Ards kunstsenter, 5.–14. august
«Creative Peninsula» fungerer ikke som en kuratert utstilling, fordi den ikke er det. Den er verdt å nevne, men virker likevel litt ukomplisert å påpeke, gitt at utstillingsskaping egentlig ikke er det denne samlingen av verk handler om. «Creative Peninsula» er en årlig presentasjon av Ards and North Down lokale myndigheter, hvis premiss ganske enkelt er å vise frem kunstnere og skapere i området. Som et resultat er arbeidet i den enormt mangfoldig i fokus, medier og stringens. Men som man ofte ser i lignende vidtrekkende arrangementer – for eksempel kollektive studioutstillinger eller presentasjoner for studenter i siste året – er det ikke nok å gruppere praksis utelukkende basert på felles geografi for å skape noe mer enn summen av delene. Dermed er «Creative Peninsula» mer en usammenhengende samling av solostemmer enn en sammenhengende utstilling.
Den stedsbaserte undersøkelsen kan imidlertid være en nyttig måte å ta stedets kunstneriske temperatur på, og kanskje observere hvordan et bestemt område har påvirket de som jobber innenfor det. Med alle deltakerne som arbeider fra Ards og North Down-området, er den sterke innvirkningen av områdets naturlige kystlandskap åpenbar. Tertiære paletter, organiske former, strandscener og lokalt dyreliv er utbredt i dette spekteret av maleri, skulptur, håndverk, poesi, smykker og møbler.
Utstillingen åpner med et utvalg verk løst basert på havet, representert i tekstilveving, grafikk, relieffskulptur og maling. Andrew Haires maleri Gígjökull , selv om det tydeligvis ikke refererer til den lokale kystlinjen, passer inn i denne undergruppen. Dette verket har en litt mindre tradisjonell tilnærming til temaet, med tykke lag med maling og gule flekker som gir den overskyede kystlinjen en fuktig, fettete følelse. Det har en lignende atmosfære som Cecilia Stephens' Intrepid Voyagers , et tekstilbilde av landskapet med en sammenlignbar grumsete kvalitet, dannet i lagene i vevingen. Rosy Ennis' Phytoplankton monokrome silketrykk er også særegent, og minner om en illustrasjon i en gammel biologilærebok av et syn på mikroskopisk liv.
I en utstilling som er sterkt forankret i intrikate håndverk og tradisjonell kunst, er de keramiske verkene til Patricia Miller Bogland bolle, Victoria Benthams Locus Amoenis og Alan McCluney Trio of fartøy skiller seg ut gjennom styrken til deres organiske, dypt tonede fargede kombinasjoner og delikate teksturelle kontraster. Selv om utgangspunktet er fartøyets form, er de mer skulpturelle enn utilitaristiske.
I motsetning til dette tar Sally Houstons skulptur What We Hear en tilnærming til mediet som er funnet, og bruker skår av knust servise som strømmer inn i øret på en enkel hvitkalket hodeform. Selv om verket føles mer som en fysisk skisse for et fremtidig, fullstendig løst verk, lar denne tilnærmingen til skapelsen – ved å inkorporere funnet og uventede materialer – verket forholde seg til noe som ellers er fraværende i det noe rettsmedisinske kunstsenterrommet. Owen Crawfords Worm Got The Bird er et annet eksempel på dette: det er en enkel, glatt utskåret fugl laget av mørkt tre, plassert mot en rustfarget sylinder av grovt tilhugget funnet betong. Denne tilnærmingen, som er atskilt fra interiøret og gitt noe å gni mot, skaper spenning og skiller verket fra konvensjonelle ideer om håndverk og dets hjemlige plass.
I denne hovedsakelig figurative samlingen fanger verkene som demonstrerer eksperimentering og abstrakte materialer oppmerksomheten. Likevel er det rikelig med imponerende tegnekunst å se. Den frenetiske energien i Watchful Hare , en dristig kulltegning av Elaine Burke, har et preg av dyrets nervøse karakter, mens i den motsatte enden av spekteret er Lee Boyds Moonlight Becomes You en detaljert, dyktig gjengitt antropomorf blyanttegning. Dennis Healeys Rising Model/Red on Blue , som i utgangspunktet fremstår som et utelukkende abstrakt verk, avslører sakte menneskelige former gjennom seks gjentatte røde og blå digitale trykk. Craig Jeffersons Camel and Mirror Still Life fungerer på en lignende måte; med den tykt påførte oljemalingen bruker kunstneren motivet tangentielt, med fokus på komposisjon og farge mens det merkelige figurative elementet sakte åpenbarer seg for betrakteren.
'Creative Peninsula' er en blandet utstilling av profesjonelle kunstnere og de som kanskje bare begynner i sin kreative praksis. Det er ingenting galt med dette, spesielt med tanke på formålet med showet, men som helhet kan utstillingen ha nytte av en mer spesifikk utvalgsprosess, et uttrykkelig tema å vurdere, eller i det minste et større utstillingsområde. Det er 59 stykker i et område som mer komfortabelt vil huse en tredjedel av dette tallet. Resultatet er mangel på pusterom for hvert arbeid. Det er også vanskelig å få en god følelse av hva som er der, uten annet å representere hver kunstner, bortsett fra en liste med navn, titler og priser. Videre, med noen kunstnere som jobber med film, installasjon, fotografering, performance eller digitale medier i området, ville det ha lagt til utstillingen. Kanskje det er for lett å kritisere showet for ikke å bli kuratert og avviser hensikten med denne typen utstillinger. For å jobbe med det som vises og ikke imot det, er det likevel klart at disse kuratoriske verdiene fortsatt er nødvendige.
Dorothy Hunter er en kunstner og forfatter basert i Belfast.
Bilder: Owen Crawford, Ormen fikk fuglen ; Lindsay Press, Flokken.
