JOANNE LAWS INTERVISTA EILIS O'CONNELL SULL'EVOLUZIONE DELLA SUA PRATICA IN CINQUE DECENNI.
Joanne Laws: Forse potresti iniziare delineando l'ambiente e l'appetito per la pratica scultorea in Irlanda alla fine degli anni '70, quando ti diplomasti alla Crawford School of Art and Design?
Eilis O'Connell: A quei tempi c'era una passione e un'intensità per la scultura. Ricordo una mostra chiamata "OASIS" (Open Air Show of Irish Sculpture) e mostre annuali come Living Art e Independent Artists. Ho esposto per la prima volta il mio lavoro come parte dell'Irish Exhibition of Living Art nel 1972. Riesci a credere che fossi stato così sfacciato da esporre il mio lavoro in una mostra nazionale quando ero solo al secondo anno di college d'arte? Siamo stati incoraggiati da John Burke a presentare il lavoro e l'esperienza è stata brillante; mi ha dato fiducia. C’erano molte persone di talento in giro ma purtroppo molte di loro sono emigrate. Non c'era niente per cui restare; è stato molto duro. So che oggi gli artisti si lamentano di non avere spazio, ma negli anni '70 e '80 era assolutamente terribile. Hai semplicemente accettato di dover lavorare in un vecchio edificio gelido e abbandonato. La proprietà non aveva alcun valore, quindi non veniva mantenuta, ma il lato positivo era che si potevano affittare posti abbastanza a buon mercato. Molte persone sono emigrate durante la recessione e non sono più tornate. Alla fine sono emigrato alla fine degli anni '80.
JL: Sei stato cofondatore della National Sculpture Factory di Cork. Come è successo?
EC: Ho lavorato con Vivienne Roche, Maud Cotter e Danny McCarthy per assicurarmi uno studio per scultori nella città di Cork tra la metà e la fine degli anni '80. Sono stato membro dell'Arts Council due anni prima e li ho informati della mancanza di spazi per studi in città, cosa che è stata inserita nella politica e sono stati stanziati finanziamenti. Quindi era solo questione di trovare un edificio. Il vecchio deposito dei tram in Albert Road, nel centro della città, era l'ideale, ma ci è voluto molto tempo per far decollare il progetto. Maud, Vivienne e Danny hanno svolto la maggior parte del lavoro, dato che a quel tempo vivevo a Londra.
In quel periodo ci fu una reazione negativa da parte del pubblico nei confronti di una delle mie opere d'arte pubbliche, La Grande Muraglia di Kinsale (1988), che era solo un incubo, quindi ho deciso di lasciare l'Irlanda. Mi sono trasferito a Londra da solo praticamente senza nulla. Poi ho ottenuto la residenza PS1, quindi sono andato a New York, dove ho incontrato una donna dei Delfina Studios, che chiedeva se qualcuno voleva uno studio gratuito a Londra. Ho fatto domanda e ho ottenuto uno studio gratuito per due anni ed è stato un colpo di fortuna. Delfina è stata brillante e di grande aiuto; durante i due anni ho avuto quattro studi aperti, il che è stato un ottimo modo per incontrare persone.
Ho quindi iniziato a fare domanda per commissioni di arte pubblica nel Regno Unito. Stranamente, il pezzo di Kinsale finì per essere la mia grazia salvifica e mi aprì le porte; le opportunità sono semplicemente fluite. Ho vinto un concorso per il Cardiff Bay Arts Trust, Stazione segreta (1992), scultura in bronzo patinato e acciaio galvanizzato. Ne ho fatto un altro a Milton Keynes, Lo spazio in mezzo (1992), in bronzo e fibra ottica, e un altro per la London Docklands Development Corporation. Avevo una serie di concorsi vincenti e pensavo che non sarebbe mai finita. Dopo un po’, i concorsi d’arte pubblica divennero una cosa importante in Inghilterra, con budget enormi e persone come Anthony Gormley che vi partecipavano. Erano tempi davvero emozionanti.
