了我过去十年左右的创作。书中包含XNUMX幅插图和一篇由Cristín Leach撰写的文章，以及Mark Ewart、Carissa Farrell、Mary McCarthy和Michael Waldron撰写的补充文字（gandoneditions.com）。
对我来说，绘画就是在不自觉、允许作品成形和批判性判断之间寻找平衡。这是一个创作的过程，然后反思为什么我认为某些作品比其他作品更成功。这些作品几乎成为了前方道路上的路标——作品创作过程中的参考点。
我倾向于独立创作；我不与他人共享工作室空间，多年来，我的创作已变得相当内敛。当我开始创作一个新系列时，这是一件自然而然的事情；当我觉得不应该再创作时，它也自然而然地结束了。我不画画也不速写。我开始创作每一件作品时，脑海中浮现的只是一个粗略的、近乎模糊的形象。我希望作品能够展现在我面前；通过绘画，一切都变得更加清晰。随着时间的推移，作品拥有了自己的生命，并在自身的重量下不断前行。
绘画一直让我着迷的是，它能够将平面的二维表面变得立体。这种创造空间的理念一直是我创作的基石。从早期的姿态绘画到如今更具结构感的作品，创造观者可以进入的空间始终是我的兴趣所在。画作中抽象的结构和形状如同一种机制，引导观者进入一个特定的境界。这些画作融合了对建筑和景观的参照，引发了人们对庇护所、仪式和希望的思考。
绘画的表面对于作品的体验也至关重要。当我开始创作一件作品时，我会先将整个表面涂成一种颜色；就像音乐一样，这成为了绘画的主调。我会用石膏和沙子来构建表面。我努力让绘画的历史在最终完成的作品中清晰可见；我希望它能讲述一个故事。
在过去十年左右的创作中，我一直使用抽象的几何形状和结构，几乎像网格一样，为绘画提供基础。然后我开始将它们塑造成更容易辨认的东西；我不认为我的作品完全是抽象的。我希望它们能被某种方式融入其中——某种能让观者产生共鸣的元素或叙事。我认为我所有的作品都存在于抽象与具象的边界上。
我最近在CCI巴黎展出的作品，与我之前使用的棱角分明的几何形状形成对比，更注重自然形态。花卉、植物和树木都融入了这个新系列。有些元素辨识度很高，而有些则融入到风景之中，成为抽象的形状和自然形态。
我目前正在为2026年在所罗门美术馆举办的下一场展览创作一系列新画作。现阶段我不会做太多计划或思考；我只是让作品自然地呈现。随着展览的临近，我会看看工作室里有哪些作品，并开始挑选一些具有整体联系和叙事性的作品。
汤姆·克莱门特 (Tom Climent) 是一位居住在科克市的画家。
tomcliment.com
