ΣΥΝΕΝΤΕΥΞΕΙΣ ΤΟΥ ΚΟΙΝΟΥ ΔΙΚΑΙΟΥ ALISON PILKINGTON ΣΧΕΤΙΚΑ ΜΕ ΤΙΣ ΜΕΘΟΔΟΥΣ ΚΑΙ ΕΠΙΔΡΑΣΕΙΣ ΣΧΕΤΙΚΑ ΜΕ ΤΗΝ ΥΠΟΧΡΕΩΣΗ ΤΟΥ ΤΡΕΧΟΝΤΟΣ ΣΩΜΑΤΟΣ ΤΗΣ ΕΡΓΑΣΙΑΣ.
JL: Οι πίνακές σας φαίνεται να συνδυάζουν αφηρημένες, διαγραμματικές και εικονιστικές προσεγγίσεις. Γνωρίζετε ότι έχετε μια ιδιαίτερη αισθητική στο μυαλό σας, όταν ξεκινάτε έναν πίνακα;
AP: Η αισθητική μου προσέγγιση ή το στυλ ζωγραφικής έχει εξελιχθεί πολύ τα τελευταία δέκα χρόνια περίπου, ειδικά από την έναρξη του διδακτορικού διδακτορικού στο NCAD, το οποίο ξεκίνησα το 2009 και ολοκλήρωσα το 2015. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, έκανα ένα εσκεμμένο διάλειμμα από αφηρημένη ζωγραφική χειρονομίας. Νομίζω ότι ένιωσα την ανάγκη να ελευθερωθώ από ένα συγκεκριμένο στυλ ζωγραφικής. Είναι ειρωνικό ότι η αφηρημένη ζωγραφική με χειρονομίες - που θεωρείται τόσο ελεύθερος και διαισθητικός τρόπος χειρισμού του χρώματος - έγινε περιοριστική για μένα. Κάνοντας αυτές τις σκόπιμες αλλαγές, ένιωσα ότι θα μπορούσα να εξερευνήσω το μέσο ζωγραφικής ως μια ενεργή ερευνητική διαδικασία που θα μπορούσε να έχει μια σειρά πιθανών αποτελεσμάτων. Ήθελα να επικεντρωθώ περισσότερο στις προσωπικές αφηγήσεις και να εξερευνήσω πώς θα μπορούσα να εκφράσω αυτές τις αφηγήσεις μέσω του μέσου ζωγραφικής. Ήθελα επίσης να διερευνήσω εικονιστικές δυνατότητες στο έργο. Αυτό ήταν όταν άρχισα να εξερευνούν κολάζ και μακέτες ως δημιουργικοί προτροπείς ζωγραφικής. Το έργο ορισμένων καλλιτεχνών, που άνοιξαν το δρόμο για πιο ρευστές προσεγγίσεις στη ζωγραφική, με επηρέασε πολύ από αυτή την άποψη. Σε αυτούς περιλαμβάνονται οι Γερμανοί καλλιτέχνες, Martin Kippenberger (1953-1997), και περισσότεροι σύγχρονοι καλλιτέχνες όπως ο αφηρημένος ζωγράφος με έδρα τη Νέα Υόρκη, η Charline Von Heyl και ο Αμερικανός ζωγράφος, η Amy Sillman.
JL: Μπορείτε να περιγράψετε εν συντομία το διδακτορικό σας ερώτημα και πώς αυτή η έρευνα μπορεί να έχει αλλάξει τις προσεγγίσεις σας στη ζωγραφική;
AP: Όπως θα σας πει ο καθένας που έχει αναλάβει διδακτορικό, η διδακτορική έρευνα είναι ένα μακρόχρονο και περίπλοκο ταξίδι. Για μένα, υπήρχε πολλή ανακάλυψη για το «γιατί» περισσότερο από το «πώς» της ζωγραφικής - μια ανακλαστική διαδικασία που περιελάμβανε μια αυστηρή εξερεύνηση της συνάφειας ή της εγκυρότητας του μέσου ως ερευνητικής μεθόδου. Υπάρχουν και άλλοι δρόμοι που σχετίζονται με την έρευνα που θα ήθελα τώρα να διερευνήσω περαιτέρω, όπως η διαμόρφωση της δημιουργικής διαδικασίας ως ριζοσπαστικού χώρου για την καλλιτεχνική εταιρεία - κάτι που σχετίζεται με το νέο μου έργο.