JL: Parlando di Gormley, la sua scultura per Mura di Derry (1987) ebbero anch'essi una reazione molto forte da parte del pubblico. Penso che fosse coperto di graffiti e ad un certo punto ci fosse persino stata versata sopra della plastica fusa?
EC: Sì, una delle figure aveva pneumatici in fiamme attorno al collo. Gormley aveva una battuta fantastica a riguardo; ha detto che la scultura era "catarsi per la città" - qualcosa per cui le persone potevano sfogare tutta la loro rabbia sull'opera. È fatto di ghisa, quindi potrebbe sopportare gli abusi. In un certo senso, è un pezzo perfetto per quel tempo e quello spazio.
JL: La tua pratica coinvolge un duplice filone: opere d'arte pubbliche, spesso di grandi dimensioni; e gli oggetti scultorei che realizzi su scala più domestica. Come affronti questa tensione?
EC: Faccio tutto in piccolo, anche in preparazione a qualcosa di più grande, così posso risolvere prima tutti i problemi su piccola scala. Se realizzi una versione ridotta di qualcosa, è solo questione di ingrandirla e ingegnerizzarla, cosa che faccio abbastanza istintivamente. Preferirei lavorare sempre su grandi cose, ma l'unico modo per finanziarlo è attraverso le commissioni. Il contesto in cui e come è collocata una scultura è molto importante; deve poter creare la propria atmosfera.
JL: Notevoli variazioni di scala sono state osservate anche nella tua mostra esplorativa al VISUAL Carlow, che comprendeva una nuova vasta commissione per la Main Gallery. Con i suoi oltre 21 metri di lunghezza, è forse la scultura più grande che abbia mai incontrato in una galleria in Irlanda. Cosa puoi dirci di questo lavoro?
EC: Avevo un piano completamente diverso per quella mostra, ma Benjamin Stafford (curatore di arti visive presso VISUAL) ha visto un pezzo nel mio giardino, Capsula per destini sconosciuti, che avevo realizzato per una mostra di scultura contemporanea in Inghilterra chiamata "ARK" nel 2017. Ho pensato all'arca come a un simbolo di rifugio in un momento in cui così tanti rifugiati stavano attraversando il Mar Mediterraneo e stavano tragicamente annegando. Il pezzo originale è asimmetrico ed è imbullonato nel cemento all'esterno, quindi mi è venuta l'idea di realizzare una seconda versione che fosse simmetrica, per bilanciare. Capsule per Destinies Unknown – seconda serie (2024), si divide in tre pezzi. Manteneva perfettamente lo spazio principale in VISUAL; l'ampiezza dello spazio è ottima, quindi è stato interessante affrontarlo in diagonale. Lo spettatore doveva girare intorno all'opera ed era costretto a guardarla davvero.
JL: Come vendi il tuo lavoro?
EC: Mostro con una galleria a Londra e con Solomon Fine Art a Dublino, quindi in un certo senso mi fanno andare avanti. E poi ho il mio giardino di sculture: un acro di terreno che circonda il mio studio al The Creamery a Cork. Quando l'ho preso per la prima volta era una giungla di cemento e ho passato molto tempo a risistemare il paesaggio, piantare alberi e livellare le aree. È tutto colline e ho imparato moltissimo posizionando le sculture, spostandole, vedendo come un pezzo influenza gli altri e così via. Le persone fissano appuntamenti per visitarli e ho giorni di studio aperti, ed è così che vendo i pezzi più grandi.
JL: Sembra molto fai-da-te.
EC: Oh, è puro fai-da-te. L'unico modo per sopravvivere come scultore è fare le cose da solo. Nessuno verrà a farlo per te; c'è molto lavoro da fare, mantenere le sculture e mantenerle immacolate. A volte mi sento sopraffatto dal mio studio con letteralmente 50 anni di lavoro archiviati lì. Conservo le cose che apprezzo, ma di tanto in tanto devo fare degli sgomberi. Ho ancora un container da 40 piedi pieno di roba del mio spettacolo di Douglas Hyde negli anni '80. Sono pezzi che ho impiegato mesi a realizzare ed è davvero difficile sapere cosa farne.