JL: Ίσως θα μπορούσατε να περιγράψετε μερικές από τις ερευνητικές σας μεθόδους;
AP: Η δουλειά μου τείνει να ξεκινά με σκίτσα, σχέδια και μελέτες ακουαρέλας. Κρατάω σημειώσεις, σκέψεις και ιδέες στα περιοδικά μου. Λατρεύω την ελευθερία της ζωγραφικής σε σκίτσα και περιοδικά και τείνω να έχω δύο ή τρία εν κινήσει οποιαδήποτε στιγμή. Προσπαθώ να κάνω συνδέσεις ανάμεσα σε αυτό που σκέφτομαι και γράφω στα περιοδικά μου και τις εικόνες που εμφανίζονται στα σημειωματάρια. Τελικά, οι πίνακες αποτελούν επέκταση αυτής της διερευνητικής διαδικασίας - μια προσέγγιση που με βοηθά να διατηρήσω μια χαλαρότητα μέσα στους πίνακες μου. Αντί να δημιουργώ άμεσα ζωγραφικά αντίγραφα των μακετών και των κολάζ μου, τα χρησιμοποιώ ως αναφορές που μπορούν να μεταμορφωθούν μέσω της διαδικασίας ζωγραφικής.
JL: Μπορείτε να περιγράψετε μερικές από τις ιστορικές επιρροές της τέχνης σας;
AP: Αναφορές στη ζωγραφική από διάφορες περιόδους ιστορίας της τέχνης έρχονται συχνά στο έργο μου. Μερικές φορές αυτές οι συσχετίσεις γίνονται ασυνείδητα, και μόνο σε κάποιο μεταγενέστερο στάδιο μπορεί να αναγνωρίσω τη σημασία τους. Ωστόσο, υπάρχουν ορισμένες ρητές και επαναλαμβανόμενες αναφορές σε μεμονωμένους πίνακες που βρίσκω σταθερά συναρπαστικός, περίεργος ή παράξενος, τόσο όσον αφορά τις προσεγγίσεις του καλλιτέχνη στη σύνθεση, είτε στο αφηγηματικό περιεχόμενο του έργου. Ένας πίνακας του Pietro Longhi, με τίτλο Κλάρα ο ρινόκερος (1751), με ενδιαφέρει για αρκετό καιρό. Έχω κάνει πολλούς πίνακες που εκφράζουν τη γοητεία μου με την περίεργη και την ανησυχία μου με την ερμηνεία της σημασίας του. Αυτό ήταν κάτι που εξερεύνησα κατά τη διάρκεια της διδακτορικής μου έρευνας. Η Magritte είναι μια άλλη σημαντική πέτρα για τη δουλειά μου, βασισμένη στη δια βίου εξερεύνηση του ζωγράφου ως ζωγραφικής ως «εγγενώς μυστηριώδους». Το έργο του Magritte έδωσε καθημερινά αντικείμενα σε παράξενες, άγνωστες ή παράξενες σκηνές και αυτό είναι κάτι που με ενέπνευσε συχνά. Μου αρέσουν επίσης οι πίνακες ζωγραφικής από τις αρχές του μπαρόκ στις αρχές του XNUMXου αιώνα, συμπεριλαμβανομένων των έργων των Rembrandt, Velasquez, Rubens και Poussin. Προσπαθώ να αναδημιουργήσω λίγο από το δράμα τους στους πίνακες μου, μέσω της χρήσης ισχυρών πηγών φωτός, πειραματισμών με κλίμακα και μέσω της πρότασης των υποκείμενων αφηγήσεων.
JL: Μεγάλο μέρος της εργασίας σας εμφανίζει μια ανησυχία με βάθος πεδίου. Μπορείτε να συζητήσετε τους πίνακες ζωγραφικής σας trompe l'oeil και τη θεραπεία των επιφανειών;
AP: Νομίζω ότι αυτό αναπτύχθηκε από την ανησυχία μου με τις ιδιαιτερότητες του μέσου ζωγραφικής. Τέτοιες έρευνες περιελάμβαναν μια διερεύνηση για το πώς η εισαγωγή του φωτός δημιουργεί συχνά σκιές και ανταύγειες. Ενδιαφέρομαι επίσης για το πώς η κλίμακα και η σύνθεση μπορούν να δημιουργήσουν οπτική ένταση σε έναν πίνακα ή σε ολόκληρο το σώμα της εργασίας. Αυτά είναι τα πιο επίσημα στοιχεία της σύνθεσης, αλλά προσπαθώ να τα εξετάσω παράλληλα με τις αφηγήσεις που αναπτύσσω στους πίνακες. Η κατασκευή χαρτονιών και κολάζ χρησιμοποιώντας «επίπεδο χρώμα» με προκάλεσε να εξετάσω τους τύπους πινέλου και κάλυψης χρωμάτων που δημιουργούν εντυπώσεις «επιπεδότητας». Κόβοντας το χαρτί και αναδιπλώνοντάς το για να αποκαλυφθεί ένα άλλο στρώμα χρώματος από κάτω λειτουργεί σε επίσημο επίπεδο, ενώ έχει επίσης συμβολική σημασία που σχετίζεται με τον εαυτό - για την απόκρυψη και την αποκάλυψη τμημάτων του εαυτού. Εγώ προσπαθώ να διαμορφώσω αυτές τις σκέψεις. Μεγάλο μέρος αυτής της εξερεύνησης ξεκίνησε με τις μακέτες και σκεφτόμαστε την τρισδιάστατη πτυχή ενός αντικειμένου στο διάστημα. Πτερύγια, τρύπες, πλοκάμια και σκιές που εμφανίζονται μέσα σε αυτά τα γλυπτά αντικείμενα εξελίχθηκαν σταδιακά και μεταμορφώθηκαν μέσω της ζωγραφικής.
JL: Στην τρέχουσα ατομική σας έκθεση, «How We Roam», υπάρχει η αίσθηση ότι οι χαρακτήρες στους πίνακες σας ξεκινούν περίεργα ή κερδοσκοπικά ταξίδια. Είναι μεταφορά για τη δημιουργική διαδικασία;
AP: Ναι, είναι. Υπάρχουν αναφορές σε κλασικά πορτραίτα, πίνακες τοπίων και το υπέροχο στην ιστορία της τέχνης. Πολλοί από τους πίνακες μου απεικονίζουν φιγούρες στην έρημο, ίσως κατακτώντας το έδαφος, ή έχοντας φτάσει στην κορυφή ενός βουνού, όπως στον πίνακα Περιπλανώμενος. Για μένα, η ιδέα μιας φιγούρας που περιπλανιέται στην έρημο είναι αναμφίβολα μια μεταφορά για τη δημιουργική διαδικασία, η οποία μπορεί να ωθήσει έναν καλλιτέχνη από τη ζώνη άνεσής τους. Μπορεί να μας κάνει να αισθανόμαστε ευάλωτοι, καθώς δοκιμάζουμε νέα πράγματα, αλλά τελικά η διαδικασία ανταμείβει και ενεργοποιεί ξανά το ανθρώπινο πνεύμα. Αυτό το απλό μοτίβο αναπτύχθηκε σε αυτή τη νέα σειρά ζωγραφικής, η οποία ελπίζω να ωθήσει τον θεατή να κάνει ερωτήσεις σχετικά με το έργο και να είναι περίεργος.
Η Alison Pilkington είναι καλλιτέχνης που ζει και εργάζεται στο Δουβλίνο. Το "How We Roam" προβάλλεται επί του παρόντος στο The Dock, Carrick-on-Shannon έως τις 2 Ιουνίου και στη συνέχεια θα παρουσιαστεί στην Ashford Gallery, RHA τον Σεπτέμβριο του 2018.
alisonpilkington.com
Πιστώσεις εικόνας:
Προβολή των σκίτσων του Alison Pilkington
Άλισον Πίλκινγκτον, Περιπλανώμενος, 2017, λάδι σε καμβά
Άλισον Πίλκινγκτον, φύση, 2017, λάδι σε καμβά