JL: A cosa stai lavorando in questo momento?
EC: Sto realizzando un pezzo per Wilton Park a Dublino che è un omaggio alla pionieristica scrittrice irlandese Mary Lavin, che scrisse per il New Yorker e altre pubblicazioni. In un mondo di scrittori uomini, era davvero in anticipo sui tempi. Ho deciso di fondere un pezzo biomorfo in acciaio inossidabile lucidato a specchio, un processo davvero difficile. Pochi artisti usano questo mezzo, quindi volevo solo vedere se potevo farlo. Abbiamo fatto un pezzo di prova e finora è brillante. Lo sto facendo in Spagna e Grecia. Svolgevo gran parte dei miei lavori su commissione in Gran Bretagna con buone aziende di produzione e fonderie, ma con la Brexit ora questo è impossibile.
JL: Quali pensi siano le sfide per gli scultori irlandesi?
EC: In una parola, spazio. Manca lo spazio per mostrare l'arte contemporanea su larga scala. L’accesso a studi e alloggi a prezzi accessibili sono problemi enormi per gli artisti in Irlanda in questo momento, ma forse l’alloggio lo è ancora di più. Guardando il lato positivo, il mondo digitale ha reso possibile essere creativi senza studio, ma per uno scultore è imperativo avere uno spazio dedicato per semplicemente scherzare, imparare a usare gli strumenti e sviluppare abilità. Questo elemento tattile è cruciale; c'è qualcosa di molto soddisfacente nel creare qualcosa a mano da zero.
JL: Per concludere, cosa puoi dirci dei tuoi materiali e dei tuoi valori come maker?
EC: Beh, fondamentalmente adoro creare cose. Ho sempre circa 20 cose in movimento. In un mondo ideale, sarei nel mio studio a creare cose tutto il giorno, ma non è realistico. Devo fare i conti con email e collaborazioni, che possono togliere tempo creativo personale. Mi piace l'aspetto sociale della collaborazione: mantiene la mia mente aperta a nuove possibilità e processi.
Una volta facevo tutto da solo in acciaio ma, a dire il vero, ora sono oltre. Non voglio passare ogni giorno a macinare il metallo; è un modo davvero difficile di realizzare le cose. Occasionalmente uso ancora l'acciaio per armature e altro, ma ora uso Jesmonite; è un mezzo molto versatile che puoi versare o usare come l'argilla. Sono molto curioso riguardo ai nuovi materiali. Ho lavorato con la resina per anni e alla fine ho deciso che la odio; la resina è bellissima ma è dannatamente tossica. Il problema della scultura è che, indipendentemente dai materiali utilizzati – legno, pietra, cemento, gesso – la polvere è pericolosa. Cambio materiale perché mi piace imparare cose nuove. L'ultima cosa che voglio fare è ripetermi.
Sono affascinato dalla struttura e dalla longevità dei materiali. I buoni materiali sono sostenibili e il bello del metallo è che ha valore, quindi viene riciclato. Alcuni dei miei piccoli pezzi vengono tradotti in pietra e questa è stata un'altra curva di apprendimento. Le cose che faccio in metallo non possono essere fatte in pietra semplicemente perché la pietra non ha resistenza alla trazione, quindi è difficile sfidare la gravità. Ho imparato a rispettarne il peso cercando di togliere quanto più materiale possibile dal blocco. La pietra e il bronzo sono così resistenti. Se sepolto per 3000 anni, il bronzo risulterà ancora più bello, con una patina leggermente incisa. Adoro il fatto che una scultura in metallo o pietra mi sopravviverà.
Eilis O'Connell è un'artista che vive tra Cork e Kerry. 'In the Roundness of Being' è stato presentato al VISUAL Carlow dal 17 febbraio al 12 maggio 2024.
eilisoconnell.com
